VASILI KANDINSKY : EL CAMINO HACÍA LA ABSTRACCIÓN 1866-1944
" Un hombre capaz de mover montañas " , con estas palabras describía Franz Marc a su amigo y artista Vasili Kandinsky que, con sus ideas sobre un nuevo lenguaje pictórico , revolucionaría el arte de nuestro siglo. |
| Pareja a caballo óleo sobre lienzo 55 x 50, 5 cm Múnich, Stáadtchische im Lebenchhaus |
Como creador de la pintura abstracta, Kandinsky liberó el arte de su función tradicional , al ofrecer un reflejo de la realidad visible . Si bien a comienzos de este siglo algunos pintores ya habían experimentado con la disolución del objeto en el cuadro y habían convertido los colores y las formas en instrumentos expresivos con valor propio . Kandinsky fue el que experimentó de forma más consecuente con los elementos abstractos. Dedicó su vida al desarrollo de la pintura hacía la abstracción , aunque su obra creativa siempre estuvo acompañada por reflexiones y juicios teóricos.
En sus consideraciones sobre el sonido de los colores , la música le sirvió de orientación y norma , como un arte liberado de toda obligación de reproducción a la que envidiaba por la independencia y libertad de sus instrumentos expresivos . Inspirándose en la música , Kandinsky aspiraba a lograr una especie de " teoría de la armonía "para la pintura, una regularidad interior que debían seguir los colores y las formas.
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| Belleza rusa en un paisaje pintura al temple sobre cartón , recubierta de gris oscuro, 41, 5 x 28, 8 cm Múnich , Stäadtische Galerie in Lenbachhaus |
El ruso Kandinsky fue durante toda su vida un peregrino entre dos mundos. Aunque nació en Moscú en 1866, pasó la mayoría de los años en Alemania y París. Pero era un ruso de cuerpo y alma . Consideraba a su amada ciudad natal, Moscú, como la esencia de lo ruso y la fuente de todas sus aspiraciones pictóricas . Las profundas emociones y la intensas percepciones cromáticas lo asaltaban cuando la luz del atardecer cae sobre los tejados y las cúpulas de Moscú, despertaban en él de inmediato el deseo de pintar semejantes efectos cromáticos . Estos colores le excitaban en lo más profundo y le parecían sonidos de diversos instrumentos.
Sin embargo, el joven Kandinsky no se atreve a seguir de inmediato la carrera artística . El arte le parece un tesoro muy elevado e inalcanzable , y sus fuerzas se le antojan demasíado débiles para expresar sus sentimientos en sus cuadros. En lugar de ello comienza a estudiar jurisprudencia , se dedica a las ciencias económicas . Pero siempre , anhela el arte , ya sea la pintura o la música, como fuentes de experiencias y conocimientos nuevos y sorprendentes. Durante su visita al Ermitage de Leningrado le llenan de entusiasmo los cuadros de Rembrandt por la división en zonas claras y oscuras , descubriendo en el contraste de colores un " formidable sonido doble ".
El drama musical de Wagner le permite asistir por primera vez a una obra de arte total. Los tonos en una representación de " Lohengrin "
evocan ante sus ojos los colores vespertinos de la ciudad de Moscú , ve y oye el atardecer moscovita que tanto le había gustado pintar y reconoce que la pintura parece desarrollar fuerzas semejantes a la música . Kandinsky tiene una marcada facultad de percepción sinestética . Para él los colores no están vinculados a los objetos , sino que, según su sensibilidad , se unen con los sonidos , con tonos de diferente intensidad, altos o bajos, agudos o sordos.
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| La canción del Volga, 1906 pintura al temple sobre cartulina 49 x 66 cm París, Museo Nacional de Arte Moderno Centre Georges Pompidou |
En su último año como estudiante en Moscú , Kandisnky tiene otra experiencia decisiva . Contemplando un cuadro de la serie de Monet ,
Almiar, no reconoce el objeto. Aquí ya adivina vagamente que la fuerza de los colores hace del objeto algo superfluo . Mucho antes de que Kandisky se dedicará sistemáticamente a la pintura y convirtiera en su tema el problema de la abstracción en el cuadro, percibe inconscientemente ante esta obra impresionista que sólo la fuerza de la paleta es capaz de determinar el efecto del cuadro. Si bien todavía está lejos de renunciar al objeto, cuando lo haga recordará su encuentro con Monet .
A la vista de todas estas vivencias , no resulta inesperado de todo la decisión de Kandinsky de convertirse en pintor. Poco antes de trasladarse de Moscú a Múnich en 1896, ya había dejado de ser jurista y trabaja como director de una imprenta de reproducciones de arte . Parece que ya se ha consumado el abandono de la carrera académico-
jurídica.
Así pues, Kandinsky se traslada a Múnich a los 30 años. Desde la época de Luis I , Múnich es considerada una dinámica ciudad artística en la que Arnold Bröcklin y Franz von Stuck celebran sus mayores triunfos . A través de la " Secesión de Múnich " fundada en 1892 , los artistas progresistas consiguen hacerse oír, por lo menos durante un cierto tiempo . Aquí se incluyen corrientes estilísticas que van desde el historicismo académico , pasando por el naturalismo y el impresionismo, hasta el simbolismo .
Aunque estos artistas no están unidos por un programa común, lo decisivo es que rompieron con las exposiciones académicas y encorsetadas , aportando una fresca brisa al mundo artístico de Múnich.
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| Negro y violeta óleo sobre lienzo
El cuadro contiene dos figuras principales de los colores que inica el título. La composición está hecha en plano bidimensional, recuerda a un collage de papel.
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Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a
Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente
en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años
1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se
dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era
secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía
en la riqueza cromática y la simplificación formal.
Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.
Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.
En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.
Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.
La influencia del entorno de la Bauhaus se dejó sentir, y su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También escribió manifiestos para la Bauhaus y publicó el libro Punto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos, como hiciera ya al comienzo de su trayectoria pictórica.
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| Punto y linea sobre el plano |
En el punto se sitúa todo origen de una obra artística ya que es la parte más mínima y escueta de la obra. También sitúa en el punto, el origen del resto de las formas naturales.
El aspecto exterior del punto geométrico determina su aspecto externo, se le suele considerar pequeño y circular, pero esta idealización es equivoca porque puede adquirir cualquier aspecto, ya que el punto se produce “del choque del instrumento con la superficie material” con lo cual la huella del punto está en relación con la herramienta que se haga.
La tensión del punto tiene una tensión concéntrica y carece de movimiento, es estático, comparándolo con las relaciones humanas, el punto sería el silencio en una conversación.
Kandinsky plantea que el punto puede formar una composición por sí solo, la más sencilla sería el punto en el centro de un plano cuadrado pero a penas tiene sonoridad. Si cogemos este punto y lo situamos en otro lugar del plano, aparece la bitonalidad. Ahora bien si repetimos este punto y le alteramos en tamaño y forma podremos alcanzar el cenit en la sonoridad.
- La línea:
La definición sería: la sombra que deja un punto al desplazarse en cualquier dirección. A diferencia del punto la línea es dinámica y aparte de la tensión también consta de dirección. Las líneas se pueden vivir en tres grandes grupos:
I- Líneas simples. En cual estarían las líneas rectas que se dividen a su vez en: horizontales (tienen un carácter frío), verticales (carácter cálido) y diagonales (carácter templado). El resto de rectas son derivaciones de las diagonales y dependiendo de su posición (más vertical o más horizontal) así será su carácter.
Cuando nos encontramos con un complejo de rectas tenemos que pueden ser acentrales, las cuales no pasan por el centro y son las primeras en asociarse a colores: el amarillo y el azul. Y las centrales, las líneas pasan por el centro y se relacionarían con el blanco y el negro. En la transición de acéntricas, el lirismo frío se va volviendo cálido hasta alcanzar una calidad dramática, lo que significa que las líneas guardan todos los sonidos desde el lirismo inicial al dramatismo final.
II- Líneas complejas. Son las quebradas o angulares, surgen del choque de los líneas rectas y se van a catalogar según su ángulo: agudo (45º, son líneas activas y calidas), recto (90º, tienen un frío controlado) y obtuso (135º, son torpes y débiles). Cuanto más cerrado es el ángulo es más cálido y según se va abriendo se vuelve más frío.
De estos ángulos surgen las formas primaras que a se vez se corresponden con un color: con tres ángulos agudos conseguimos un triángulo y su color asociado es el amarillo; con cuatro ángulos rectos obtenemos un cuadrado y su color es el rojo; y con el ángulo obtuso la forma que alcanzamos es el círculo al cual le corresponde el azul. Estas formas y colores aportan una trisonancia a la composición.
Para concluir decir que las líneas quebradas se pueden complicar añadiéndole otras líneas ya existentes.
III- La curva. La curva simple surge a través de una recta que ha sido desplazada de su camino por una presión constante (cuanto mayor es esta presión más cerrada es la curva). Esta curva contiene el germen del plano más inestable-estable, el círculo.
Nos encontramos con dos tipos de curva: la geométrica ondulada (los radios y las presiones negativas-positivas, son iguales) y la libremente ondulada (desaparece el aspecto geométrico, los radios y las presiones negativas-positivas están “al libre albedrío”)
En relación a todo el tipo de líneas también hemos de de tener en cuenta su énfasis, es decir, la anchura de la misma, ya que es un motivo claramente de sonoridad.
Llegados hasta aquí cabría preguntarse cómo se consigue la representación gráfica de estos dos aspectos formales vistos hasta ahora. Kandinsky da tres procedimientos, el aguafuerte, la xilografía y la litografía.
- El plano básico:
El plano viene delimitado por dos líneas horizontales (frías) y dos verticales (cálidas), con lo cual tiene una sonoridad equilibrada. Su forma básica es el cuadrado. Si tenemos que otorgar atributos a las partes, éstos serían: para el arriba, ligereza, liberación y libertad misma; para el abajo, condensación, pesadez, ligazón; para la izquierda, soltura, ligereza, liberación y finalmente libertad; y para la derecha, condensación, pesadez, las tensiones chocan con mayor oposición.
Hemos de tener en cuenta que estas tensiones se pueden neutralizar con formas opuestas, por ejemplo formas pesadas arriba y ligeras abajo. También considerar que el movimiento hacia la izquierda, es hacia la liberta y el movimiento hacia la derecha, es de recogimiento, interiorización.
El plano da dos posibilidades para colocar los elementos: una es que estén colocados de tal forma que fuercen el sonido del plano, y la otra es que los elementos se encuentran sueltos en el plano, llegando a flotar y sin conocer límites precisos.
En el plano también van a aparecer los antagonismos: máximo (cuando las figuras van dirigidas a la máxima tensión) o moderado (las figuras se dirigen a una tensión moderada).
Decir para terminar que, una de las formas de conseguir sonoridad se realiza a través de la distancia entre la forma y el borde. La cercanía al borde aumenta el sonido dramático de la construcción, el mayor acercamiento al centro le presta un sonido lírico. Además cuando las rectas son reemplazadas por curvas, la suma de los sonidos aumenta.
Conclusiones:
La contradicción producida en una época en la que su arte coetáneo aún no es entendido, que con el triunfo del nazismo llegara a denominarse degenerado, resulta chocante que en la Bauhaus aparezca esta serie de libros, los Bauhaus-Bücher, detallando minuciosamente aspectos formales, estéticos, creativos… para la realización de obras de arte.
Al ser un libro en su totalidad didáctico no sería aventurado decir que se puede poner en relación con la tradición medieval (que sobre todo se da en esta área geográfica Alemania sus entornos) del libro de taller, ya que los bauhasianos son grandes conocedores la Historia del Arte anterior. Sino véase por ejemplo al monje Teófilo y su libro Las diversas artes en el cual detalla la elaboración de una vidriera. Kandinsky detalla la elaboración de una obra a través de puntos, líneas y planos.
Destacar el nihilismo de Kandisky, porque sí el punto es la parte mínima e invisible (nada) y el todo proviene del punto, nos encontramos con un silogismo muy sencillo “el todo es la nada”, que por similitud se puede comparar con el arte abstracto, porque éste parte de objetos reales, los cuales el artista reinterpreta en formas llegando a la abstracción, este proceso es irreversible, con lo cual tenemos una obra que no representa nada (aunque más adelante Ángel Ferrant publica un texto: “todo se paree a algo” cuya conclusión es como el título: todo se parece a algo y ese algo es humano).
Cuando habla de la vertical y la horizontal (concretamente de la formación del eje de coordenadas) lleva implícitos conceptos teosóficos, que ya también uso Mondrian. Ya que la vertical es el hombre (por connotaciones fálicas) para Kandinsky es lo cálido; y la vertical es la mujer, la tierra fértil, para Kandinsky es lo frío. La unión de estas dos rectas en un eje de coordenadas, será en concepto teosófico el andrógino.
Para acabar, en relación a los colores comentar que tanto Kandinsky, como el neoimpresionismo, fauvismo… son herederos de las teorías de Chevreul, que publicó en 1889 El principio de armonía y contrastes de colores para aplicarlo en el arte, es primer texto rigurosamente científico en relación al color, Kandinsky innova al asociar los colores a figuras geométricas. (1)
KANDINSKY- IMPRESIONES E IMPROVISACIONES.
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| Improvisación 28 Acuarela 112 x 162 cm Salomon Guggenheim , Nueva York |
Se considera el grupo Der Blaue Reiter, fundado a finales de 1911 en torno de Kandinski (1866-1944), como una segunda oleada expresionista y, al mismo tiempo, como una reacción contra el cubismo, al cual se oponían por su fondo racionalista y realista. Este grupo se orientaba hacia una pintura de contenido espiritualista, que tendía a la abstracción. Marc afirmaba: "Queremos volver por otro camino a las imágenes abstractas y misteriosas de la vida interior, que está regida por leyes distintas de las que la ciencia descubre en la naturaleza". El movimiento que da vida a Kandinsky es anticlásico no sólo porque niega todo fundamento naturalista al arte, sino también porque concibe la necesaria renovación del arte como la victoria del irracionalismo oriental frente al racionalismo artístico occidental. Utilizando los términos del estructuralismo lingüístico podríamos resumir: la comunicación se hace a través de signos, cuyo significado está mediatizado por los objetos de la experiencia común; en cambio, la comunicación estética quiere ser una comunicación intersubjetiva que vaya directamente del hombre al hombre, sin la mediación del objeto o de la naturaleza.
Así explica cómo nació la primera acuarela abstracta en 1910: "Volvía, enfrascado en mis pensamientos, de mis bosquejos, cuando, al abrir la puerta del estudio, me vi de pronto ante un cuadro de belleza indescriptible e incandescente. Perplejo me detuve mirándolo. El cuadro carecía de todo tema, no describía objeto alguno identificable y estaba totalmente compuesto de brillantes manchas de color. Finalmente, me acerqué más y sólo entonces reconocí lo que aquello era realmente: mi propio cuadro puesto de 1ado sobre el caballete...Una cosa se me hizo manifiesta: que la objetividad., la descripción de objetos, no era necesaria en mis pinturas y, en realidad, las perjudicaba".
El problema que se le planteaba era si la forma y el color, libres de todo propósito representativo, podrían articularse en un lenguaje de contenido simbólico; y llega a la conclusión que las puras formas clásicas podían dar expresión a una necesidad interna: era necesario que las formas de color estuvieran dispuestas sobre el lienzo tan claramente como las notas de una partitura orquestal.
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| Iglesia de Murnau, Improvisación óleo sobre cartón 64,7,x50,2 cm Museum Staadische Galerie im Lebenhaus, Munich |
Kandinsky distingue tres tipologías distintas en sus obras: 1) Una impresión directa de la naturaleza exterior. A esto llamo una Impresión -hasta 1910-. 2) Una expresión, en gran parte inconsciente, espontánea, de carácter interior, de naturaleza no material (es decir, espiritual). A esto llamo una Improvisación -de 1910 a 1921-. 3) Una expresión de un sentir interior lentamente formado, elaborado repetidamente y de un modo casi pedante. A esto llamo una Composición".
El año 1910, cuando tenía 44 años y un pasado de pintor figurativo, olvida el "oficio" y empieza a hacer garabatos como un niño de dos años. Kandinsky se propone reproducir experimentalmente el primer contacto del ser humano con el mundo del que nada sabe. El niño recibe sensaciones del mundo exterior, pero la percepción no se concreta en noción, se traduce en un conjunto de movimientos instintivos con los que el niño selecciona lo que le atrae y rechaza lo que le espanta. Kandinsky no pretende demostrar que el niño ve así el mundo, sino que se propone analizar el origen y la estructura primaria de la operación estética.
Su código muestra los siguientes elementos: manchas de color extendidas y transparentes dan el sentido de profundidad fluctuante; las densas e intensas, son substancias que flotan en el espacio fluido. En las manchas oscuras predominan dos colores: el rojo, cálido que tiende a expandirse, y el azul, frío, que tiende a contraerse. Cada color representa una fuerza; éstas se pueden sumar o restar, se limitan o se impulsan mútuamente. Los signos lineales filiformes son indicaciones de posibles movimientos, sugieren la dirección y el ritmo de las manchas, ponen en movimiento todo el cuadro; son los que dan a las manchas de color la cualidad de fuerzas y no de formas, y dan el ritmo al movimiento. Kandinsky substituye la noción de espacio por la de campo.
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| Improvisación 28 1910. 112 x 162. Acuarela. Salomon R. Guggenheim, Nueva York. |
En el proceso de creación juega un papel preponderante el concepto de improvisación; pero la obra es elaborada con gran esfuerzo, minuciosamente, dando rienda suelta a las inspiraciones momentáneas, pero sin dejarse dominar por factores de azar.
En su primera época no figurativa, parece remontarse al primer estadio del grafismo infantil. Las Improvisaciones son movimientos agregados de signos sin ningún soporte estructural ni ningún orden aparente: en el mismo cuadro hay signos de origen diferente que es imposible combinar en un discurso morfológicamente y sintácticamente coherente -puntos, comas, curvas, rectas, manchas, nubes de color. De la realidad el pintor no recibe más que imágenes débiles, parciales y no de objetos definidos sino de cosas quietas o móviles, puntiagudas o redondas, filiformes o dilatadas. Estas impresiones no sirven para reconocer los objetos y menos para representarlos; la impresión visual se traduce en estímulo motor del cual nos podemos liberar reaccionando o expresando, es decir, traduciendo el movimiento interior en signos visibles. El arte sería, pues, la conciencia de aquello de lo que no se puede tener conciencia de otra manera.
El arte extiende la experiencia que el hombre tiene de la realidad y le abre a nuevas posibilidades y modalidades de acción. Un cuadro de Kandinsky no es un modelo, es un estímulo; no es una transmisión de noticias, sino de fuerzas.
Lo que es "espiritual" para Kandinsky no es, en absoluto, lo que es ideal para los simbolistas: el símbolo es también una forma a la que corresponde un determinado significado. Lo espiritual es lo no-racional; el signo nace del impulso profundo del artista y, por tanto, es inseparable del gesto que lo traza.
Para Kandinsky las combinaciones son inagotables que cristaliza en una infinidad de obras que brotan de tres fuentes originarias : la impresión , la improvisación y la composición.
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| Concierto nº 3 ,1911 ( Improvisación ) |
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| Impresión, 5 óleo sobre lienzo 106 x 157 cm Centre Georges Pompidou, Paris |
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| Improvisación 31 : Batalla en el mar , 1913 |
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| En negro II , 1923 |
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| Improvisación VII, 1910 |
Composiciones
Al igual que una improvisación , el origen de la composiciónes es inconsciente , pero a diferencia de ella , progresa muy despacio , ya que es elaborada de un modo meticuloso,consciente y , a veces, racional incluso .
COMPOSICIÓN VII 1913
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COMPOSICIÓN VII DE VASSILY KANDINSKY
óleo sobre lienzo 200x 300 cm
Moscú, Galeria Estatal Tretjakow
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La obra principal de los últimos años muniqueses de Kandinsky es la Composición VII que preparó en más de 30 estudios ( estudios al óleo, dibujos y acuarelas ) y que,en su complejidad formal , superaa todas las otras anteriores.
Al igual de la Composición VI también este óleo está lleno de una variedad tumultuosa y caótica de pequeñas formas y colores, que, ( al parecer ) no está ligada ya a figuración alguna. La variedad de formas , dividida en numerosos pequeños fragmentos de color,empuja hacía la esquina superior e incluso más allá de los márgenes . El margen inferior e izquierdo está formado por superficies mayores , moduladas de color . De este modo, la composición adquiere una fuerte orientación diagonal , que divide al cuadro en una forma superior nerviosa y en otra inferior, tranquila, Esta orientación de movimientos en diagonales se encuentra ya en numerosos estudios previos . La mayoría de los bocetos son estudios de la composición , pero entre ellos se encuentran también óleos autonómos, además de detalles de motivos individuales.
COMPOSICIÓN VI
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| COMPOSICIÓN VI DE VASSILY KANDINSKY óleo sobre lienzo 195x300cm San Petesburgo, Ermitage |
La Composición VI forma parte de las obras de mayor tamaño y más ambiciosas de la época muniquesa de Kandinsky . En contra de la impresión de un " golpe de genialidad " en Retrospectivas en (1913 ) Kandinsky habla de un proceso extremadamente lento , de una búsqueda muy esforzada . El punto de partida fue el diluvio universal , que había tratado anteriormente en una pintura tras cristal. Las diferentes formas figurativas muestran un carácter deliberadamente lúdico, para defender el serio tema. Una vez terminada la pintura tras cristal , expresó el deseo de tratar este mismo tema en una composición: pero el traslado al gran formato no satisfizo al principio a Kandinsky , debido al predominio de las formas figurativas :" Y en esto se debía solo al hecho de que sucumbí a la expresión del diluvio . No el sonido interior, sino la expresión exterior no dominada ".
Las pequeñas formas fragmentadas exigen cada atenuación y tranquilidad mediante el uso de trazos largos y " solemnes ". Para suavizar esa acción de sonidos dramáticos de las lineas : es decir, para atenuar un elemento dramático demasiado entrometido, se integra en el cuadro una serie de manchas de diversa intensidad de rosa, que ralentizan el aumento dramático de las formas principales. El carácter sereno se ve interrumpido, por otro lado, por diferentes manchas azules, que producen un efecto interiormente cálido.
El efecto cálido de los colores en sí eleva el elemento dramático . Las formas profundamente marrones ( sobre todo, arriba a la izquierda ) introducen una nota obtusa y muy abstracta a la composición , que a Kandinsky recuerda el elemento de los desesperanzados. El verde y el amarillo animan el estado anímico y le dan la actividad de la que carece.
Composición VI se encuentra al comienzo de una nueva pintura abstracta, cuya manifestación a primera vista caótica ( pero exactamente equilibrada desde el punto de vista de la psicología formal ) sabe configurar: a partir de la ruptura de esquemas conocidos de configuración, una nueva semántica iconográficamente aboga con insistencia por la autosuficiencia de la formas y los colores , ese vocabulario que Kandinsky fue desarrollando poco a poco durante sus años muniquenses , su logrado intento de formular de un modo completamente nuevo las leyes artísticas , allanaron el camino para las posibilidades de algunas de las obras más extraordinarias del arte moderno.
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| Composicíón X , 1939 |
Cinco años antes de su muerte en 1944, Kandinsky completa eltrabajo final de la serie. El saldo pendiente y principal característica de La Composición X es, evidentemente, el manifiesto color negro delfondo.
Los colores y las formas parecen particularmente pronunciadossobre este fondo negro. El brillo de las formas de colores recuerda losrecortes de Matisse. El movimiento de las formas es claramente haciaarriba y hacia afuera en ambos lados de un eje central que atraviesala forma de libro de la parte superior del lienzo. Este movimientorefuerza la presencia de la forma “globo de aire caliente” se elevahacia un espacio infinito. La forma redonda entre la forma de libro yla forma del globo marrón, la “Luna” transmite una sensación deespacio ultraterrenas. Kandinsky siempre ha expresado una fuerteaversión por el color negro y es significativo que lo haya elegido comoel color dominante de su última declaración artística importante.
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| Composición V , 1913 |
Lo que llama la atención en "COMPOSICIÓN V " es que nada tiene que ver con las composiciones geométricas hacía las que se orientaban Mondrian . Kandinsky sospechaba por entonces por entonces que la geometría aparecía demasiado comprometida con los dibujos ornamentales de las artes aplicadas
Por eso mismo resulta chocante que fuera rechazada en aras de lo que no era . Asimismo, si bien supone en la trayectoria del artista un paso decisivo hacía la abstracción,se ven todavía rastros reconocibles de Murnau con iglesia en la parte superior central y otros índices fragmentarios y dispersos en el paisaje . Ello nos sugiere que Kandinsky no abandona por completo ese espacio plástico intermedio en él que más le gusta jugar oscilante entre la figuración y la abstracción
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| Composición IX , 1936 |
La Composición IX refleja a la imaginería surrealista. Aunque negó cualquier influencia surrealista en su obra, las formas biomórficas claramente hacen recordar el lenguaje pictórico de Miró. Sólo hay undibujo preparatorio para la Composición IX y ninguno de ComposiciónX. Esto se debió, según Nina Kandinsky, es que el artista en estaetapa de su desarrollo fue capaz de visualizar un cuadro en su totalidad en la cabeza y luego lo traduce directamente a la lona. LaComposición IX es posiblemente el menos impresionante de la serie.Los amplios colores en diagonal sirven como una base sólida para lasformas biomórficas y geométricas que parecen flotar en frente deella. Hay una cualidad casi alucinada de ritmo y despliegue de lasformas. En el análisis final, sin embargo, La Composición IX da una sensación perceptible de ser una obra decorativa en comparación con la intensidad emocional de las composiciones anteriores.
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| Composición IV , 1911
Su obra Composición IV muestra una serie de lineas. colores y formas sin ninguna relación con la realidad exterior. El lienzo. dominado por colores muy vivos, expresa un estado emocional. Cada color comunica un sentimiento y equivale a un sonido. Música y pintura están vinculadas, como escribe Kandinsky en su libro Sobre lo espiritual en el arte (1911). Los colores surgen en hermosas mezclas de límites completamente inverosímiles. Todo es como una explosión de fuegos artificiales, no hay ni la más remota idea de paralelismo, ni de simetría, y por supuesto es casi imposible encontrar una ligera similitud con cualquier tipo de pintura figurativa. El artista necesita exteriorizar una necesidad interna, y lo hace mediante la abstracción. Busca un arte espiritual. imaginativo, intuitivo. El cuadro es una realidad autónoma sin conexión con la naturaleza.
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| Composición VII, 1913 |
Esta lírica composición es la obra cumbre de Kandinsky. A pesar de haber sido pintada en tan solo cuatro días, el propio artista reconoció que era "la pieza más compleja que jamás he pintado". Y hablando de sus composiciones, Kandinsky las definía así: "Expresiones de sentimientos que se forman lentamente en mi interior (...), que, tras los primeros bocetos preliminares, voy examinando y trabajando. Este tipo de pintura es lo que yo llamo 'composición'". La influencia directa de Kandinsky en artistas posteriores como Arshile Gorky, Jackson Pollock o Willem de Kooning es evidente
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| Composición VIII, 1923 Óleo sobre lienzo 140 x 201cm Museo Salomon Guggenheim, Nueva York
El espectador recibe un buen susto en el movimiento de emoción apocalíptica de Composición VII al ritmo de la composición geométrica VIII . Pintado diez años más tarde en 1923. Composición VIII refleja la influencia del suprematismo y el contrustivismo absorbido por Kandinsky , mientras que en Rusia antes de su regreso a Alemania para enseñar en la Bahaus .
Aquí Kandinsky se mueve desde el color hasta la forma como elemento que domina la composiciónj: formas contrastantes ahora proporcionan el equilibrio dinámico de la obra , el gran círculo en la parte superior izquierda juega en contra de la red de lineas precisas en la parte deecha del lienzo .
Kandinsky utiliza diferentes colores para energetizar la geometría : un circulo amarillo con halo azul frente a un círculo azul con halo amarillo: un ángulo recto lleno de luz y un ángulo agudo de color rosa. El fondo también trabaja para mejorar el dinamismo de la composición.
El diseño no aparece como un ejercicio de geometría en un plano pero parece ser que tiene lugar en un espacio indefinido. Los colores de fondo en capas color azul claro en la parte inferior, de color amarillo claro en la parte superior y blanco en el centro -Las formas tienden a avanzar y a retroceder de la profundidad creando un efecto dinámico
Conclusiones: En cuanto al contenido en sí al contenido hecho en signo y un lenguaje pictórico nuevo creado por kandinsky la abstracción de este artista nos aporta ciertos elementos de verdad, más allá de la pretendida autonomía que tiene la forma abstracta con respecto a las formas anteriores a ésta .Esta forma abstracta de la interioridad anímica del pintor , quiere hablarnos con su arte , respecto a la creencia y superioridad moral que otorga a su pintura kandinsky quiere hablarnos indirectamente de belleza
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El autor es el precursor de la abstracción, teorizando además sobre el arte y siendo de gran influencia en las posteriores corrientes. Usa figuras simplificadas, influenciado por la teosofía, corriente filosófica que Mondrian también seguía. La realidad oculta tras las apariencias es lo que defendían, como se puede leer en su obra escrita De lo espiritual en el arte.
El arte que descarta cualquier referencia objetiva para realzar su tendencia a la abstracción convirtiendo la superficie del lienzo en una construcción abstracta llena de manchas y lineas horizontales y verticales no tuvo una buena acogida en la vida del artista
Kandinsky Vasili : Punto y linea sobre el plano (1 )
Kandinsky Vasili : Punto y linea sobre el plano (1 )
Mercedes Tamara
29-11-2014
Bibliografia : Kandinsky, Edic Taschen
Gombrich, E " Historia del Arte " Ed Sudamericana ,
" Historia del Arte Universal "Ed Galach, Madrid
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