VAN GOGH EN AUVRES

VAN GOGH EN AUVRES

Calle de Auvres

óleo sobre lienzo 80 x 60 v,

Colección privada

VAN GOGH EN AUVRES

El 16 de mayo de 1890 Vicent salió de Saint-Remy y pasó tres días en París , en casa de Theo , que le presentó a su mujer Johana Bonger ( con quien se había casado el año anterior ) y  su hijo ( nacido el 31de enero y llamado Vicent Willem en su honor)
-

Siguiendo un consejo de Pissarro , Van Gogh se fue a vivir a Aubres-sur-Oise , a cuarenta kilómetros de París . Se alojaba en una habitación sobre el café de la familia Ravoux y recibía los cuidados del doctor Paul Gauchet , estudioso de las enfermedades mentales con su ayuda volvió a pintar paisajes y retratos .

Es imposible adivinar la evolución que habría seguido su obra si no se hubiese suicidado . Si en París asimiló el arte de los impresionistas , en Arles dio un paso adelante muy notable , superando el naturalismo de Millet y Pissarro , en clave simbolista y expresionista .

El espacio pictórico había sufrido una completa subversión en que las líneas ya eran libres de crear nuevos equilibrios y formas . Como ya no estaban obligados a ser fieles a la realidad , evocaban y sugerían dimensiones interiores.

El llano de Auvres

óleo sobre lienzo 73,5 x 92 cm

Neue Pinakothek, Múnich

Una vez más como sucede en otros cuadros que Van Gogh dedicó a lugares de Auvres , la mirada del espectador que contempla El llano de Auvres, se extiende sobre el gran panorama rural de colores claros y luminosos , pero a diferencia del cuadro pintado en Arlés , las líneas y las pinceladas son más agitadas y nerviosas , sobre todo en el cielo ocupado en buena parte por nubes que forman remolinos . A la vez que introducen un elemento dinámico , las nubes aportan dramatismo , preludio de la tragedia final que truncó prematuramente la vida del artista.

Margarita Gauchet al piano

óleo sobre lienzo 73,5 x 92 cm

Kuntsmuseum Basilea

En esta tela Van Gogh representó a la hija del doctor Gachet tocando el piano . La joven aparece de perfil, con el pelo recogido , la mirada baja y una expresión concentrada en la partitura y el teclado . En la tapicería verde, consteladas por pequeñas pinceladas de color rojo anaranjado que hacen que parezca un prado florido , resalta el largo vestido blanco y la tez ( apenas menos pálida ) de la mujer . La composición carente de profundidad refleja las aportaciones de Bernard y Gauguin.

La iglesia de Auvres sur Oise

óleo sobre lienzo 94 x 74 cm

Museo de Orsay, París

La gran importancia de Van Gogh dentro del arte moderno reside en su nueva definición del espacio pictórico que ya no obedece a la exigencia de la verosimilitud , sino que está en sintonía con los estados de ánimo subjetivos del artista .

El cuadro deja de ser un espejo de la realidad para convertirse en una dimensión espiritual donde el artista se refleja a sí mismo

Las líneas de los contornos están muy marcadas La zona del cielo tiene mayor planitud, empleando una pincelada a base de espirales, destacando la intensidad del colorido. Precisamente los tonos que utiliza Van Gogh también son muy personales. Los malvas, verdes, amarillos y blancos caracterizaban buena parte de su producción, añadiendo pequeñas superficies de color naranja para aludir a los colores complementarios. La figura de la mujer que camina por el sendero proporciona mayor vitalidad y realismo a la escena, un conjunto insuperable.

VAN GOGH EN AUVRES

Una gran parte del arte moderno está en deuda con Van Gogh , y sigue viéndole como un ejemplo a seguir . A principios de julio de 1890 Vicent sufrió una nueva crisis . Ni Theo ni Gauguin estuvieron dispuestos a pasar con él las vacaciones de verano , y el pintor se sintió solo, abandonado .

El 27 de julio , en pleno campo ( donde solía pintar ) , se pegó un tiro en el corazón con una pistola , pero el esternón desvió la bala . Gravemente herido, logró volver a su habitación , donde murió a causa de una hemorragia . Pocos meses después , el 25 de enero , también falleció Theo , corroído tal vez por el remordimiento de no haber hecho lo suficiente para salvar a su hermano.

Mercedes Tamara

30-08-2016

Bibliografía . Atlas del Impresionismo

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EL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA

EL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA 

Cosiendo la vela , Sorolla
óleo sobre lienzo 2, 22 m x 3 m
Museo de Arte Moderno Venecia

EL IMPRESIONISMO EN ESPAÑA

Durante todo el siglo XIX , pero sobre todo a partir del matrimonio entre Napoleón III y la condesa Eugenia de Montijo ( 1853 ) , los artistas , literatos e intelectuales franceses quedaron fascinados por la cultura española . Lo demuestran las obras de Théophile Gautier, Prospero Merimée y Charles Baudelaire , sin olvidar Catmen, la

famosa ópera de Bizet.

Los impresionistas también fueron grandes admiradores de la pintura española y se inspiraron frecuentemente en las obras de Velázquez, Murillo , Zurbarán, El Greco y Goya . El más fascinado fue , sin duda , Manet, tal como demuestran muchos de sus cuadros como Lola de Valencia ( h 1862, Museo de Orsay, París ) . En 1885 viajó por la Península Ibérica y en 1867 , 28 de las 53 obras que presentó en la exposición organizada por Louis Martinet eran de tema español.

En la primera mitad del siglo XIX el estilo dominante en España era el académico, representado por José de Madrazo ( 1781- 1859 ) , seguidor de David . Poco a poco ,

sin embargo , los artistas se abrieron a las novedades europeas , con figuras como Mariano Fortuny ( 1838-1874 ) Federico de Madrazo ( 1815-1894 ), Carlos de Haes

( 1829- 1898 ) y Martín Rico ( 1853-1908 ) que introdujeron el arte de los pintores de Barbizon , determinado la evolución del paisajismo español . Los más receptivos a las nuevas propuestas fueron los pintores barceloneses , como Claudio Lorenzale , Joaquim Espalter y Pelegrí Clavé , exponentes de un purismo influido por los nazarenos alemanes y los prerrafaelistas ingleses . También Ramón Alsina y Joaquim Vayreda interpretaron de modo original el estilo de Coubert y de la escuela de Barbizon , mientras que Eliseu Meifrén ( 1859-1940 ) se inspiró en Monet.

La Exposición Universal de Barcelona de 1888 marcó el nacimiento del movimiento modernista catalán , que ejerció gran influencia en el arte europeo de siglo XX , sobre todo a través de Picasso, Miró y Dalí.

 

LOS NABIS

Maternidad : Marie Henry y su pequeño hijo Meijer de Haas 1889

Maternidad : Marie Henry y su pequeño hijo
óleo sobre lienzo 73 x 61,5 cm
Colección privada 

Los Nabis : Entre las numerosas expresiones artísticas que caracterizaron el postimpresionismo , los pintores nabis tienen reservado un lugar de relieve, Ellos mismos se consideraban alumnos y continuadores del estilo"sintetista y cloisoniste " de Gauguin, y lo cierto es que lo llevaron hacía sus últimas consecuencias algunas de sus intuiciones, así como el uso antirrealista de los colores y la presencia de elementos simbólicos.  Para los nabis, el arte perdía casi toda su función de imitación y documentación de la realidad para entenderse como un instrumento mágico con el que indagar el misterio de la vida . Esta nueva concepción superaba el naturalismo de los impresionistas y abría el camino a las experimentaciones de las vanguardias del siglo XX .

Fue uno de ellos , Auguste Cazalis , quien eligió el nombre del grupo , bautizándolo "nabis " palabra derivada del hebreo nabim, que significa " profetas " , " inspirados " . Sus principales exponentes fueron Maurice Denis , Pierre Bnonard , Édouard Valloton , Aristide Maillot , Felix Valloton, Paul Ranson y Paul Seurier.

Entre 1888 y 1900 se reunieron en el estudio de Ranson o en la redacción de la revista Revue Blanche , para los que hicieron muchas ilustraciones . Los artistas nabis eran aficionados a los rituales esotéricos, la magia , las ciencias ocultas , el satanismo y la alquimia de los números , y se inspiraban en los escritores simbolistas 

Sus obras también beben del arte popular y de las culturas no europeas , principalmente de las estampas japonesas , que le enseñaron a organizar los espacios y las masas mediante superficies planas de colores vivos e intensos .Por otro lado, revalorizaron la artesanía en contraposición a la producción en serie de la industria , y también se dedicaron al diseño , la escenografía y las artes decorativas , para las que reivindicaron la misma dignidad que para las llamadas artes mayores .

De 1891 a 1900 participaron en muchas exposiciones privadas y públicas , especialmente en el Salón de los Indépendants y el Salón de l´Art Nouveau, del que están considerados como precursores . 

ALGUNAS OBRAS NABIS 

Lavanderas de Paul Gauguin

, 

Lavanderas
Óleo sobre lienzo, 74 x 92 cmDiputación de Vizcaya

Lavanderas en Arlés fue pintado en esa localidad francesa, a donde Gauguin acudió a finales de 1888 reclamado por Vincent van Gogh, que pretendía crear un grupo artístico. La obra recoge el interés del pintor en esa época por el predominio de la expresión sobre la representación formal, que supuso su ruptura definitiva con el impresionismo.  Este ideario, para el que Gauguin acuñó el término "sintetismo", se caracterizó por la representación no mimética de la naturaleza, por el rechazo a la perspectiva mediante el abandono de la tercera dimensión procedente de la estampa japonesa y por la separación del color en planos amplios y contrastados mediante una línea oscura . Elementos sobresalientes del cuadro son la abstracción del fondo, la impresión de movimiento, el encuadre fotográfico que recorta algunos elementos, las formas planas de contornos oscuros y las zonas de color puro. La distorsión de las figuras y su hieratismo muestran la influencia de la tosca estatuaria de piedra de las iglesias bretonas.  Dedicado tardíamente a la pintura, Gauguin lideró en las últimas décadas del siglo XIX la trasformación de los postulados impresionistas en formas de expresión más subjetivas. Su lenguaje artístico estuvo determinado por sus viajes a Pont-Aven o Arlés, y, principalmente, a los mares del Sur. La intensidad de los colores y la luz de la Polinesia, así como la estrecha relación entre la sociedad indígena y la naturaleza impresionaron al artista, de forma que los parajes exóticos y las creencias primitivas de Bretaña y Tahití, junto con la expresividad pictórica de su amigo Van Gogh, se convirtieron en los referentes para materializar sus ideas, que plasmó también en grabados, cerámicas y, en sus últimos años en la isla de Hiva-Oa, esculturas. Paul Serusier Talismán 1888 Talismán óleo sobre lienzo 27 x 21,5 cm Museo de Orsay, París  La experiencia de los Nabis arranca en 1888 , cuando Paul Serusier enseñó a unos compañeros de la Academia Julian un paisaje pintado en Pont -Aven sobre la tapa de una caja de puros siguiendo las indicaciones de Gauguin . El cuadro que recibió el nombre de Talismán se consideró el modelo e incluso el amuleto de este grupo de estudiantes jóvenes nacidos entre 1860 y 1870 que se conocían del liceo Condoret y la Évole des Beaux- Arts  Aristide Maillol, Perfil de mujer joven 1890 Perfil de mujer joven óleo sobre lienzo 73 x 100 cm Musée Hyacinthe , Rigaud , Pepriñan A principios de su carrera , Maillol se dedicó a los tapices ( que realizaba en un estudio abierto en Banyuls en 1893 ) y a la pintura . La mayoría de sus cuadros son imágenes de niñas y desnudos femeninos inspirados en lad telas de Paul Gauguin y Maurice Denis . Más tarde , se centró en la escultura , reelaborando los temas de los cuadros. Felix Volloton : Claro de luna 1894  Claro de luna óleo sobre lienzo 27 x 41 cm Paris , Museo de Orsay  Felix Valloton fue un ilustrador extraordinario , un observador atento a la realidad que sabía enriquecer sus composiciones e infundirles magia y poder de seducción gracias a un dibujo elegante y preciso , puesto de relieve por colores cálidos y luminosos. Mercedes Tamara 20 - 08-2016  Bibliogafia . Atlas de Impresionismo

LOS CAFÉS IMPRESIONISTAS

LOS CAFÉS IMPRESIONISTAS

Café nocturno de Van Gogh
óleo sobre lienzo 72 x 92 cm
Galeria de Arte Universidad de Yale

Tanto en las obras de imperio de Napoleón durante la tercera República , los cafés se convirtieron en nuevos espacios de convivencia entre los parisienses de todas las clases sociales. Su número aumentó considerablemente y hoy se calcula que a finales de siglo , París contaba con poco menos de veinticuatro mil locales, cada uno con sus propias características y clientela .Algunos tenían una fuerte impronta regional , con mayoría de inmigrantes entre sus asiduos que encontraban allí la comida y el folklore de su región de origen. Otros seguían las modas exóticas ligadas a las empresas coloniales o difundidas por las exposiciones universales-

Algunos cafés de París eran frecuentados por los impresionistas como Renoir, Degas Caillebotte, Van Goh , Gauguin y Toulousse Lautrec entre otros 

Joven con ciruela en aguardiente ( Edouard Manet ) 1878

Joven con ciruela en aguardiente
óleo sobre lienzo 88 x 72 cm
National Gallery of Washington

Este cuadro está ambientado en el Café de la Nouvelle Athènes . El rostro de la joven cuya identidad se desconoce refleja aburrimiento y melancolía . Quizás entrase en el local con la esperanza de divertirse con sus amistades después de un largo día de trabajo y ahora se encuentra sola , con la mirada perdida, un cigarrillo en la mano y un vaso sobre la mesa.

   En el café ( Edouard Manet )1878

En el café
óleo sobre lienzo 77 x 83 cm
Museum Oskar Reinhardt , Winterthur , Suiza

La escena se sitúa en la Brasserie Reichshoffen del boulevard 

Rochechouart de París. El hombre con el sombrero de copa es el garbador Henri Guérard, marido de Eva Gonzáles, modelo y alumna de Manet . La mujer de perfil no ha sido identificada . La del sombrero parece ser que era una actriz que ya había protagonizado el cuadro de Manet La absenta . En el escaparate se lee el anuncio de un espectáculo de HanloniLees, acróbata famoso que se exhibía en el Folies- Bergère . En primerísimo primer plano se ve una cerillera a disposición de los parroquianos  del local.

Interior de Café de la Nouvelle Athénes ( Jean Louis Forain ) 

Interior del Café de la Nouvelle- Ahénes
acuarela , guache y tinta sobre papel 36, 2 x 39 cm
Museo del Louvre , París

En el escaparate del local se lee la inscripción " dejéuners y cenas " . En general el ambiente de los cafés de París era tranquilo y relajado. Se comía bien y se pagaba poco . La conversaciones tocaban todos los temas , desde el arte a la filosofía y desde la literatura y la política . No faltaban divergencias y peleas 

Mujeres en la terraza de un café ( Edgar Degas ) 1877

Mujeres en la terraza de un café
pastel sobre papel 34,5 x 71, 5 cm
París, Museo de Orsay

En el grupo de mujeres sentadas es uno de los tantos cafés parisinos , Degas representó la vida de la sociedad de una época . Tras observar atentamente a los personajes , no los enseña tal como los ve , sin posar en actitudes inmediatas o espontáneas . Igual que hacían los novelistas fieles al naturalismo . En este cuadro el artista utilizó una gama limitada de colores , para plasmar mejor el ambiente del local

Mercedes Tamara

18-06-2016

Bibliografia El Impresionismo, Edic Taschen

PIETER BRUEGHEL EL VIEJO

PIETER BRUEGHEL EL VIEJO 

Juegoss infantiles

PIETER BRUEGHEL EL VIEJO .- El pintor holandés Pieter Brueghel el Viejo pintó cuadros , en los que , a vista de pájaro, se observa la vida cotidiana de humildes campesinos e historias bíblicas . Sus entretenidas descripciones de la vida de los campesinos le valieron el apodo , de Brueghel , El Campesino . En total Brueghel dejó un legado de tan solo cuarenta pinturas-

BIOGRAFIA .- 

La biografía de Pieter Brueghel el Viejo presenta lagunas debido a la ausencia de fuentes escritas. Los historiadores a menudo se ven reducidos a formular hipótesis. Entre otros datos, el lugar y la fecha de su nacimiento se prestan frecuentemente a conjeturas. Karel van Mander dice que nació «cerca de Breda en el pueblo cuyo nombre tomó para transmitirlo a sus descendientes». Sin embargo, había dos pueblos con el nombre de Brueghel o Brogel, uno en el Brabante Septentrional a unos 55 km de la actual villa holandesa de Breda, y el otro –que era doble y se denominaba Grote (Gran) Brogel y Kleine (Pequeño) Brigel- estaba situado en el actual Limburgo belga, alrededor de 71 km de Breda, y perteneciente en aquella época al principado de Lieja. Diversos biógrafos e historiadores han establecido posteriormente que Kleine-Brogel y Grote-Brogel estaban a alrededor de 5 km de Brée que, en el siglo XVI, se llamaba Breede, Brida o en latín Breda. Van Mander no habría pensado en que Breda en Brabante pudiera se confundida con Breede-Brida-Breda en Limburgo. Así pues, el problema no está resuelto

Para calcular la fecha de su nacimiento se tienen en cuenta dos hechos. El primero, que se sabe cuándo murió, en 1569, y que se produjo «en la flor de la vida» (medio aetatis flore) lo que quiere decir entre los 35 y 45 años. El segundo, que fue admitido como maestro en los liggeren («registros») del gremio de San Lucas en Amberes en 1551,^] siendo así que esto solía ocurrir entre los 21 y 25 años. Con ello se puede situar la fecha de nacimiento de Brueghel entre 1525 y 1530, por lo que es un contemporáneo de Felipe II de España.

También es insegura la ortografía exacta de su apellido, siendo las formas más frecuentes Brueghel, Bruegel y Breugel.Tampoco es seguro que adoptase ese apellido por ser el del lugar de nacimiento, porque para el siglo XVI ya existían los apellidos como nombres de familia

PINTOR DE LA VIDA COTIDIANA

A Brueghel le gustaba participar en las bodas campesinas . Se vestía como un labrador , se sentaba entre los invitados , coqueteaba con las mujeres , reía y bebía con los hombres . Carel van Mander , biógrafo del pintor , contaba : " A Brueghel le gustaba observar la manera que tienen los campesinos de comer, beber, bailar , saltar , cortejar a las mujeres y otras cosas divertidas ".

La minuciosidad con la que Brueghel observaba la vida cotidiana de las aldeas se puede percibir en estas pinturas llenas de color y de detalles. Pintó la poda de varas en tormentoso día de primavera , la sudorosa recogida del heno en verano, la otoñal bajada del ganado vacuno desde los prados a los establos o la vuelta al hogar de los cazadores en medio de intensas nevadas . Por otra parte, representó también pausas para almorzar en el campo, fiestas de carnaval o partidos de hockey sobre el hielo helado . Los burgueses adinerados , los consejeros reales y los ministros apreciaban sus cuadros sobre la vida campesina. 

PAISAJES IMAGINARIOS 

No se sabe si Brueghel procedía de una familia campesina , pero si está demostrado que trabó amistad con muchos intelectuales de su época y pintó cuadros religiosos, hechos que denotan su formación y que parecerían bastante extraños en el hijo de unos humildes campesinos.

En su viaje por Francia e Italia, Brueghel observó las colinas y las montañas que más tarde recogería en sus pinturas con los prados y pastos de las llanuras de su patria, creando sus propios paisajes imaginarios rebosantes de personas. 

En los cuadros de Brueghel la naturaleza ofrece a los hombres abundantes alimentos ( cereales, frutos, vacas , ciervos y zorros ) pero también encierran muchos peligros .

En su cuadro Cazadores en la nieve , aparece una casa en llamas y unos patinadores que caen al suelo . Hacía el final de su vida , Brueghel dejó de hacer desaparecer a sus figuras en la inmensidad del paisaje y las situó más en el primer plano de sus cuadros. Así aparecen comiendo , bebiendo, bailando , riendo y festejando como al mismo Brueghel le gustaba hacer con ellas. Fuera campesino o no, ningún otro pintor nos ha facilitado una imagen tan gráfica y precisa de la vida en el campo en aquella época.

CAZADORES EN LA NIEVE 1565

Cazadores en la nieve
óleo sobre lienzo 117 x 162 cm
Kunsthistorisches Museum

EL fondo de montañas aparece una aldea diseminada en Cazadores en la nieve, paisaje invernal en el que con un torno a un lago helado. Sobre su superficie patinan o se dedican a practicar deportes de invierno un sinfín de pequeños personajes recortados en silueta .

En el primer término a la izquierda , tres cazadores con su jauría regresan del bosque. La vegetación arbórea , desprovista de su follaje , acoge pájaros de distintos tipos que destacan sobre un cielo plomizo y uniforme ; delgadas capas de nieve, en la parte superior de las ramas , las perfilan con nitidez .

El examen de diversos detalles permite profundizar en el método de representación pictórica . La característica luz del invierno emana de las superficies nevadas que carecen de volúmenes y relieves . Por ello, los objetos , los animales y las figuras aparecenvistos en contraluz , la más de las veces en forma de sombras chinescas .

La agrupación de perros y cazadores tienen un especial sentido rítmico , mientras que el tratamiento perspectivo de tales figuras responde a un sistema de escorzo radialque Van Mander en su " Libro del pintor " publicado en 1604 , supone fuera inspirado por el tema popular de " La Rueda de la Fortuna " .

Por encima de todo prevalece en la ejecución una técnica caligráfica y precisa , compuestas por lineas de extraordinaria finura que construyen una animada reticula .

Torre de Babel
óleo sobre tabla 114 x 155 cm
Museo Kunsthistoriches Berlin

La torre de Babel es una pintura de Pieter Brueghel el Viejo,actualmente localizada en el Museo de Historia del Arte de Viena, el Kunsthistorisches, en Viena, Austria

.

Su tema es la construcción de la torre de Babel que, según la Biblia,fue una torre construida por la Humanidad para alcanzar el cielo. Según el Génesis, Yahvé confundió la lengua de los hombres, lo que les llevó a dejar la torre inacabada y a que se marcharan en todas las direcciones.

Es un tema que ya había sido tratado con anterioridad, desde los libros iluminados del siglo VI. Se retoma en el siglo XVI como símbolodel orgullo humano ^]advirtiendo de sus peligros, así como del fracaso de la racionalidad clásica frente a lo divino.

Es así una alegoría del orgulloso imperio internacional de los Habsburgo basado sobre una fe unificada y del estado constituido por banqueros ministros, clérigos, soldados y pensadores humanistas sicofantes
sometidos a tal proyecto.

El centro del cuadro lo domina la torre a medio construir, dentro de un amplio paisaje panorámico. El pintor adopta un punto de vista muy alto. En la parte superior de la torre, la presencia de una nube simboliza la pretensión de que querían alcanzar con ella el cielo.

La descripción de la arquitectura de la torre por Brueghel, con sus numerosos arcos y otros ejemplos de ingeniería romana hacen pensar de manera deliberada en el Coliseo que representaba para los cristianos de la época el símbolo de la desmesura y de la persecución.

De la Arquitectura de la Antigua Roma parece también provenir la mampostería de ladrillo, recubierta en el exterior por muros de sillería Es interesante constatar que la pintura de Brueghel parece atribuir el fracaso de la construcción a problemas de ingeniería estructural más que a diferencias lingüísticas de origen divino. Aunque a primera vista la torre parece constituida por una serie establece de cilindros concéntricos, un examen más atento demuestra la evidencia que algún piso no reposa sobre una verdadera horizontal; la torre está más bien construida como una espiral ascendente. Los arcos son sin embargo construidos perpendicularmente al suelo inclinado, lo que los hace inestables, algunos ya se aplastaron. Más inquietante puede ser el hecho de que los cimientos y los pisos inferiores de la torre aún no está acabados mientras que las capas superiores ya están construidas.

Tal vez lo grandioso de esa ruina inspiró a Brueghel lo sublime y al mismo tiempo lo vano o efímero del esfuerzo humano. Así es como generalmente se interpreta esta imagen: la Torre de Babel, monumentoa la vanidad del hombre y su inconsecuencia, pero al mismo tiempo tan magnífica... En el interior de la torre pueden catalogarse todo tipo de actividades humanas, todas contribuyendo a la elevación de la torre

Mercedes Tamara
29-05-3026

Bibliografia Wikipedia

                    Ariel Arte

PRECURSOR DEL MODERNISMO

PAUL CEZANNE PRECURSOR DEL MODERNISMO 

Paul Cézanne

Paul Cézanne (19 de enero de 1839–22 de octubre de 1906) fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica 11hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores», que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación.

París

Se inscribió en la Academia Suiza (Académie Suisse), una academia privada en la que trabajaba con modelos del natural, y en la que no había exámenes ni lecciones, todo ello para preparar el examen de ingreso en la École des Beaux-Arts. En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez, lo que marcó profundamente su evolución artística. 


Cuando rechazaron su candidatura a la École des Beaux-Arts (Escuela de las bellas artes), regresó a Aix y aceptó un empleo en el banco de su padre. Sin embargo, en 1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura, pasándole su padre una pensión de 125 francos. Reanudó su amistad con Zola y continuó sus estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y a Camille Pissarro, pintor mayor que él aunque poco reconocido, que vivía con su numerosa familia en una zona rural a las afueras de París. Cézanne se sintió de inmediato atraído por los elementos más radicales del mundo artístico parisino. 


Admiraba sobre todo al pintor romántico Eugène Delacroix y, entre los artistas más jóvenes, a Gustave Courbet y a Édouard Manet, que exponían obras de estilo y temas chocantes para sus contemporáneos. La polémica entre el arte oficial y los nuevos pintores llevó a la creación, en 1863, del Salon des Refusés donde se mostraban obras no aceptadas por el jurado oficial del Salón de París. El Salón oficial, por su parte, rechazó todas las obras que presentó desde 1864 hasta 1869. En 1864 pasó el verano en Aix-en-Provence; es el mismo año en que se celebra una muestra de la obra de Delacroix, lo que permite a Cézanne conocer su pintura en profundidad. 1869 es el año en el que conoce a la modelo Marie-Hortense Fiquet. En 1870 el Salón rechazó su Retrato de Achille Emperaire, por entender que era inaceptable al no respetar la perspectiva ni la corrección anatómica, juzgándolo «en el límite de lo grotesco».






Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Al igual que Zola con el realismo literario, Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color. Su afirmación «Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos», subraya su deseo de unir la observación de la naturaleza con la permanencia de la composición clásica. Ello queda en evidencia igualmente con su pretensión de «revivir a Poussin del natural» (Vivifier Poussin sur nature).

Son muy características y fácilmente reconocibles sus pinceladas, a menudo repetitivas, sensibles y exploratorias. Estas pequeñas pinceladas y planos de color se conjugaban para formar campos complejos, expresando al mismo tiempo las sensaciones del ojo que observa y una abstracción de la naturaleza observada.
Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente. La obra de madurez de Cézanne muestra el desarrollo de un estilo de pintura solificado, casi arquitectónico. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal.

Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a sus esencia geométrica:

Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera. Cézanne, 1904.

Por ejemplo, un tronco de árbol puede concebirse como un cilindro, una cabeza humana como una esfera. Además, la atención concentrada con la que había registrado sus observaciones de la naturaleza dieron como resultado una profunda exploración de la visión binocular, que resulta de dos percepciones visuales simultáneas y ligeramente diferentes, y nos proporciona una percepción de la profundidad y un conocimiento complejo de las relaciones espaciales. Vemos dos puntos de vista simultáneamente; Cézanne empleó este aspecto de la percepción visual en su pintura en grados diferentes. La observación de este hecho, junto con el deseo de Cézanne de capturar la verdad de su propia percepción, a menudo le llevó a presentar los perfiles de formas para al mismo tiempo intentar mostrar los puntos de vista distintivamente diferentes de tanto el ojo izquierdo como el derecho

                                             Algunas obras

                                         La montaña de Sainte -Victoire con gran pino
                                             óleo sobre lienzo 67 x 92,5 cm

                                            The Courtauld Gallery, Londres

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Situada junto al este de Aix en Provence, la montaña Sainte- Victoire fue el tema más recurrente de la pintura de Paul Cézanne . Pintó más de sesenta representaciones de la misma montaña : la usaba para llevar a cabo sus radicales experimentos con la pintura de paisajes y de hecho cambió continuamente su técnica pictórica . Mientras que los impresionistas se habían centrado en los efectos fugaces de la luz y el clima en el paisaje, Cézanne intentó analizar la geometría subyacente de las rocas y la vegetación, para tratar a la naturaleza a través del cilindro, la esfera, el cono. Su principal objetivo profesional fue reproducir sus escenas exactamente como las veía : un árbol por ejemplo, podía aparecer como un cilindro representado a través de unos pocos planos de color.

Cézanne estudió la montaña Sainte- Victoire desde diversos ángulos , mediante bloques de color para conseguir un efecto espacial conocido como " profundidad plana "y representar a la topografía de la montaña de forma más efectiva.

Cézanne pintó este lienzo desde un monte de la propiedad de su cuñado, desde donde solía trabajar en dos imágenes de la misma vista al mismo tiempo. Cuando Cézanne expuso esta obra por primera vez en una sociedad de pintores amateur de Aix, la Societé des Amis des Arts, en 1895, fue recibido con cierta incomprensión . La única persona que admiró la pintura fue el hijo de un amigo de la infancia de Cézanne, el joven poeta y escritor Joachim Casquet. El artista agradeció tanto esta apreciación que firmó la pintura, algo que hacía en raras ocasiones - y se la regaló a Casquet . Dos años antes de la muerte de Cézanne en 1906, Casquet vendió la pintura por la entonces increíble cantidad de 12.000 francos , en ese momento Cézanne había sido redescubierto por los jóvenes pintores vanguardistas contemporáneos. 

A Cézanne le preocupaba más el efecto general de su pintura que los detalles individuales. Entre las ramas del árbol pueden verse trazos pintados de gris y verde que pueden ser nubes u hojas. Estos trozos contribuyen a crear el efecto deseado : hacer que la parte superior del lienzo desprendiera movimiento. Cézanne dibujaba los elementos principales con marcas muy simples hechas con carboncillo y después añadía parches de color. Construía sus formas orquestando minuciosamente los tonos de dichos parches. La superficie escarpada de la montaña se transmite únicamente a través del color. El árbol constituye un marco para el motivo principal de la montaña . La ligera curva del tronco complementa la suave pendiente diagonal del paisaje que aparece en primer plano. De un modo similar, las ramas de la derecha siguen la línea de la hondonada que puede verse a lo lejos

Naturaleza muerta con cebollas
óleo sobre lienzo 66 x 82 cm
Paris, Museo de Orsay

Este cuadro es indudablemente uno de los resultados más fascinante de la investigación de Cézanne sobre el tema de las naturalezas muertas . El pintor se ejercita en la cebolla , que tiene una estructura más compleja y resulta por tanto especialmente afín a sus osadas búsquedas de estos años , por su "mayor flexibilidad lineal y sobre todo por su forma más abierta y ondulada " .

El pintor construye su composición descentrándola hacía la izquierda , para después imponerle un repentino movimiento hacía la derecha por medio de la leve pero eficaz proyección del cuchillo . En la mesa dispone aparentemente en desorden sus cebollas , que describen una serie de lineas curvas a las cuales reaccionan los ángulos agudos de la mesa, en un sutilísimo equilibrio de fuerzas centrífugas y expansiva la primera , contenedora y constructiva la segunda , casi como para remachar el esfuerzo constante del artista por dotar de orden el caótico movimiento al que están sometidas todas las cosas.

Con delicadas modulaciones de color traduce con esmero todas las vibraciones cromáticas que la atenta observación de la naturaleza sugiere con las rosas , los rojos, los azules y los anaranjados construye sabiamente las cebollas y luego se detiene en los efectos de transparencia del vidrio y de la copa , acentuados por el juego de reflejos y por la inestabilidad de los contornos . La capa de pintura es extremadamente fina y la delicadeza de los efectos de la luz revela, una vez más, su asiduo y fructifero acercamiento a la pintura española del siglo XVII . También a la pared quizá el espacio vacío más grande de toda la producción de Cézanne- se reserva un tratamiento pictórico particularmente refinado , que le confiere inéditos efectos de transparencia.

MUJER DE AZUL 1904 

Mujer de azul
óleo sobre lienzo 88,5 x 72 cm
San Petesburgo, Museo Estatal del Ermitage

Una mujer de azul en una silla , con aire de fatigado abandono; la mano izquierda apoyada en una mesa ; la mirada absorta , cargada de triste melancolía . Se trata de uno de los últimos retratos femeninos realizados por Cézanne , ya al final de su  trayectoria , quizá en el estudio de Lauves. 

La dama que posa para él no es Hortense, su esposa y modelo favorita . No tiene  sus rasgos , pero sí los de la protagonista de un cuadro ejecutado por las mismas  fechas , la Mujer con libro , hoy en Washington . Según Cachín, pudiera tratarse  de madame Brémond , la gobernanta del pintor tan apreciada por éste , que vivía  con él en la Rue Boulegon de Aix y tenía fama de ser una óptima cocinera. Émile 

Bernard la conoció cuando fue a Provenza , a casa del maestro en 1904, y percibió  de inmediato el sincero afecto que la mujer profesaba al huraño pintor al que le  toleraba con paciencia salidas chuscas como la de que " siempre pasaba junto  a él sin rozarlo ni siquiera con la falda ".

El retrato que le dedica Cézanne posee un gran vigor expresivo. Su figura se impone con una fuerza casi monumental . El pintor trabaja de manera refínadisima con el color, haciendo que las modulaciones cromáticas definan por si solas los volúmenes . Azul sobre azul , tono sobre tono : con sabios toques de rosa . Cézanne destaca los puntos más salientes de la figura y con el negro sigue su perfil para darle mayor consistencia plástica . La gama cromática es luminosa y viva : del rosa el pintor pasa al amarillo claro y luego al verde esmeralda hasta llegar al " tono local " dado por el azul cobalto al que encomienda la tarea de definir parte del fondo . Ante una

 pared irreal y abstracta , la figura de la mujer se   recorta vigorosamente , merced también a la compleja perspectiva que le enmarca y la empuja hacía delante , hacía el primer plano, con ayuda de la  esquina de la mesa y su profunda diagonal , que parece proyectarlo todo más  allá de los estrechos límites del lienzo.

Mercedes Tamara 

25-05-2016

Bibliografia : UrielArte