EL ARTE JAPONÉS EN EL IMPRESIONISMO

EL ARTE JAPONÉS EN EL IMPRESIONISMO 

Puente de Hiroshige y Van Gogh 

Una de las novedades más interesantes en la segunda mitad del siglo XIX , no sólo para los impresionistas, sino para todo el arte occidental fueron las relaciones con el arte japonés , y su influencia.

Entre 1853 y 1854 los puertos japoneses se abrieron de nuevo al comercio internacional después de un largo aislamiento. En 1862 se inauguraron en Paris " Le Porte Chinoise " y " L´Empire Chinois ", seguidas en la década inmediatamente posterior por otras galerias de arte oriental .

En 1872 , el crítico y coleccionista Philippe Burty acuñó el término 

japonisme para designar una actitud difundida a varios níveles en la literatura , la pintura, la arquitectura . el mobiliario y la moda , tanto en las clases más ricas como en las clases medias . En los años setenta llegaron las estampas de Hiroshige, Utamaro y Hokusai que fueron decisivas para la difusión del arte japonés

 Durante la segunda mitad de los años setenta llegaron a Francia las estampas de Utamaro, Hiroshige , Hokusai y sus alumnos , aue alcanzaron enseguida una gran popularidad . De ese modo los impresionistas descubrieron un nuevo sistema de figuración , un uso diferente de la perspectiva y el espacio y los volúmenes , otro tipo de relación entre los personajes del primer plano y el fondo, puntos de vista peculiares e inusuales , una gama de colores más amplia y la importancia del gesto pictórico

En 1883 Pissarro hizo explícita su admiración y deuda hacia Hiroshige . En grado menor , los demás artistas también reconocieron la influencia del arte japonés en sus obras.

Claude Monet 1876

Camille Monet con vestido japonés
óleo sobre lienzo 23,8 x 142,3 cm
Museum of Fine Arts , Boston

 Este cuadro es un punto y aparte dentro de la producción pictórica de Monet . La propia crítica mostró su sorpresa

Monet hizo este otro retrato de su esposa Camille, también de cuerpo entero y colocada en una postura similar para lucir indumentaria. En vez de aparecer vestida como una parisina elegante, esta vez va disfrazada de japonesa, con un llamativo kimono rojo bordado. 

Camille, que era una morenaza muy resultona, lleva puesta una peluca rubia, para que se note claramente que va disfrazada (si Monet la hubiese pintado con el pelo negro, la gente podría pensar que era una japonesa de verdad). En vez de utilizar un fondo neutro, como en el primer retrato, Monet ha situado a su señora frente a una pared llena de abanicos. La verdad es que no influye mucho: el kimono es tan vistoso que ningún tipo de fondo le haría sombra.

Vicent Van Gogh 1887

El puente
óleo sobre lienzo 73 x 55 cm
Riljmuseum Van Gogh Amsterdam

Como muchos artistas jóvenes franceses , Van Gogh quedó fascinado por el arte oriental que empezaba a conocerse en Occidente . Este cuadro retoma una composición de Ando Hiroshige , el famoso Puente de Ohashi bajo la lluvia.

Los tres planos de la obra quedan unidos gracias a la lluvia torrencial que cae sobre el lugar. Para lograr el efecto caótico y aleatorio de las gotas de agua, Hiroshige diseñó las más de 100 líneas que componen la lluvia en dos planchas de madera diferentes, para que fueran estampadas una sobre la otra y quedara más natural.

Debido a la limitación de los colores que se utilizaban en una xilografía en la época (a más colores, más planchas de madera eran necesarias y más cara su producción, aunque las planchas se aprovecharan tallándolas por ambos lados), . Los colores clave son el azul prusiano (muy famoso en las obras de este autor, hasta el punto de llamarlo “Azul Hiroshige”), el gris y el marrón. Lo que más llama la atención al espectador es el punte de madera, no sólo por la cercanía sino porque también destaca con su color claro sobre el fondo azul y grisáceo del conjunto de la obra.

Vicent van Gogh  1887

Retrato de Pere Tanguy
óleo sobre lienzo 92 x 75 cm
Museé Rodin, Paris

Julien Tanguy ( 1825-1884 ) era un marchante conocido por muchos pintores impresionistas , ante los que adoptaba una actitud protectora y casi paternal Le compraban telas y pinceles , exponían  sus obras en su establecimiento y la compraban a buen precio las xilografías japonesas de alta calidad de las que estaba bien surtido , y que se ven en el fondo detrás de él. A Tanguy le gustó mucho este cuadro pintando expresamente para él por Van Gogh y lo conservó hasta su muerte.

 La pincelada empleada por Vincent tiende a ser cada vez más facetada, creando pequeñas manchas de color que organizan la composición. La figura de Tanguy es plana, pegándose a las estampas para marcar la influencia oriental, que también mostrará en Japonaiserie. 

Varias líneas de la chaqueta están perfiladas en negro para resaltarlas entre los tonos claros. No es muy habitual el retrato en la ingente producción de Vincent, pero cuando se interesó por él pone todo su empeño en mostrar la personalidad de su modelo, del carácter bonachón y amable del comerciante. Resulta curioso la presencia de la estampa del monte Fuji sobre su cabeza, como simbolizando la bonanza del retratado hacia los pintores, igual que el Fuji hacia el Japón

Mercedes Tamara

4-12-2016

Bibliografia : Atlas  del Impresionismo. 

                      Artehistoria

EMILE BERNARD

EMILE BERNARD ( 1868- 1941 )

Autorretrato 1885
´´oleo sobre lienzo 46, 5 x 55,5 cm
Rijkmuseum Vicent van Gogh , Amsterdam

Emile Bernard ( 1868-1941 ) Nacido en Lille el 28 de abril de 1868 manifestó desde pequeño una predilección muy marcada por el dibujo y la pintura. Se formó en el estudio de Cormon y fue compañero de estudios de Toulousse Lautrec . 

Inicialmente se acercó al impresionismo, corriente de la que, sin embargo, le desagradaban sus aspectos realistas y naturalistas. A los dieciocho años durante una estancia en Pont- Aven , conoció a Gauguin y quedó fascinado por su fuerte personalidad . De regreso a París se hizo amigo de Vicent van Gogh , con quien expuso en 1887.

A principios de 1888 Gauguin y Bernard perfeccionaron un nuevo estilo al que llamaron " sintetista y cloisonniste ", fusión de los aspectos decorativos de las estampas japonesas con la antigua tradición medieval .

Esta práctica es evidente en las muchas obras que dedicó Bernard a los campesinos bretones , donde plasmó su espíritu religioso , su laboriosidad y su vida sencilla y serena . Si los dos pintores eligieron el término sintetista fue porque su deseo era simplificar la realidad pintando de memoria , ya no del natural. 

En cuanto al término  cloisonniste , se refería a las grandes extensiones de colores vivos que en sus cuadros quedan encerradas en términos oscuros, parecidos a las lineas continuas que delimitan los campos de las vidrieras góticas. 

No está claro cuál de los dos artistas fue el iniciador de este nuevo estilo , nacido durante sus largas conversaciones nocturnas en la pensión de Gloane de Pont-Aven . Unos años después , cuando la amistad entre Gauguin y Bernard ya estaba rota , cada uno se convenció por su lado de que era el verdadero creador, y acuso al otro de plagio y robo .

Después de 1891, tras la partida de Gauguin a la Polinesia , Bernard tomó su legado y siguió pintando a solas en Bretaña , alternando largos viajes por Italia y Egipto . En este último país pasó casi diez años , se casó con una libanesa y tuvo cinco hijos. En 1901 , enamorado de Andrée , la hermana del poeta Paul Fort , abandonó Egipto y a su mujer. Desde 1905 abjuró parcialmente de sus investigaciones simbolistas y volvió a una pintura académica con pretensiones neorrenacentistas , maduradas en una serie de viajes por Bretaña y Venecia. Murió en Paris el 6 de abril de 1941.

ALGUNAS DE SUS OBRAS

Madeleine en el Bois d´Amour , 1888
óleo sobre lienzo 138 x 163 cm
Museo de Orsay Paris 

Este cuadro representa a la hermana pequeña del pintor Madeleine, tumbada bajo los árboles del Bois d´Amour , a las orillas del Aven . En agosto de 1888 la joven de diecisiete años llegó al pueblo con su madre y su hermano, un año mayor que ella , y conoció a Gauguin , que a sus cuarenta años se enamoró de ella y le dedicó un apasionado retrato , actualmente en el museo de Grenoble. Ella lejos de corresponderle , se hizo novia de Charles Laval 

Emile Bernard retrató a su hermana Madeleine soñando despierta en el Bois d’Amour, a orillas del río Aven. Este bosque estaba muy cerquita de Pont-Aven y es el mismo que Sérusier representó en “El talismán”, pintado ese mismo año Es una obra curiosa, más próxima al simbolismo que al sintetismo o cloisonismo que caracterizaba la pintura de Bernard

El cuerpo de Madeleine y la hierba verde con florecitas sobre la que está tumbada no se integran con el resto del paisaje. Es como si el cuadro estuviese dividido en dos mitades que no tienen nada que ver una con otra, ni en estilo, ni en tonos. La parte superior es un paisaje simplificado, del estilo de los que pintaba Gauguin, creado a partir de manchas grandes de color con pocas sombras y gradaciones (se ve muy bien en los reflejos del río, formados por manchas sinuosas de color verde sobre un fondo azul pálido). 

La figura de Madeleine está mucho más definida, aunque su postura parece algo forzada y está muy desproporcionada (las piernas son larguísimas y la mano que tiene apoyada en la cintura, gigantesca). Bernard intenta unir visualmente las dos mitades del lienzo replicando la postura horizontal de Madeleine en las líneas del terreno del fondo, y también en la forma del río y sus colores (azul claro y verde, como el vestido de la chica)

Mujeres bretonas en el prado , 1888
óleo sobre lienzo 74 x 92 cm
Colección privada

El artista excluye voluntariamente todo realismo de su composición. La escena aparece recortada como en una vidriera con estos entrelazados de líneas que delimitan los empastes de colores.

Bernard crea correspondencias formales entre los redondeados de las sombrillas y las colinas del fondo, entre las verticales de los árboles y las siluetas de las mujeres de la derecha. El conjunto, personajes y decorado, conserva un hermetismo que permite al artista mantenerse a distancia de una realidad anecdótica. Para intensificar la dimensión misteriosa del tema, 

Bernard plasma a sus bretonas en un paisaje sin profundidad y bajo una iluminación artificial cercana de un escenario de teatro. En este espacio facticio, las mujeres, cuyo hieratismo evoca algunos personajes de Seurat, se observan en silencio. En este cuadro, el tema importa al final menos que la manera de pintar y de darle significado.

Mercedes Tamara 

16-11-2016

Bibliografia : Atlas del Impresionismo 

EN PLEIN AIR

Blanche Monet pintando Claude Monet 1873
óleo sobre lienzo 46 x 60 cm
County Museum, Los Ángeles

Durante siglos los pintores habían trabajado en sus estudios . Podían pasar cierto tiempo al aire libre , fijando sus experiencias en el papel de sus cuadernos de apuntes con lápices, pasteles, témperas o acuarelas, pero el resultado no era más que un punto de partida para pintar al óleo en los talleres.

La pintura al aire libre , en plein air , empezó a difundirse a mediados del siglo XIX . Fue posible gracias a la aparición hacía 1840 de tubitos metálicos que permitían conservar durante mucho tiempo los colores al óleo. Hasta entonces se guardaban en bolsitas hechas con vejigas de cerdo , pero la infiltración del aire los secaba demasiado rápido.

Durante la segunda mitad del siglo XIX la industria puso a disposición de los pintores una amplia gama de caballetes portátiles, cajas de colores y otros instrumentos para poder pintar con toda comodidad del estudio . Los primeros en abandonar los espacios cerrados y pintar en estrecho contacto con la naturaleza fueron Corot, los pintores de Barbizón y Daubigny .

De hecho Daubigny fue uno de los primeros que consideró acabadas las obras que pintaba al aire libre , sin tener que retocarlas en el estudio . Los impresionistas también utilizaron esta técnica , centrándose en representar la luz y sus efectos en la realidad . Concretamente se dieron cuenta de que el mismo paisaje podía cambiar mucho a lo largo del día y en función de las condiciones atmosféricas . Se apartaban así de la visión idealizada y esencialmente artificial de la naturaleza difundida por la pintura en el siglo XVIII , en aras de una relación inmediata y directa con la realidad.

Artista pintando al aire libre de George Clausen, 1882

óleo sobre lienzo 21 x 12, 3 cm

City Museum and Art Gallery Bristol

Para los impresionistas y los demás artistas de su generación la pintura al aire  libre era una señal de rebelión contra el orden establecido , encarnado por los profesores de la Academie y de la École des Beaux Arts , que sólo concebían una manera de pintar , que consistía en encerrarse en los museos y copiar a los grandes maestros del pasado.

Un modelo paciente Anton Kozakiewicz, 1885

litografia en colores

Bibliothéque des Arts Decoratifs, Paris

Esta litografía es un testimonio de la amplitud y rapidez con que se difundió la pintura al aire libre , no sólo entre los pintores profesionales , sino también entre muchos aficionados que aprovechaban los días festivos para ir a las afueras de Paris o la localidad de veraneo, de fácil acceso gracias al ferrocarril

Monet pintando en su jardín de Argenteuil 1887  P .A.Renoir

óleo sobre lienzo 91 x 98 cm

Wadsworth Atheneum Harford ( Estados Unidos )

Nacida en 1865, Blanche era la segunda hija de Alice y Ernest Hoschedé . En 1882 empezó a pintar como alumna de Claude Monet que en aquella época frecuentaba asiduamente la casa Hoschedé . En 1897 , Blanche se casó con el hijo de Monet , Jean, con quien vivió en Rúan y Beaumont -le-Roger . Después de la muerte de su marido ( 1914 ) se instaló en Giverny , en casa de su suegro , pero sólo retomó la actividad pictórica a la muerte de éste en 1926 . En 1931, Blanche celebró una importante exposición individual en la galería parisina de Bernheim- Jeune. Falleció en 1947.

Mercedes Tamara

5-11-2016

Bibliografía : El Impresionismo Edic Taschen

VAN GOGH EN HOLANDA

VAN GOGH EN HOLANDA 

El tejedor en el telar 1874
óleo sobre lienzo A 70 x 85 cm.ñadir leyenda

Vicent Willem van Gogh  nació el 30 de marzo de 1853 en Groot Zundert , en el Brabante holandés , no muy lejos de la frontera belga . Sus padres eran Ana Cornelia Carbentus ( 1819-1907 ) , pastor de la comunidad reformada holandesa .

A finales de 1865 el bajo rendimiento escolar de Vicent y las dificultades económicas de la familia llevaron a sus padres a dejárselo como aprendiz a su tío Cent, que trabajaba en el mercado del arte , y que en 1858, se asoció al célebre establecimiento Groupil 8x Cie de París .

Vicent empezó a trabajar en la sucursal de La Haya , donde llevaba la venta de reproducciones de arte , y después en Londres . En esta última ciudad se enamoró de Eugenia Loyer , hija de Úrsula , dueña de la pensión donde estaba alojado, pero ella lo rechazó . Fue la primera de una larga serie de decepciones sentimentales . En mayo de 1875 se trasladó a París , pero su bajo estado de ánimo influyó tan negativamente en su trabajo que le despidieron en abril de 1876 .

Depués de una temporada como predicador en Dodrech , intentó seguir la carrera de su padre como predicador en Bélgica, por la experiencia no tuvo  buen resultado . El Consistorio de las Iglesias Protestantes de Bélgica , reconoció su nobleza de ánimo y su generosidad , pero le consideraban demasiado falto de oratoria y temían su carácter impulsivo. 

En agosto de 1880 decidió dedicarse a la pintura , y en octubre se estableció en Bruselas como alumno de la Academia de Bellas Artes . En 1881 se fue a La Haya , abrió un estudio y siguió las clases de un primo suyo , Anton Mauve , pintor muy valorado en la época. En verano se enamoró de su prima Kate Vostricker , que se había quedado viuda hacía poco con un niño a su cargo, pero tampoco le correspondió . Sus ansias desesperadas de cariño le llevaron a emprender una relación con Clasina Maria Hoornik , llamada Sien , una prostituta embarazada y con una hija , que además de estar desfigurada por la viruela era alcohólica y probablemente sufriese una enfermedad venérea que el propio pintor contrajo a principios de 1882.

El antiguo campanario de Neuen, 1885
óleo sobre lienzo 65 x 80 cm
Riljmuseum Vicent van Gogh, Amsterdam

En las obras que Van Gogh pintó en Holanda predominan los tonos opacos y las pinceladas densas y homogéneas inspiradas en la tradición flamenca . Aunque su formación era autodidacta , el pintor reveló excelentes faculatades de dibujante 

Destaquemos finalmente la presencia de cuervos negros sobre el viejo campanario que parecen presagiar el trágico destino del pintor .

Cabeza de campesina, 1885
óleo sobre lienzo 65 x 80 cm
ARiljmuseum Vicent van Gogh, Amsterdam

Siguiendo una propuesta de su hermano Theo , Vicent van Gogh pintó en Holanda pintó unos cincuenta retratos de campesinos que se brindaron a posar para él , pero que dejaron de ir a su estudio después de que Gordina Groot , la protagonista de este cuadro , se quedara embarazada y el pintor fuera acusado de ser el padre .

Van Gogh no hizo ningún esfuerzo por embellecer o suavizar las facciones de sus modelos . Los retrató en su expresividad más inmediata , mediante colores aplicados con pinceladas firmes y vgorosas que subrayan las irregularidades de la nariz y los labios , siguiendo el estilo de los impresionistas. 

LOS COMEDORES DE PATATAS  1885

Los comedores de patatas de Vicent van Gogh

óleo sobre lienzo 82 x 114 cm

Amsterdam, Van Gogh Museum

Es el cuadro más importante de la época holandesa de Van Gogh , antes de establecerse en París. Aunque luego su estilo cambía notablemente con la adopción de una paleta clara y luminosa y unas composiciones menos elaboradas , para Vicent siguió siendo una de sus obras maestras: en 1887 escribió a su hermana Wil que lo conceptuaba " lo mejor que había hecho "y todavía en 1890 retomó el motivo en algunos dibujos ejecutados en Saint Rémy.

Los temas campesinos estaban muy difundidos en la época decimonómica ,tanto en Holanda  como en Francia, pero pintores como Millet e Israëls hacen una interpretación romántica de ellos.Van Gogh, por el contrario , renuncia  al idilio , creando una imagen de gran crudeza y realismo. 

En una mísera cabaña , de espacio angosto y desnudo, están sentadas cinco personas de  distintas edades , la familia campesina reunida en el momento de la comida vespertina . La luz inestable de una lámpara hace destacar los rostros angulosos y las manos nudosas ,que muestran los signos del trabajo cotidiano.

Las figuras aparecen aisladas , sus miradas no se cruzan y la niña que está en la sombra dando la espalda al espectador es un factor de distanciamiento que se excluye de la escena. Van Gogh no somete a sus personajes a idealización alguna , por el contrario destaca su tosquedad utilizando los colores oscuros y sucios. En una carta a su hermano explica que ha querido subrayar que " esta s personas han cavado la tierra con las mismas manos  que ahora se extienden hacía el plato " y, añade " Hablo del trabajo manual y de cómo se han ganado honradamente el alimento " 

La obra representa para Vicent un manifiesto de su credo artístico y social ,hasta el punto de que el cuadro fue preparado por una infinidad de estudios  y bocetos compositivos.

Mercedes Tamara

30-10-2016

Bibliografía : Van Gogh , Edit Biblioteca El Mundo

                       Atlas del Impresionismo

GAUGUIN EN LA MARTÍNICA

GAUGUIN EN LA MARTÍNICA

GAUGUIN EN LAMARTINICA

El 10 de abril de 1887 Gauguin zarpó de Francia ( donde no veía ninguna posibilidad de hacer carrera como pintor ) en compañía de su amigo y alumno Charles Laval para irse a " vivir como un salvaje " y trabajar en una isla del golfo de Panamá , Toboga . La conocía de una escala de cuando era marinero , veinte años atrás . Salió , eso sí, con la esperanza de recibir ayuda de su cuñado Uribe.

El 30 de abril , al llegar a Colón , encontró un ambiente hostil , muy distinto al que había dejado. Por si fuera poco , Laval enfermó de malaria. Decepcionados y sin recursos ( hasta el punto de que Gauguin tuvo que trabajar de cavador en las obras del canal de Panamá ) , durante la primera semana de junio cubrieron la breve travesía a la isla de la Martínica , desembarcaron en Port-de-France y se establecieron en la costa de noroeste de la isla, cerca de St. Pierre .

Por desgracia , en julio , Gauguin también contrajo la malaria , con graves manifestaciones disentéricas y hepáticas . A pesar de la pobreza y de la enfermedad tuvo la energía física y mental necesaria para realizar una serie de dibujos y pintar una docena de telas .

Impasible ante las reacciones escandalizadas y algo racistas de los residentes blancos, Gauguin eligió deliberadamente vivir con la población local , a la que representó en muchas escenas especialmente vivas y espontáneas .

Era su primera aproximación al primitivismo , y el corte definitivo del cordón umbilical que lo ataba a los impresionistas . Desgraciadamente, su estado físico no mejoró y en noviembre tuvo que reconocer su derrota y regresar a su país . Los últimos meses de 1887 los pasó en París . Allí conoció a Vicent van Gogh y a su hermano Theo , gracias a los cuales pudo vender algunas de las telas pintadas en Martinica y pagar las deudas que había contraído

Paisaje tropical de Martinica, 1887.

Paisaje tropical de Martinica

óleo sobre lienzo 90 x 115 cm

Staatsgalerie Moderner Kunst, Munich

La protagonista de los cuadros que pintó Gauguin en Martínica es una naturaleza ubérrima y salvaje , que el pintor admira con estupor y emoción . A pesar de la enfermedad y de los problemas económicos , la pintura es particularmente luminosa y llena de una gozosa vitalidad.

  Ir y volver 1887,

Ir y volver

óleo sobre tela 115 x 88,5 cm

Museo Thyssen - Bornemizsa

La atención de Gauguin hacía los habitantes de la isla ,era espontánea y profunda . Les observaba mientras trabajaban en el campo , en los momentos de descanso y durante las fiestas . Estudiaba su forma de vestir y sus costumbres, se fijaba en su forma de hablar ,gesticular y mover el cuerpo y se esforzaba por entender mejor su forma de pensar y no ser considerado extranjero , sino como uno de ellos.

Paisaje de la Martínica , 1887

Paisaje de la Martínica

óleo sobre lienzo 115 x 88,5 cm

National Gallery of Scotland , Edimburgo

En este panorama de la bahía de Saint -Pierre desde el pueblo de Le Carbet, el artista escondió voluntariamente las casas de la capital y pintó volcán Peleé más macizo de lo que era , y más cercano a la costa ,para dar más fuerza al paisaje . El contraste entre la vegetación y los azules ( oscuro  del mar y claro del cielo ) recuerdan algunas vistas costeras pintadas por Cézanne en L´Estaque.

Mercedes Tamara

4-09-2016

Bibliografía : Atlas del Impresionismo

ORIENTALISMOS

ORIENTALISMOS

La Odalisca . Mariano Fortuny 1861

La odalisca

óleo sobre cartón 56, 9 x 81 cm

Museo Nacional de Cataluña , Barcelona

El orientalismo no es un movimiento artístico unitario , sino un tema, una actitud y una moda difundidos en Europa durante todo el siglo XIX debido al estímulo de las conquistas coloniales , los pabellones de sucesivas exposiciones universales y las exposiciones organizadas en algunas galerías importantes , tanto públicas como privadas .

Puede decirse que los orientalismos son tantos como los artistas, de diversas escuelas y disciplinas , que lo adoptaron. Algunos pasaron temporadas más o menos largas en los países africanos de la costa del Mediterráneo , las regiones de Asia occidental y el imperio turco , mientras que otros se conformaron con los relatos y diarios de viaje publicados en aquellas décadas.

La actitud de los artistas frente a la cultura y civilización del islam dependía de la mentalidad y personalidad y cuajó en manifestaciones muy diversas , desde descripciones minuciosas de la realidad ( lindantes con el reportaje periodístico ) hasta evocaciones fantásticas que en muchos casos procedía de fuentes literarias.

A los artistas , por lo general, les fascinaba la belleza natural de aquellos lugares agrestes y salvajes , donde perduraban los restos de grandes civilizaciones del pasado , desde la egipcia a la mesopotámica , y al mismo tiempo constataban ( unas veces con admiración, otras con desprecio ) las diferencias con respecto a Europa .

Sus obras describen los suntuosos palacios de los príncipes y la sencilla vida cotidiana del pueblo , los mercados abarrotados de género, el trabajo de los artesanos , las caravanas de los nómadas en el desierto , las escenas de caza , las fiestas civiles y las ceremonia religiosas . Un tema que gozó de especial difusión por sus connotaciones sensuales y eróticas ( por no decir morbosas ) fue el de las odaliscas del harén , visto como una realidad misteriosa e impenetrable para los ojos y la mentalidad del hombre occidental, que soñaba con habitaciones ricamente decoradas donde el señor escondía celosamente a sus maravillosas y fascinantes concubinas y se concedía toda suerte de lujos y lujuría.

La gran odalisca : Jean-Auguste Dominique Ingres 1814

La gran odalisca

óleo sobre lienzo  91 x 162 cm

París, Museo del Louvre

En este cuadro , admirado e imitado por un gran número de seguidores , se observa la pericia del artista para la representación del desnudo femenino , que el propio Ingres consideraba el punto de llegada de sus investigaciones formales sobre la expresión de la belleza pura e ideal. La modelo, sorprendida de espaldas , dirige al espectador una mirada a la vez insinuante y consciente de su turbadora belleza.

Odalisca Francisco Hayez 1870

Odalisca

óleo sobre lienzo 82 x 68 cm

Pinacoteca di Brera, Milán

Los temas orientalistas de toda Europa , desde los ingleses William Holman Hunt y Frederick Leighton hasta el español Joaquin Sorolla , el veneciano Francesco Hayez se dedicaron al retrato y a los temas históricos y literarios , pero de vez en cuando también representaron personajes y aspectos de la cultura islámica , tratados con un excelente sentido de la observación y una gran agudeza psicológica.

Mujer de Argel ( Odalisca ) Pierre-Auguste Renoir 1870

Mujer de Argel ( Odalisca )

óleo sobre lienzo 68 x 123 cm

National Gallery of Art , Washington

La modelo de este cuadro es Lise Tréhot, que posa con su vestido ricamente adornado , su tez pálida es puesta de relieve por el pelo negro y los flecos rojos del sombrero , que se hace eco del color intenso y sensual de los labios. Cuando el cuadro fue expuesto en el Salón, el crítico Arsène Housaye, escribió una crítica en la revista L´Artiste donde sostenía que la tela podría haber estado firmada perfectamente por Delacroix , considerado uno de los padres indiscutibles del género orientalista.

Mercedes Tamara ( autora )

3-09-2016

Bibliografía : ARTEHISTORIA

                     Wikipedia

LA MATERNIDAD SEGUN EL IMPRESIONISMO

LA MATERNIDAD SEGÚN EL IMPRESIONISMO 

LA MATERNIDAD

Este tema es muy útil para entender los cambios culturales y sociales que se produjeron en Francia durante la segunda mitad del siglo XIX . Los temas religiosos, ausentes por completo en la obra de los impresionistas ( a los que si algo no les falta , sin embargo, es amplitud y heterogeneidad ) fueron sustituidos , por los laicos , ligados a la vida cotidiana .

Por eso, en sus composiciones no encontramos a la Virgen María con el Niño, sino sencillamente a madres con bebés. La extraordinaria habilidad de estos artistas consistió en saber crear diálogos silenciosos en que los gestos y las miradas suplen la ausencia de palabras. Estos gestos y miradas , están descritos con una sencillez sobria e inmediata , carente de la retórica hueca y el sentimentalismo dulzón que caracterizaba gran parte de la iconografía oficial del marchamo académico contemporánea de los impresionistas .

Tanto en los retratos dedicados a sus parientes y amigos como en los que pintaban por encargo, los impresionistas daban más importancia los valores emotivos y líricos que a los aspectos técnicos , lo cual explica el éxito popular tan grande como duradero que siguen manteniendo sus composiciones .

Las intérpretes más eficaces y sensibles de este tema , al que dedicaron muchos cuadros de una intensidad poética fuera de lo habitual fueron Mary Cassatt y Berhe Morisot, aunque no hay que olvidar las aportaciones que hicieron a este tema sus colegas masculino tales como : Pierre- Auguste Renoir y Claude Monet 

Maternidad de Pierre-Auguste Renoir 1855

Maternidad 
óleo sobre lienzo 91 x 72 cm
Museo de Orsay , París

El 21 de marzo de 1885, nació el primogénito de Renoir . Este es uno de los muchos cuadros en que el pintor retrató a la madre del pequeño, Aline Charigot , dándole el pecho . La escena está ambientada en junio de 1885 en Essoyes, el pueblo natal de Aline . Para la composición ,el artista se inspiró en los modelos de la pintura antigua. Su intención era pintar una Virgen con Niño moderna , con especial referencia a la 

Virgen de la silla de Rafael , que le había fascinado de un modo muy particular al contemplarla durante una visita al Palazzo Pitti de Florencia 

Madre y Niño , Mary Cassatt, 1897 

Madre y niño
pastel sobre papel 55 x 45 cm
Museo de Orsay, Paris 

Para Mary Cassatt, la maternidad era uno de sus temas preferidos a los que dedicó varias de sus obras . La estructura de esta composición recuerda a las de las estampas japonesas que tanto gustaban a la artista , pero al mismo tiempo se inspiró en las maternidades de los grandes maestros como el cuadro de Peter Paul Rubens donde aparece su segunda esposa Hèléne Fourment , en el segundo hijo de ambos ,Franz, nacido en 1653 , actualmente en la Alte Pinakothek de Munich

Camille con su hijo en el jardín de Argenteuil 1875, Claude Monet 

Camille con su hijo en el jardín de Argenteuil
óleo sobre lienzo 55, 3 x 45 cm
Museo de Orsay, Paris

El tema de este cuadro nos muestra una parte del jardín de la casa de Aegenteuil ,donde el pintor cultivaba rosas , representadas aquí con una variedad el intensidad de colores
extraordinaria que resalta los innumerables matices del verde del seto. Por otra parte, la actitud tranquila y relajada de la mujer y el hijo del artista transmite una sensación de calma y paz interior , testimonio de uno de los momentos más serenos y felices de la vida de Claude Monet 

Mercedes Tamara

1-09-2016

Bibliografia : Impresionismo, Edic Taschen

                    Wikipedia 

VAN GOGH EN AUVRES

VAN GOGH EN AUVRES

Calle de Auvres

óleo sobre lienzo 80 x 60 v,

Colección privada

VAN GOGH EN AUVRES

El 16 de mayo de 1890 Vicent salió de Saint-Remy y pasó tres días en París , en casa de Theo , que le presentó a su mujer Johana Bonger ( con quien se había casado el año anterior ) y  su hijo ( nacido el 31de enero y llamado Vicent Willem en su honor)
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Siguiendo un consejo de Pissarro , Van Gogh se fue a vivir a Aubres-sur-Oise , a cuarenta kilómetros de París . Se alojaba en una habitación sobre el café de la familia Ravoux y recibía los cuidados del doctor Paul Gauchet , estudioso de las enfermedades mentales con su ayuda volvió a pintar paisajes y retratos .

Es imposible adivinar la evolución que habría seguido su obra si no se hubiese suicidado . Si en París asimiló el arte de los impresionistas , en Arles dio un paso adelante muy notable , superando el naturalismo de Millet y Pissarro , en clave simbolista y expresionista .

El espacio pictórico había sufrido una completa subversión en que las líneas ya eran libres de crear nuevos equilibrios y formas . Como ya no estaban obligados a ser fieles a la realidad , evocaban y sugerían dimensiones interiores.

El llano de Auvres

óleo sobre lienzo 73,5 x 92 cm

Neue Pinakothek, Múnich

Una vez más como sucede en otros cuadros que Van Gogh dedicó a lugares de Auvres , la mirada del espectador que contempla El llano de Auvres, se extiende sobre el gran panorama rural de colores claros y luminosos , pero a diferencia del cuadro pintado en Arlés , las líneas y las pinceladas son más agitadas y nerviosas , sobre todo en el cielo ocupado en buena parte por nubes que forman remolinos . A la vez que introducen un elemento dinámico , las nubes aportan dramatismo , preludio de la tragedia final que truncó prematuramente la vida del artista.

Margarita Gauchet al piano

óleo sobre lienzo 73,5 x 92 cm

Kuntsmuseum Basilea

En esta tela Van Gogh representó a la hija del doctor Gachet tocando el piano . La joven aparece de perfil, con el pelo recogido , la mirada baja y una expresión concentrada en la partitura y el teclado . En la tapicería verde, consteladas por pequeñas pinceladas de color rojo anaranjado que hacen que parezca un prado florido , resalta el largo vestido blanco y la tez ( apenas menos pálida ) de la mujer . La composición carente de profundidad refleja las aportaciones de Bernard y Gauguin.

La iglesia de Auvres sur Oise

óleo sobre lienzo 94 x 74 cm

Museo de Orsay, París

La gran importancia de Van Gogh dentro del arte moderno reside en su nueva definición del espacio pictórico que ya no obedece a la exigencia de la verosimilitud , sino que está en sintonía con los estados de ánimo subjetivos del artista .

El cuadro deja de ser un espejo de la realidad para convertirse en una dimensión espiritual donde el artista se refleja a sí mismo

Las líneas de los contornos están muy marcadas La zona del cielo tiene mayor planitud, empleando una pincelada a base de espirales, destacando la intensidad del colorido. Precisamente los tonos que utiliza Van Gogh también son muy personales. Los malvas, verdes, amarillos y blancos caracterizaban buena parte de su producción, añadiendo pequeñas superficies de color naranja para aludir a los colores complementarios. La figura de la mujer que camina por el sendero proporciona mayor vitalidad y realismo a la escena, un conjunto insuperable.

VAN GOGH EN AUVRES

Una gran parte del arte moderno está en deuda con Van Gogh , y sigue viéndole como un ejemplo a seguir . A principios de julio de 1890 Vicent sufrió una nueva crisis . Ni Theo ni Gauguin estuvieron dispuestos a pasar con él las vacaciones de verano , y el pintor se sintió solo, abandonado .

El 27 de julio , en pleno campo ( donde solía pintar ) , se pegó un tiro en el corazón con una pistola , pero el esternón desvió la bala . Gravemente herido, logró volver a su habitación , donde murió a causa de una hemorragia . Pocos meses después , el 25 de enero , también falleció Theo , corroído tal vez por el remordimiento de no haber hecho lo suficiente para salvar a su hermano.

Mercedes Tamara

30-08-2016

Bibliografía . Atlas del Impresionismo

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