JULIO ROMERO DE TORRES ENTRE EL MITO Y LA TRADICIÓN

Museo Julio Romero de Torres.

BIOGRAFÍA

Julio Romero de Torres nació en Córdoba el 9 de noviembre de 1874 y falleció el 10 de mayo de 1930Hijo del también pintor Rafael Romero Barros, director del Museo de Bellas Artes de Córdoba, comenzó su aprendizaje a las órdenes de su padre en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba a la edad de 10 años. Gracias a su afán por aprender, vivió intensamente la vida cultural cordobesa de finales del siglo XIX y conoció ya desde muy joven todos los movimientos artísticos dominantes de esa época.

En 1890 pinta los que sería su primera obra conocida La huerta de los MoralesJulio Romero de Torres participó con intensidad en todos los acontecimientos artísticos de Córdoba y España . Ya en el año 1895 participó en la Nacional en Madrid, donde recibió una mención honorífica. También participó en las ediciones de 1899 y 1904, donde fue premiado con la tercera medalla. En esta época inició su experiencia docente en la Escuela de Bellas Artes de Córdoba.

En 1906, el Jurado de la Nacional rechazó su cuadro Vividoras del Amor, lo que provocó que el Salón de Rechazados fuera más visitado que las salas de la Exposición Nacional. Ese mismo año marchó a Madrid, para documentarse y satisfacer su inquietud renovadora. Después realizó viajes por toda Italia, Francia , Inglaterra y los Países Bajos.

En 1907 concurrió con los pintores más renombrados de la época a la exposición de los llamados independientes en el Círculo de Bellas Artes. Poco después obtuvo por fin su primera medalla en la Nacional del año 1908 con su cuadro Musa gitana. También recibió el primer premio en la Exposición de Barcelona de 1911 con el Retablo de amor, y dos años después en la Internacional de Munich del año 1913 En la Exposición Nacional de 1912, cuando Romero de Torres aspiraba a la medalla de honor, su obra no fue reconocida, lo que provocó que sus admiradores le entregaran una medalla de oro cincelada por el escultor Julio Antonio. Cuando sus cuadros tampoco fueron premiados en la Exposición de1915  con la medalla de honor decidió retirarse definitivamente de las Exposiciones Nacionales. En 1916 se convirtió en catedrático de Ropaje en la Escuela de Bellas Artes de Madrid , instalándose definitivamente en la capital

. A partir de aquí, su obra comenzó a representar el pabellón español en diversos certámenes internacionales, convocados en París , Londres, etc. Sin embargo, el gran momento de éxito se produjo en Buenos Aires, el año 1922. En agosto de ese mismo año Julio Romero de Torres había viajado a la República Argentina acompañado de su hermano Enrique, y en los últimos días de este mismo mes se inauguró la exposición, que fue presentada en el catálogo por un espléndido texto de Ramón Valle- Inclán. La muestra constituyó un éxito sin precedentes. Fue miembro de la Real Academia de Córdoba y de la de Bellas Artes de San Fernando.

A principios de 1930, Julio Romero de Torres, agotado por el exceso de trabajo y afectado de una dolencia hepática, volvió a su Córdoba natal para tratar de recuperarse. Pintando en su estudio de la Plaza del Potro, realizó entre los meses de enero y febrero la que sería su obra final y más célebremente conocida, La chiquita piconera.

ESTILO

Julio Romero de Torres fue heredero de la tradición del siglo XIX y su obra se adentró en el nuevo siglo manteniendo estrechos vínculos con el pasado , en la pervivencia del simbolismo junto al modernismo y en la visión de una imagen de la mujer que tiene que ver con el imaginario decimonómico, son visibles estas influencias , adornadas, eso sí, con elementos folclóricos y vernáculos. El principal motivo para el pintor fue la mujer. 

Según vemos en la iconografía del pintor cordobés , la mujer estaba representada de dos maneras : una representaba la virtud y el orden doméstico - aparecen escenas de mujeres que llevaban una vida de oración y con una entrega mística- ;  .y otra , que contrasta con este tipo de mujer y que la mostró  de una manera muy  sensual , entregada a los placeres  de la vida y del amor .

Entre 1908 y 1915 construyó su propia mitología desde el punto de vista de un modernismo renovado , teniendo en cuenta el mundo simbolista que había utilizado anteriormente como fuente de inspiración . 

Deseaba crear una mujer de  belleza trascendente , idealizada y simbólica, que estuviera más allá del tiempo De ese deseo , surgió un tipo de mujer que supo plasmar  en sus lienzos . Estas bellas mujeres se convirtieron en arquetipos que le harían famoso y le convertirían yn un pintor de estilo irrepetible. 

El pintor proyectó sobre sus mujeres una mirada interior, un ensimismamiento . Por eso, ellas aparecen pensativas y ausentes . Sus personajes femeninos están en primer plano , separadas y aisladas de la acción que podría otorgarles vida y conferirles una posición activa. Muestran primero sus almas y sus sentimientos y en segundo plano aparecen los acontecimientos de las que muchas veces son víctimas.

Entre la sensualidad y la mística

A través de la dualidad y del concepto de oposición de contrarios , permanente en su obra que consiste en la división del mundo femenino en dos clases de mujeres. Por un lado las que simbolizan el erotismo y la perversión , sin ningún tipo de virtud , pero revestidas de belleza y la mujer fiel , ésta encuentra su expresión más elevada en la total entrega a la fe, encarnada por betas y monjas .

MONJA 1911

Monja

óleo sobre lienzo 50 x35 cm

Colección Museo Thyssen , Málaga

En torno a 1910 comienza a consolidarse la fama, que , años más tarde llevaría a la cúspide a Julio Romero de Torres . Pese a ello, su ascendente prestigio no venía avalado por el reconocimiento de su obra en la Exposición Nacional de ese año, ya que la recompensa obtenida por Musa gitana ( Madrid, Museo Nacional de Arte Reina Sofia) en la de 1908, no se repite ahora cuando presenta, entre otras, una de sus pinturas más sugerentes y simbólicas, el Retablo del amor  ( Barcelona, Museo Nacional de Arte de Cataluña ). Esta falta de reconocimiento oficial provocó la indignación de un nutrido círculo de más de cien intelectuales con una protesta escrita presentada ante el Ministerio de Instrucción Pública por Cristóbal de Castro ( 1874-1953). Protesta que ya en 1911, le valió la concesión de la encomienda de la orden de Alfonso XII y su nombramiento como Inspector y Comisario Regio en la Exposición Internacional de Roma.

Esta pintura Monja había despertado el interés del maestro al comenzar una larga serie de pinturas con diversas representaciones de monjas, casi todas franciscanas de blancas y negras tocas , que suponen una singular estética y extemporánea iconografía en relación con otros pintores de su época, interés y repetición de la iconografía que ha llevado a que se considere a estas monjas como uno de los  arquetipos

femeninos de la pintura de Romero de Torres.

A partir de la representación de La mística del Retablo del amor de 1910 y hasta llegar a la Monjita ( Córdoba, Museo de Julio Romero de Torres ) que dejó inacabada a su muerte en 1930, Romero lleva novicias y profesas a algunas de sus pìnturas de esos años , como Pidiendo para la Virgen, Las dos sendas , La consagración de la copla o La Gracia 

( Córdoba, Museo de Julio Romero de Torres ) , de 1928.

Es curioso resaltar que no parecen monjas en la escasas muestras de sus pinturas religiosas - pinturas murales en la parroquial de Procuna, capilla de la familia Oriol en Madrid . La Magdalena ( Córdoba, Museo de Julio Romero de Torres ) Santa Inés ( Córdoba, Museo Julio Romero de Torres ) y pocos ejemplos más - sino que están presentes en algunas obras de temática claramente profana o con títulos de vagas reminiscencias piadosas en cuyas composiciones suele identificar a la monja con el amor místico - que no beato - a pesar de una concepción ciertamente heterodoxa de obras como el Retablo del amor o La consagración de la copla. Elige igualmente esta iconografía para los retratos individualizados, de clara inspiración del Renacimiento italiano como éste conservado en el Museo de Carmen Thyssen, Málaga, de 1911, o el del Museo Julio Romero de Torres de 1930.

La composición está centrada por el retrato de medio cuerpo de una joven novicia, con un rosario colgando de su mano derecha sobre un fondo neutro, repitiendo en le ángulo superior derecho algunos de los elementos paisajísticos y arquitectónicos tan queridos por el maestro cordobés , como cipreses y arcadas de un patío con tejadillo , en esa evocación de la arquitectura y urbanismo de su ciudad natal que Romero traslada reiteradamente a los lienzos.

LA MUJER SENSUAL

Representa el otro tipo de mujer . Parece ser que para plamar el desnudo de este tipo de mujeres el artista se inspiró en el Quattocento italiano, Romero de Torres está también imbuido del interés por lo simbólico : Botticelli, Leonardo da Vinci , cuyas pinturas habían evolucionado en siglos posteriores hacía lo alegórico . El simbolismo del artista le permitía expresar lo universal de este género del desnudo 

En estas pinturas las mujeres aparecen con la piel aterciopelada , lisa y pulida ,iluminadas de forma envolvente y uniforme , devuelve la luz que recibe . Están echadas y apoyan su cara en una mano , con actitud de indolencia e incluso de hastíado abandono 

EL PECADO 1913

El pecado
óleo sobre lienzo 183 x 200 cm
Museo Julio Romero de Torres

En 1915 Julio Romero de Torres presentó en la Exposición Nacional dos lienzos : La gracia y El pecado .Este cuadro en un guiño a la Venus del espejo de Velázquez. Pero lo que en el pintor sevillano es suntuosidad y seducción, aeeopado por dos personajes , Venus y Cupido, por el rojo cortinaje que aporta teatralidad y sirve para enmarcar la escena y complementar su  boato, en la obra de Julio Romero de Torres el cuerpo de la mujer de espaldas y el espejo  en el que se mira, quien ya no es una diosa,  es sostenida por viejas enlutadas, que forman un telón de fondo mucho más tétrico. Ya no hay mitología, sino ácida realidad.

A pesar de la incuestionable influencia de la pintura del pasado y su admiración por los grandes maestros , también es bastante probable que Julio Romero de Torres estuviera atento a los acontecimientos artísticos  de la época . En 1906 la National Gallery había pagado una enorme suma de dinero por la adquisición de la llamada " Venus de Rockeby "Pocos años después, en 1914, una sufragista asestó siete cuchilladas al lienzo de Velázquez.El ataque fue muy comentado por la prensa y el cuadro de Julio Romero fue realizado por entonces.

La cortesana tiene un collar de coral, las celestinas cuchichean entre ellas y una de las mujeres del pueblo, cuya modelo fue la cantaora Carmen Casena ofrece una manzana como símbolo del pecado. Venus es también Eva. La Celestina es otro personaje fundamental oscuro y gris,y con una carga simbólica en la literatura castellana. En ese mismo juego de oposición y contrarios en que la piel desnuda se contrapone a los negros vestidos de las celestinas, hay una similitud con el fragmento de La calumnia de Apeles de Boticelli, donde se encuentra ese mismo contraste , un figura negra, la Penitencia, en oposición a la Verdad desnuda. En  el fondo como si de una Florencia se tratase , pueden verse edificios cordobeses, la iglesia  de San Hipólito y el castillo de Almodóvar del Rio . A lo largo de los siglos la desnudez había tenido una interpretación ambivalente . La Biblia y la literatura romana la entendieron como algo censurable, pero también, en sentido figurado, era símbolo de la sinceridad, la sencillez y la franqueza . Las teorías neoplatónicas otorgaron al cuadro de Tiziano Amor sacro y amor profano una lectura en que la desnudez era símbolo de las mayores virtudes.De esta forma, Nudas Veritas llegó a ser una de las personificaciones empleadas con cierta profusión durante el Renacimiento y el Barroco.

Reflejado en un espejo ovalado se presenta un marco de rica decoración , aparece el rostro femenino. Este formato fue habitual en los espejos utilizados a finales del siglo XIX. Su aparición en esta obra no fue el único caso ya que el pintor utilizó este motivo simbólico en otras obras como La niña del espejo , realizada para la exposición de Bilbao de 1919, y Contrariedad que se expuso en Buenos Aires en 1922.

El espejo tiene carácter mágico. Además de recordarnos el mito de Narciso , el espejo es un icono lunar, pues necesita recibir la luz al igual que el satélite de la tierra y los espejos de mano son símbolos de la verdad. Como la luna, para el pensamiento del siglo XIX la mujer era un simple reflejo del mundo que la rodeaba. La femineidad era una fuente continua de fascinación para la propia mujer, porque mirarse a si misma era su único contacto con la realidad.

En el cado de El pecado , la obra es sinónimo de coquetería femenina y de los defectos terrenales como la vanidad. A los pies aparecen rosas como resultado de la belleza efímera y de los presentes que le serán entregados por sus amantes . Y en el suelo los zapatos que simbolizan las bajas cosas naturales, tanto desde el punto de vista de lo humilde como de lo ruín, Pero los zapatos son también un símbolo de lo femenino y el detalle y el lujo del raso de seda son representativos de elegancia, un signo sofisticado de la moda de su tiempo. El pintor lo utilizó con un sentido fetichista en numerosas obras.

LA CHIQUITA PICONERA

La chiquita piconera
óleo sobre lienzo 100x 80 cm
Museo Julio Romero de Torres , Córdoba

La chiquita piconera es la obra más famosa de Romero de Torres. La escena se desarrolla en el interior de una humilde habitación, con una joven sentada en una silla de enea que se adelanta sobre un brasero, sosteniendo en su mano derecha una badila de cobre con la que mueve el picón, el carbón. Una puerta abierta nos permite contemplar el fondo, con el paseo de la Ribera y el Puente Romano bajo un cielo de anochecer. El hombro desnudo, el incipiente nacimiento de los pechos y las bien torneadas piernas abiertas de la joven embutidas en medias de seda presionadas por ligas de color naranja constituyen la oferta de la muchacha para brindar su joven cuerpo a cambio de alguna moneda que la libere de su humilde condición. La modelo que posó para este cuadro fue María Teresa López, argentina de nacimiento que con 14 años ya era modelo del maestro. 

La chiquita piconera es el auténtico testamento pictórico de Romero de Torres al sintetizar toda su concepción de la pintura y el arte. Con una técnica casi fotográfica en el tratamiento de los planos, la modelo mira penetrante, no al infinito, sino de una forma directa y próxima, convirtiéndose en un cuadro expresionista ya que Romero nos transmite algo más que el placer de contemplar un bellísimo y original retrato; nos muestra el sufrimiento y la penuria de una joven que no duda en dedicarse a la prostitución para salir de su delicada situación. En definitiva, en esta obra se expone todo el arte del genial pintor cordobés que falleció en Córdoba, la ciudad que le vio nacer, al atardecer del 10 de mayo de 1930, a la edad de 55 años. La noticia corrió por la ciudad como la pólvora y los comercios, casinos, teatros y tabernas cerraron sus puertas. En el entierro se dieron cita miles de cordobeses de toda condición social, incluso el Ministro de Gracia y Justicia acudió en calidad de representante del rey Alfonso XIII. El féretro fue llevado por los obreros cordobeses hasta el Cementerio de San Rafael, donde el Ayuntamiento de Córdoba había cedido un terreno en perpetuidad para celebrar el entierro, corriendo también con los gastos de los funerales. Fueron necesarios nada menos que 26 automóviles para llevar las coronas que llegaron desde todos los puntos de España. He aquí una muestra del cariño hacia el maestro, cariño que él también supo transmitir hacia todo el mundo.

LA NIÑA DE LAS NARANJAS 1928

La niña de las naranjas
óleo sobre lienzo 94x78,7 cm
obra inédita

La niña de las naranjas es una obra "excelente e inédita", como ha sido calificada por los asesores de la sala, representa a una mujer joven sentada, mientras sujeta un frutero con naranjas en actitud pensativa fijando la mirada en el espectador. La dama está situada ante una ventana frente a la luz y al cielo, una composición que puede simbolizar la apertura a la esperanza. LLeva una especie de túnica de color blanco formando pliegues y de su hombro derecho cae una túnica roja que bordea la silla en la que está sentada la protagonista En el fondo se insinúa una mujer de espaldas  en una calle cordobesa con figuras misteriosas y un tratamiento pictórico muy avanzado para la época en que se realizó la obra




 Esta misma temática protagoniza otros cuadros del pintor, entre los que figura una obra de esta misma época, realizada en 1.928. Se trata de Camino de bodas .Anteriormente entre 1925 y 1926 pinto otro cuadro también titulado La niña de las naranjas en el que pintó a una mujer de medio cuerpo en una posición inversa -mirando al espectador -situada a la derecha del lienzo aoma su  pecho izquierdo , mientras que con la mano derecha sostiene varias naranjas

El tema central del cuadro  representa una concepción mixta entre el bodegón y la figura humana, dos líneas argumentales simultáneas que el maestro utiliza también frecuentemente en obras tan conocidas como Naranjas y limones , de 1.927, y La niña de los limones , de este mismo periodo.

Según el informe que acompaña la obra, la composición equilibrada armoniza la introducción de bodegón y retrato destacando la inclusión de la fruta en el contexto. Esta iniciativa no es exclusiva de Julio Romero y ya aparece en autores clásicos como Rafael en Las Tres Gracias y Alberto Durero en Adán y Eva . Ambos pintores influyeron en el estilo propio del retrato, especialidad en la que el pintor cordobés alcanza la genialidad.

Mercedes Tamara ( autora )

19-05-2016

Bibliografía : Julio Romero de Torres : " Entre el mito y la realidad " Edic Carmen

                       Thyssen Bornemizsa, Madrid

                        Wikipedia
                       ARTEHISTORIA 

WILLIAM MAILLORD TURNER Y LA CAPTACIÓN DE LA LUZ

WILLIAM MAILLORD TURNER Y LA CAPTACIÓN DE LA LUZ

Aurorretrato

BIOGRAFIA

Nació el 23 de abril de 1775 en Londres. Hijo de un barbero fabricante de pelucas. Ingresó a los 14 años en la Royal Academy de Londres, donde expuso por primera vez a la edad de 15 años.

Formado en la tradición del paisaje topográfico inglés en el taller de Thomas Malton influyéndole también la obra de Girtin ,con quien trabajó en una serie de acuarelas.


En el año 1799 pasó a ser socio de la Royal Academy y en 1782 se convirtió en miembro. Realizó numerosos viajes por Inglaterra, Escocia, Suiza, Francia e Italia donde produjo sobre todo acuarelas de paisajes. Sufrió las duras críticas de George Beaumont, lo que hizo que sus ventas bajaran considerablemente.



En sus primeros trabajos representó escenas mitológicas e históricas con efectos atmosféricos que diluyen la luz y el calor y usó la acuarela para inducir cromáticamente sus temas de manera rápida como se observa en Sol naciente a través del vapor (1807, National Gallery, Londres) y en el tratamiento de las formas arquitectónicas, como en Dido construyendo Cartago (1815, National Gallery, Londres).


También realizó numerosos grabados para su inacabada colección Liber studiorum (1806-1819). Después sus obras se caracterizan por un colorido más brillante y por la difuminación de la luz como en La bahía de Baïes (1832, National Gallery, Londres) y Ulises ridiculizando a Polifemo (1829, National Gallery, Londres). Por entonces realizó ilustraciones para libros de topografía y una colección de acuarelas con escenas venecianas.

Murió en su casa en Cheyne Walk, en Chelsea, Londres, el 19 de diciembre de 1851. Según sus deseos, fue enterrado en la catedral de S. Pablo (St Paul's Cathedral), donde descansa al lado de Sir Joshua Reynolds. Su última exposición en la Real Academia fue en 1850.

Estilo

Este inconfundible pintor inglés no dejó pasar ninguna ocasión con tal de vivir en primera persona ciclones, mareas, aludes y erupciones volcánicas . Durante una tormenta de nieve en la que se vio envuelto un transbordador en el que viajaba , hizo que le sujetaran al mástil con el único objetivo de no perder ni un detalle de la furia y el estrépito del viento y de los colores del cielo. En el margen de los bocetos que hizo durante el temporal anotó las palabras en letra pequeña " Casi zozobramos " . Después en el taller, esta aventura en barco se convirtió en una de las composiciones de Turner más agitadas Tormenta de nieve
Los ojos del observador son atraídos hacía la imagen captada con energía como si de una resaca se tratara . El pintor dio lugar a dudas respecto a la indefensión del hombre hacía la naturaleza

La práctica hace maestros

Turner, ya de niño, se sentía fascinado por las fuerzas de la naturaleza . Sobre todo le encantaba el agua del Támesis que fluía infatigable y que se encontraba a muy pocos metros de su casa paterna en Londres . Retenía las instalaciones portuarias del Támesis y los aparejos en los barcos , que casi siempre desaparecían entre la niebla en pequeños dibujos que con regularidad exponía en la peluqueria del padre . Aunque nunca recibió formación artística , su experiencia y su gran talento se vieron recompensados con una beca para la Real Academia británica , que consiguió cuando tenía 14 años de edad. Allí pronto alcanzó fama y descrédito. Consideraba a los demás artistas , incluso a los viejos maestros, como sus rivales , En la primavera de 1799 tuvo ocasión de estudiar una obra de Claude Lorrain, que gozaba de admiración general y Turner decidió pintar paisajes similares. En lugar de dejarse amedrentar por los grandes pintores, quiso demostrar que él era el más grande y pronto se hizo un nombre como maestro del paisajismo romántico.

Lluvia, vapor y velocidad
óleo sobre lienzo 91 x 121, 8 cm
National Gallery Reino Unido

Esta pintura fue exhibida por vez primera en la Royal Academy en 1844, aunque pudo haber sido pintada con anterioridad. La fecha es significativa porque los ferrocarriles eran aún algo nuevo. A diferencia de otros pintores de la época, que despreciaban la industrialización y no veían en el progreso industrial temas merecedores de tratamiento pictórico, Turner admiraba la técnica moderna y por ello pinta la locomotora más moderna de su género y el entonces vanguardista puente de Maidenhead.^] Aun así, no se trata de ningún homenaje al ferrocarril ni a la revolución industrial. El tren es usado como recurso para representar un objeto a gran velocidad, para desmaterializar la forma.

El gran ferrocarril del Oeste (GWR, sigla de su nombre en inglés) fue uno de una serie de compañías de ferrocarril británicas privadas creadas para desarrollar este nuevo medio de transporte. El propósito del GWR fue inicialmente conectar Bristol con Londres; su ingeniero jefe era Isambard Kingdom Brunel.

La localización de la pintura es, según se acepta generalmente, el puente llamado Maidenhead Railway Bridge, sobre el río Támesis entre Taplow y MaidenheaLa vista está mirando hacia el este, hacia Londres. El puente fue diseñado por el ingeniero Brunel y completado en 1838. La línea desde Paddington en Londres a Taplow se inauguró en 1838.

Turner realizó apuntes del natural y luego creó el cuadro en su taller.

Pinta a un tren que corre a lo largo de las vías. El paisaje está definido muy vagamente, como en muchas otras obras de Turner, hecho que lleva al célebre crítico Francesco Arcangeli a relacionar la obra del pintor con el informalismo de Jackson Pollock. Pero la repercusión más importante de este pintor está encarnada en la pincelada de los impresionistas.

Recurre a una luz muy intensa que transmite más la emoción que la realidad objetiva. Así logra crear la atmósfera que pretende, más que ofrecer una representación verídica. A través de empastes se logra reflejar el humo del ferrocarril y el aire mismo. 

                            

EL SOL LEVANTÁNDOSE ENTRE BRUMAS : PESCADORES LIMPIANDO Y VENDIENDO PESCADO 1807

El sol levantándose entre brumas : pescadores limpiando y vendiendo pescado
óleo sobre lienzo 134 x 179,5 cm
National Gallery , Londres

En muchos sentidos, esta obra temprana de Joseph Mallord William Turner ( 1775-1851) es el retrato tradicional de una agradable escena de grupo . Entre las reconocidas influencias que se advierten en la obra , podemos citar a Willem van der Velde , el joven, artista holandés especialista en marinas que vivió en el siglo XVII y los primeros paisajes italianizantes de  Claudio de Lorena y Richard William.

Estos artistas buscaban crear un ambiente determinado a sus paisajes , Van der Velde y Lorena, además lograron un dominio absoluto de los efectos cromáticos y espaciales de la luminosidad, factor determinante en la obra de Turner. Esta obra contiene una de las primeras versiones de efectos atmosféricos que con tanta perfección captó Turner y por los cuales llegó a ser famoso, con un sol que brilla entre las nubes para iluminar el agua e incidir en las barcas y los pescadores.

Es como si el cuadro no representara un lugar específico, sino que estuviera pintado con un profundo cariño y una gran sabiduría. Turner vivió toda su vida cerca del agua, ya fuera al lado de un río o junto al mar, y sentía una viva inclinación por los enclaves bañados por lasaguas y las temáticas acuáticas. Por otro lado, pasó parte de su infancia con unos parientes de su madre que eran pescadores.

Turner especificó en su tratamiento que esta pintura , junto con su Dido en la construcción de Cartago ( 1815 ) que fuera expuesta en la National Gallery of London, al lado de sus dos cuadros preferidos de Lorena . Muchos críticos de arte han afirmado que aunque Turner  forjó un estilo sorprendentemente novedoso, nunca llegó a perder sus raíces tradicionales.

LUZ DE LUNA , ESTUDIO EN MILBANK 1797

Luz de Luna , estudio en Milbank
óleo sobre tabla 31,5 x 41,5 cm
Tate Gallery Londres

Turner conoció el carácter de la abismal diferencia entre el color de la luz y los colores del arte con una claridad rara que no era frecuente en los pintores de su época. Se puede reconocer en sus cuadros la pureza del color y un sentimiento de tensión, como si registrase una aspiración continua hacía un orden de pureza imposible para el color.

El enfoque de Tuner en la mayoría de sus pinturas es esencialmente empírico y práctico porque desconfiaba de los sistemas. Para Tuner :" El color dependía de la Naturaleza y de las percepciones y sus efectos : a través de cada mutación del tiempo y de las estaciones son los materiales que se ofrecen cotidianamente como modelos a imitar.

En Luz de luna, estudio en Milbank , Turner se interesa especialmente por la luz concreta de  la luna y la hace protagonista del cuadro logrando un efecto lumínico que desemboca en las  aguas de la franja central del cuadro . A la derecha se ve parte de un barco en semipenumbra y a la izquierda unos matorrales . Todos están bajo la oscuridad de la noche y, apenas son  perceptibles por el espectador. La clásica secuencia de tonos que utilizaron otros paisajistas

es sustituida por interacciones del color. El orden tonal Turner lo disuelve con total maestría  con él la estructura pictórica. 

El color adquiere una consistencia difusa evoca formas que se expanden y se mezclan a la vez y lo hacen desde el centro hacía el exterior . Turner me parece clave dentro de la pintura romántica también, porque recorre dentro de su obra, todo el camino de liberación espacial. En este espacio Turner ya destruye la proporción y por ello, se puede hablar de informalismo  y de abstracción que algunos han querido reconocer en la representación de esa pasión es  la huella de una realidad más intima que la misma naturaleza,no un esfuerzo por reducir la naturaleza al maleable conjunto de formas y color con que tantos artistas abstractos se  conforman con jugar.

Mercedes Tamara
18-05-2016

Bibliografia ,Edit Biblioteca El Mundo

                     Wikipedia

SALVADOR DALI Y EL SURREALISMO ALOCADO Y FANTÁSTICO

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904-ibídem, 23 de enero de 1989), 

Fue pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.

Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.

 Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística

Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo»que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

Retrato de Mae West
gouache sobre papel de periódico 31 x 17 cm
Instituto de Arte de Chicago

CARACTERÍSTICAS DEL ARTE DE DALI

El arte de Dalí era alocado y fantástico . En una ocasión diseñó un teléfono cuyo auricular era una langosta ; en otra , dejó perplejo al público con un pan de 15 metros de largo . Estos objetos debían ser distintos del arte " normal " de su tiempo y " absurdo " , al igual que las esculturas y las pinturas de los demás surrealistas de París.

SUEÑOS INMORTALIZADOS

Dalí nunca pintó la realidad en sus cuadros, sino que ante todo pretendía hacer visibles los enigmas de sus sueños . Por esa razón, en sus pinturas aparecen jirafas ardiendo y elefantes enormes caminando sobre zancos y atravesando las nubes , de los árboles cuelgan relojes de bolsillo que se funden ; melones, cuchillos y trenes flotan en el espacio sin gravedad ; o grupos de personas en cuadros misteriosos se convierten , en función de la mirada del espectador , en calaveras y recuperan su imagen original . Algunas figuras tienen cajones abiertos en sus cuerpos, en cuyo fondo oscuro se ocultan sus más íntimos secretos . Dalí plasmó ese mundo interior imaginario sobre el lienzo con un estilo aparentemente muy fiel a la realidad .

CARACTERÍSTICAS DEL ARTE DE DALI

El arte de Dalí era alocado y fantástico . En una ocasión diseñó un teléfono cuyo auricular era una langosta ; en otra , dejó perplejo al público con un pan de 15 metros de largo . Estos objetos debían ser distintos del arte " normal " de su tiempo y " absurdo " , al igual que las esculturas y las pinturas de los demás surrealistas de París.

SUEÑOS INMORTALIZADOS

Dalí nunca pintó la realidad en sus cuadros, sino que ante todo pretendía hacer visibles los enigmas de sus sueños . Por esa razón, en sus pinturas aparecen jirafas ardiendo y elefantes enormes caminando sobre zancos y atravesando las nubes , de los árboles cuelgan relojes de bolsillo que se funden ; melones, cuchillos y trenes flotan en el espacio sin gravedad ; o grupos de personas en cuadros misteriosos se convierten , en función de la mirada del espectador , en calaveras y recuperan su imagen original . Algunas figuras tienen cajones abiertos en sus cuerpos, en cuyo fondo oscuro se ocultan sus más íntimos secretos . Dalí plasmó ese mundo interior imaginario sobre el lienzo con un estilo aparentemente muy fiel a la realidad .

Sofá con los labios de Mae Westtela y madera 92 x 213, 8 cm
The Royal Pavillon , Brighton

En 1934 pintó el "retrato transitable " de la conocida actriz estadounidense Mae West , con su cortina de cabellos , el sofá en forma de labios y la chimenea en forma de nariz : los objetos adquirieron vida y se compusieron formando un rostro habitable . Más tarde , reconstruyó el cuadro en una sala de su museo , el Teatro Museo Dalí


LA DIVINA GALA

 Cuando tenía 23 años de edad fueron a visitarle desde París los surrealistas André Breton, René Magritte y el poeta  Paul Éduard . Este último  que se dejó retratar por Dalí , había acudido junto a su esposa Gala . Entre Dalí y Gala hubo un flechazo: cuando quedó concluido el retrato de Éduard, el poeta había perdido a su mujer . Los Éduard se divorciaron " Niñito mío -había dicho Gala poco antes  a Dalí - no nos separaremos nunca " Y así permanecieron juntos hasta la muerte de Gala. 

Gala encontró una cabaña de pescador medio abandonada en Port- Lligat  y Dalí la convirtió en un laberinto surrealista llenos de pasillos y escaleras. En la costa catalana, que una y otra vez aparece en sus obras, y más tarde en Estados Unidos, el pintor fue muy feliz con su musa . En sus obras posteriores, Gala aparece a menudo como diosa o santa ; fue la época en la que este pintor caprichoso se interesaba cada vez más por la religión . Incluso enseñó un cuadro que aparece Gala como la Virgen de Port. Lligat al Papa , a quien le gustó. Esto resultó chocante hasta que los surrealistas, tan amantes del escándalo. Y eso que Dalí ha sido el pintor del grupo que durante más tiempo se mantuvo fiel al estilo surrealista. 


ALGUNAS OBRAS MAESTRAS

GALARINA 1944-1945

GALARINA
oleo sobre lienzo 
Fundación Gala- Salvador Dalí

Boymans - van - Beunigen Museo de Rotterdam. 

Gala ha representado a menudo en las obras de Dalí.  Incluso se podría decir que ella es la única mujer cuyo rostro y la silueta parece no cesar, dice el pintor "Ella es el ser más raro de ver, la superestrella que no puede en ningún caso ser comparada con la Callas o Greta Garbo, porque uno puede verlos a menudo, mientras que Gala es un ser invisible, por excelencia antiexhibicionista

En casa de Salvador Dalí, hay dos primeros ministros;  uno es mi esposa, Gala, y el otro es Salvador Dalí Salvador Dalí y Gala son dos seres únicos. capaz de matemáticas de moderación y exaltar mi locura divina ".Este retrato pertenece al período clásico del artista.La obra fue pintada en los Estados Unidos poco antes de la final de la Segunda Guerra Mundial. "Iniciado en 1944,"Dalí escribe en el comentario del catálogo de su exposición en la Galería Bignou in1945, "me tomó seis meses de trabajo de tres horas al día para terminar este retrato

 Nombré este Galarina pintura porque Gala es para mí que Fornarina La era Rafael. Y sin premeditación, éste es el pan de nuevo. Un análisis riguroso y perspicaz saca a la luz la semejanza de los brazos cruzados de Gala con los lados de la canasta de pan, su pecho que parece ser la extremidad de la corteza .

Yo ya había pintado Gala con dos chuletas oh hombro para transcribir la expresión de mi deseo de devorarla. Fue en el  momento de la carne viva de mi imaginación. Hoy en día, ya que Gala ha aumentado en la jerarquía de heráldica de mi nobleza , se ha convertido en mi canasta de pan ".

Este cuadro fue pintado en los Estados Unidos en 1944 - 45,tres años después se había casado con Gala Dalí, en una ceremonia civil.¿ Que se estaba haciendo en el momento en que el artista pretendía haber descubierto por primera vez en su vida la verdadera manera de pintar,es decir: con más y en la pintura?. Para él, esto es infinitamente más sutil en sus tonalidades de los cuadros pintados antes. Que se vincula ya a la época de Leda atómica , cuando estaba haciendo todo el trabajo de investigación técnica relacionados con la materia

Esta investigación lo absorbió tanto que terminó por no prestar atención a las conversaciones e incluso a las declaraciones que hizo Gala de él  En el recuerdo de este episodio que relata la siguiente anécdota:: "Fue precisamente durante este período que me despertaba por la noche para colocar la gota de barniz, más o menos, en una pintura era una locura completa Luego Gala - nos.dijo. en medio de la guerra en el momento mismo en que los estadounidenses se dirigían hacia el Pacífico.'¿En serio, ¿qué haría usted si un día lo mismo que le pasó en cuanto a estos chicos que deben salir a la guerra en los aviones todos los días para ir a luchar?

Parece que junto a este los problemas técnicos que no son tan insolubles! es mucho menos dramático! Y me respondió: «Si se debe hacer tal cosa para mí, si insistían en salir, el paracaidismo" - porque en ese momento existía la posibilidad de que los extranjeros se alistaron - "Bueno, en ese caso, no te debian dejar. " Me había olvidado por completo que se trataba de mi curso y estaba convencido de que si alguien tenía que ir a la guerra, sería Gala! "

La pulsera que llevaba en la muñeca fue una creación de inspiración Fabergé Mogul que Dalí le gustaba muchísimo. Él utilizó la colocó alrededor del tobillo de su esposa en la pintura el pecado original , que puede ser visto hoy en el Boymans - van - Beunigen Museo de Rotterdam. La serpiente, junto con todas las joyas de Gala, fue robado unos años más tarde desde el dormitorio del hotel en el que la pareja estaba en California.

RETRATO DE LA ABUELA ANNA COSIENDO 1920

Retrato de la abuela Anna cosiendo
óleo sobre lienzo 53x41 cm
Colección particular

La abuela materna de Dali, ( Maria Anna Ferrés Sadurní ) junto con sus hijas Catalina ( " la tieta " ) , se fueron a vivir a Figueres con la familia Dali en 1910.Salvador y su hermana Ana Maria recuerdan en sus autobiografías la atmósfera serena y reconfortantes del amplio círculo familiar. Durante las frecuentes enfermedades infantiles de Dali, " Llùcia, mi vieja nodriza , venía a hacerme compañía casa tarde, y venía mi abuela y se ponía a hacer calceta junto a la ventana " Llucia y la abuela Anna eran " dos ancianas limpísimas , con los más blancos cabellos y el más delicado y arrugado cutis que haya visto nunca. La primera era de inmensa estatura y parecía un papa. La segunda era menudita y parecía un ovillo de hilo blanco ".

Ana María nos muestra admirablemente el contraste entre la tranquila anciana vestida de negro y los sonidos y la vida radiante del balcón de su piso: " Nuestra abuela materna cosía en silencio, rebosante de serenidad . Y era su figura como  la evocación de una pintura flamenca, en contraste con las sombras, los pájaros y las flores de aquella galería, tan puramente impresionista". Este recuerdo está claramente filtrado en las pinturas de juventud de su hermano en las que el pintor se movía entre los tonos serenos de las escenas de género como ésta y los vívidos  colores y los dramáticos contrates de luz y sombra de los paisajes y otros retratos de esa época Retrato de la abuela Anna cosiendo fue, de hecho pintado en Cadaqués: la bahía es visible a través de la ventana de la casa en la que la familia pasaba los veranos ( el estudio aparte que encontraron para Dali en Cadaqués tenía un balcón y una ventana que llegaba hasta el suelo ) . Los entusiastas experimentos de Dali con colores más contrastados , durante esos anhelados veranos dedicados a la pintura, son visibles, aunque de modo apagado , en la  franja de la costa rojo-naranja, más allá del agua, y en el encendido canasto que  hay sobre la silla , los cuales crean hábiles tonos complementarios al conjunto  azul plateado . Ana Maria describió la calma de la tarde tras un día de viento: " La calma blanca acaba de cubrir el mar que la tramontana ha pintado durante  todo el día de un azul vivísimo y opaco. Ahora el aire transparente se ha cubierto  de manchas de oro y de hormigas aladas que vuelan al crepúsculo ".

A menudo, las escenas de género de interiores domésticos realizados por artistas españoles, como Urgell y Manuel Benedito, rendían homenaje a la pintura holandesa y flamenca del siglo XVII. Dali hizo copia de Interior holandés de Manuel Benedito hacía 1915.Sin embargo, a una edad muy temprana, Dali estaba ya familiarizado con las reproducciones de los viejos maestros que aparecían en los libros de arte de la colección Gowans, una serie de monografías de tamaño de bolsillo que el  padre de Dali empezó a coleccionar poco después de que la colección comenzará a publicarse en 1905. Estas monografías constituyeron una parte importante de su infancia: " Adoraba los sensuales desnudos de Rubens y las escenas domésticas de los pintores flamencos ".

La madre y la abuela de Dali alentaron sus inclinaciones artísticas tanto como su padre . La propia abuela Anna procedía de una familia de artesanos y. tras la muerte de su padre, se hizo cargo de la tienda que tenían en Barcelona y que estaba especializada en objetos de arte de carey .Tenía sensibilidad artística y entretenía a Salvador y a Ana María con recortables de papel. Felipa, la madre de Dali , que antes de su matrimonio. había ayudado en la tienda, heredó sus talentos: " era hábil con los dedos y dibujaba bien. Las delicadas figuritas de cera con las que disfrutaba  creando velas , deleitaban al futuro pintor cuando era niño ".

CALAVERA DE ZURBARÁN ,1956

Calavera de Zurbarán
óleo sobre lienzo 100,3 x 100,3 cm
The Hirsbhorn Museum and Sculpture Garden ( donación)

El inquietante homenaje de Dali al pintor del Barroco español , Francisco de Zurbarán, continuó con su interés por usar la morfología para crear dobles imágenes cuyo significado se podía entender a diferentes niveles . En esta obra , los potentes elementos arquitectónicos y el grupo de figuras vestidas de blanco , inclinadas por la plegaria o la veneración , se transforman en una calavera con dientes, un motivo frecuente en la obra de Zurbarán, presente en numerosas representaciones de San Francisco meditando sobre una calavera en un escenario parecido a una cueva.


Como el título sugiere, la imagen suspendida del interior de una iglesia de formas cambiantes puede interpretarse también como el cráneo del pintor del siglo XVII, mientras que la estructura cúbica del edificio puede representar un ábside frente al cual algunas figuras encapuchadas , parecidas a monjes, parecen estar de luto, e incluso un mausoleo con los restos del artista. Esta arquitectura monástica adquiere la forma de cubos amontonados que pueden haber sido inspirados  por la lectura atenta del Tratado de la figura cúbica de Juan de Herrera, un tratado de estética del siglo XVI que había inspirado obras como Crucifixión (Corpus  Hypercubicus ) , de 1953-1954. La forma arqueada ambigua situada en el centro de la pintura puede interpretarse a la vez como la entrada a un espacio recóndito o como la cavidad nasal de la calavera gigante. Además , la forma parece envolver un juego visual con las capuchas en punta que vestían los monjes en las pinturas de Zurbarán dedicadas a San Francisco de Asis.

San Francisco de Asis ( Zurbarán )

Este cuadro pudo haber sido inspirado por la imagen menos conocida del artista barroco en la que se ve a San Francisco vivo, de pie sobre su tumba , tal como lo encontró el papa Nicolás V en 1449 , cuando visitó la cripta de la basílica de  Asis, donde el monje asceta había sido enterrado dos siglos antes . En una obra  de estas variantes , ahora en el Museum of Fine Arts de Boston. Zurbarán había  pintado la figura solitaria encapuchada con una gran sombra negra que produce la sensación de una doble imagen, que debió fascinar a Dali, quien repitió el  diseño curvado del interior de la cripta en forma de nicho , en su propio decorado austeramente geométrico. Calavera de Zurbarán se expuso por primera vez en la galeria Carstain de Nueva York, en 1957, donde fue adquirida por el coleccionista Hirsbhom que admiraba el tema siniestro y la habilidad técnica de esa pintura perfectamente cuadrada.

Mercedes Tamara

14-05-2016

Bibliografia : Wikipedia 

                     Dalí Edic Taschen