FUTURISMO, ORFISMO Y RAYONISMO

FUTURISMO, ORFISMO Y RAYONISMO

Velocidad del automóvil, 1914
Giacomo Balla : óleo sobre madera 55,5 x 69 cm
Museum of Modern Art, Nueva York

Introducción

Los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial vieron cómo las nociones de distancia y del tiempo necesario para salvarlas cambiaran radicalmente con la llegada del aeroplano, el automóvil y las comunicaciones inalámbricas . Surgió toda una serie de movimientos artísticos interrelacionados que buscaban reflejar el extraordinario ritmo de la tecnología y sus implicaciones en la sociedad . El motivo principal de esta nueva toma de conciencia fue el movimiento artístico de vanguardia italiano: el futurismo. Aunque reflejaba las circunstancias particulares de su país de origen , tuvo un importante impacto en la vanguardia artística desde Moscú a Nueva York.

Futurismo

El movimiento fue iniciado por el poeta italiano Filippo Tomaso Marinetti ( 1826-1944) En febrero de 1909, el periódico italiano Gazzetta dell´Emilia publicó el Manifiesto futurista de Marinetti, en el que el poeta declaraba : " Queremos cantar el amor al peligro, el hábito de la energía y temeridad ". Marinetti estaba llamando al rechazo de los valores tradicionales y a la glorificación de la nueva tecnología . Su amor por la velocidad y la mecanización empezó a ser compartido por arquitectos, compositores , escritores ,diseñadores, directores de cine y artistas . Hacía el mes de marzo de 1910,los pintores italianos Umberto Boccioni ( 1882- 1916 ), Carlo Carrà ( 1881-1961 ). Giacomo Balla ( 1871-1918 ), Gino Severini ( 1883- 1966 ) y Luigi Russolo ( 1885-1947) se habían adherido al movimiento y dictaron el Manifiesto de los pintores futuristas . Además de tachar a los críticos de arte de " proxenetas complacientes " el manifiesto exigía que Italia dejara de mirar a su `pasado  con nostalgia, , celebrara la vida moderna, adoptara el cambio y desarrollara una cultura capaz de reflejar su reciente industrialización . Un mes después, cuando el futurismo   ya empezaba a tomar formar como movimiento artístico reconocido, el grupo dictó el Manifiesto técnico de la pintura futurista , en el que se ponía énfasis en la necesidad de que los artistas expresaran la naturaleza dinámica del movimiento en sus obras

La torre Eiffel ( 1910-1911 )
Robert Delaunay : óleo sobre lienzo
Kunstmuseum , Basilea , Suiza

Influenciados por el estilo divisionista del pintor neoimpresionista, Paul Signac 
( 1863- 1935 ) centrado en la separación de colores en puntos o parches individuales , los futuristas intentaron crear una ilusión de velocidad a través de pequeños toques de color que el observador combina ópticamente en lugar de mezclar fisícamente los pigmentos . La pintura de Boccioni La ciudad se levanta ( 1910 ) usa este tipo de técnicas . No obstante, el artista añadió un nuevo dinamismo ,mediante diagonales para representar una fuerte tormenta arremolinada. No obstante, no fue hasta que los futuristas descubrieron el cubismo en 1911 cuando fueron capaces de establecer un método sistemático para representar el movimiento mecanizado. Adoptaron los planos quebrados , los ángulos múltiples y la repetición de la misma imagen, propios del cubismo y los aplicaron a la representación del espacio y el tiempo cambiante. Empezaron a usar colores más claros y más vibrantes que los usados por los cubistas y adoptaron las máquinas, como , por ejemplo, automóviles, trenes y motocicletas como tema de sus obras. También añadieron " lineas de fuerza " de forma que las diagonales servían para situar al observador en el centro de la imagen , empujándolos hacía su interior como puede verse en la obra de Balla Velocidad del automóvil ( fig 1 )


Orfismo

Movimiento pictórico francés de corta vida que se desarrolló a partir del Cubismo h. 1912. La palabra «Orfismo», que usaron con anterioridad los simbolistas, fue aplicada al movimiento por Apollinaire, y la referencia a Orfeo, cantor y poeta de la mitología griega, reflejaba el deseo de los artistas implicados de aportar un nuevo elemento de lirismo y color al austero Cubismo intelectual de Picasso, Braque y Gris. Los pintores que cita Apollinaire como practicantes del Orfismo eran Delaunay, Léger, Picabia y Marcel Duchamp; Kupka fue el principal miembro del movimiento no mencionado por Apollinaire. Convirtieron el color en principal medio de expresión artística, y Delaunay y Kupka fueron de los primeros que pintaron cuadros absolutamente no representativos, viendo una analogía entre abstracción pura y música. Aunque tuvo una vida corta, el Orfismo ejerció gran influencia en la pintura alemana (especialmente en Macke, Marc y Klee), así como en el Sincromismo

Rayonismo, Bosque verde y azul ( 1912 )
Natalia Concharova .óleo sobre lienzo 54,5 x 49,5 cm
Museum of Modern Art, Nueva York

Rayonismo

En Rusia, el futurismo tuvo un profundo impacto en el arte y la literatura.Mishail Larionov ( 1881-1964 ) y su esposa Natalia Goncharova ( 1881- 1962 ) combinaron el énfasis del  futurismo en el movimiento con las formas quebradas del cubismo y los intensos colores del orfismo para crear el rayonismo. Entre 1911 y 1920 ambos artistas trabajaron los aspectos teóricos y plásticos de la pintura rayonista. Larionov se centró en los etudios analíticos y Concharova , en su implementación . Idearon un método para aplicar lineas diagonales cruzadas para representar " los rayos ", que ellos creían que se producían cuando la luz reflejaba sobre la superficie de un objeto o entre dos objetos, así, pues, un objeto en movimiento reflejaría un número casi infinito de rayos. Los pintores representaban los rayos a través de lineas diagonales de pintura ( con frecuencia aplicadas sobre el lienzo con una espátula)

que recorría toda la superficie de la pintura , como puede verse en la pintura 

Rayonismo, bosque verde y azul ( fig 3 ). Los resultados en ocasiones rozaban la abstracción total . Como los futuristas italianos , Concharova sugería el movimiento a través de la repetición rítmica de formas y lineas .

Mercedes Tamara ( autora )

8-01-2015

Bibliografia : Wikipedia

                    Artehistoria

SANDRO BOTTICELLI EL PINTOR MÁS IMPORTANTE DEL RENACIMIENTO

SANDRO BOTTICELLI EL PINTOR MÁS IMPORTANTE DEL RENACIMIENTO

Alegoría de la primavera, 1478
temple sobre tabla 203 x 124 cm
Galleria degli Uffizi

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia, 1 de marzo de 1445 -Florencia, 17 de mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue un pintor cuatrocentista italiano. Menos de cien años después, este movimiento, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue considerado por Giorgio Vasari como una "edad de oro", un pensamiento que convenientemente encabezaba su Vita de Botticelli. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas


Se le considera el pintor florentino más importante del Renacimiento italiano. Sandro Bortticelli fascinaba en sus cuadros de gran formato con el esplendor de los floridos prados de Florencia y el encanto de los héroes , los dioses y seres fantásticos de la mitología. De esta manera creó una obra en la que se enlazaban el paisaje de su tierra y los mitos de la Antigüedad Clásica.

El Nacimiento de Venus, 1485
temple sobre lienzo 172 x285 cm
Galleria degli Uffizi

El padre de Botticelli , en realidad, quería convertir a su enfermizo hijo en orfebre. Afortunadamente, este no mostraba para la orfebrería el talento del que hacía gala para el dibujo. Por ello, Botticelli comenzó como aprendiz del famoso pintor Filippo Lippi . Muy pronto aventajó a su maestro en fama y calidad . El Papa se llevó al artista a Roma , donde sus frescos adornan la Capilla Sixtina , debajo de los que pintó Miguel  Angel en el techo. Solo al final de su vida , cuando el temido predicador Savonarola arremetió contra el arte pagano de Florencia , abandonó la pintura casi por completo.

Un cliente ilustre

Florencia era entonces una ciudad próspera , entre cuyas familias más influyentes figuraba la de los Médici . Probablemente, Botticelli realizó para ellos su famosa Nacimiento de Venus . La diosa de la belleza emerge del mar de pie sobre la valva de una ostra. Es conducida hacía la orilla por los dioses del viento bajo una lluvia de rosas donde una ninfa la espera con el manto de color púrpura. Botticelli representó con perfecta armonía el antiquísimo mito del nacimiento de la belleza. El descendiente más brillante del clan de los Médicis era Lorenzo, al que todos llamaban el Magnífico. Fue él quien encargó a Botticelli pintar un cuadro para la boda de Semiramide Appiani, a quien Lorenzo quería casar con su pupilo Lorenzo di Pierfrancesco de Médici. Tales regalos de boda eran habituales por aquel entonces , y no era extraño que los pintores decorasen con motivos bíblicos , escenas amorosas y de caza los arcones de madera que las novias llevaban al matrimonio como parte de la dote

Venus y Adonis
temple y óleo sobre tabla 70,6 x 178 cm
National Gallery Londres

Primavera en Florencia

Boticcelli representaba el matrimonio como el inicio de una nueva vida . En su cuadro 

La primavera situó a los dioses romanos en el centro del paisaje italiano . Mercurio ahuyenta las últimas nubes negras con un bastón y la diosa Flora esparce sobre el fértil paisaje las flores que lleva en su vestido . El matrimonio entre Semiramide y Lorenzo tenía que crear un sólido lazo de unión entre las dinastias de los Appiani y los Médici . El amor no estaba presente, todo lo contrario, Semiramide apenas conocía a su futuro marido antes de casarse con él. Así pues, Mercurio, que en la pintura de Botticelli remueve el cielo con su bastón de heraldo, tenía que disipar las nubes de inquietud situadas sobre la cabeza de la novia.

Mercedes Tamara ( autora )

7-01-2014

Bibliografia : Wikipedia

LEONARDO DA VINCI Y SUS DESCUBRIMIENTOS

LEONARDO DA VINCI

La Última Cena 1495-1497
temple y óleo sobre yeso 460 x 880 cm
Santa Maria della Salute

LEONARDO DA VINCI

Ningún otro tuvo intereses tan variados ni fue tan prolífico en sus invenciones e investigaciones como el artista renacentista Leonardo da Vinci , procedente de la pequeña aldea de  Vinci. Con la Mona Lisa creó el cuadro más célebre del mundo

Cuando Leonardo paseaba con sus alumnos por la plaza del mercado de Florencia, le gustaba ir a los puestos de vendedores de pájaros. Compraba unos cuantos pájaros , los sacaba de las jaulas y los liberaba . Uno de los mayores sueños de Leonardo era elevarse él mismo por el aire algún día . En su cuaderno de bocetos dibujó un paracaidas , un planeador y un helicóptero . Leonardo anotó sus observaciones sobre las aves con escritura invertida para no emborronar la tinta mientras escribía , ya que era zurdo . Al lado, garabateó imágenes que querían mostrar cómo movían sus alas las aves . La observación de la naturaleza y la pintura  constituían para Leonardo una unidad ; el arte tenía que ayudar a entender mejor el mundo.

La sonrisa más famosa del mundo

Tras su formación junto al escultor Andrea de Verocchio en Florencia, Leonardo fue admitido en el Gremio de los Pintores de San Lucas, asociación muy conocida en Florencia que llevaba el nombre del patrón de los pintores . Pronto alcanzó la fama como pintor dentro y fuera de Florencia,aunque también como arquitecto e ingeniero. El príncipe Ludovico Sforza reclamó su presencia en Milán para la construcción de puentes , catapultas y cañones y el papa León X le invitó a Roma. Más tarde, trabajó para el rey francés Francisco I , quien le nombró " primer arquitecto, pintor e ingeniero del rey " .Leonardo pintó en Milán La Última Cena y, tras su regreso a Florencia , la Mona Lisa , el cuadro más célebre del mundo , en el que retrata probablemente a la mujer de un comerciante florentino. Leonardo apreciaba tanto el cuadro que incluso lo llevaba consigo en sus viajes. Los elementos paisajísticos representados en el fondo no están claramente delimitados entre sí, sino que se funden como en una bruma . Esta técnica pictórica recibe el nombre de sfumato ,término que procede de la palabra italiana fumo , " humo ".

La Gioconda
óleo sobre tabla 77 x 53 cm
París, Museo del Louvre

 Descubrimientos y contratiempos

Leonardo también tuvo que soportar algunos fracasos en sus numerosos experimentos . En la mezcla de colores para La última cena , quizá intentó desarrollar una nueva técnica, pero la pintura ya se escamaba mientras estaba pintando , por lo que el cuadro tuvo que someterse a una laboriosa restauración hace algún tiempo. El intento de volar también le resultó difícil , pues el helicóptero de Leonardo no se movió del sitio. Y cuando Salai, discípulo de Leonardo , intentó elevarse en el aire con el planeador desde una colina cercana a Florencia, se precipitó al vacío y se lesionó. Leonardo no intentó nunca más construir un planeador después de aquel suceso. En cualquier caso, debe ser considerado un auténtico genio universal. No solo sabía dibujar, pintar y componer música , sino que realizó asombrosos descubrimientos . Observó , por ejemplo, que el sol no se mueve en el firmamento , como se creía entonces.

Mercedes Tamara

7-01-2015

Bibliografia : Leonardo da Vinci,Edit Taschen

AMEDEO MODIGLIANI

AMEDEO MODIGLIANI

Desnudo reclinado 1919
óleo sobre lienzo 72x 1,16 cm
The Metropolitam Museum , Nueva York

Amedeo Modigliani

Nació en Livorno, Italia en 1884. En su adolescencia sufrió crisis de pleuresia y de tifus que le obligaron a abandonar su escolarización . A los quince años, estudiaba pintura en el estudio del artista italiano Guglielmo Micheli ( un defensor de la pintura al aire libre ) . En 1902, se marchó a Florencia donde cayó bajo el embrujo de los artistas del siglo XIV. Duccio y Simone Martini. Modigliani conservó este interés durante toda su vida, que influiría enormemente en su posterior estilo. 

En 1906 tras un breve período de estudios en Florencia y en Venecia , donde descubrió la obra de Henri de Toulousse-Lautrec en la Bienal de 1905. Luego se marchó de Italia y se instaló en París . Abrió su estudio en Monmatre y se unió a un círculo de artistas que incluía a Gino Severini, André Derain y Pablo Picasso. 

Retrato de Jeanne Hébuterne 1918
óleo sobre lienzo 91,4 x 73 cm

 En 1906, Modigliani se instaló en Montparnasse y fue vecino y amigo íntimo de Constatin Brancusi. Declinó firmar el Manifiesto futurista de 1910. En esa época aproximadamente y bajo la influencia de Brancusi , realizó unos treinta bustos longilíneos de piedra tallada. Varias de las mejores obras de Modigliani , que fundamentalmente era retratista, representó a sus mejores amigos y a sus colegas de profesión, como Jean Cocteau, Chalin Soutine, Jacques Lipchitz y Moise Kisling. Su obra tardía está dominada por los retratos de su joven amante Jeanne Héburtene, a quien conoció en 1917 y con quien tuvo una hija . En esa época, Modigliani ya era un hombre enfermo . Murió en 1920, tras ser ingresado de urgencias en el hospital por una meningitis tuberculosa. Jeanne Héburtene se suicidó al dia siguiente

Retrato de Jeanne Hébuterne
óleo sobre lienzo 100 x 65 cm
Museo Norton Simon Pasadena

Retrato de Jeanne Héburtene

Las obras de Modigliani adquirieron una mayor simplicidad y un nuevo lirismo a partir del momento en que el artista conoció a la hermosa estudiante de arte Jeanne Héburtene , que tenía diecinueve años. Parece ser que nunca se cansó de pintarla, a pesar de su precaria salud . Tomados en su conjunto, estos retratos captan todos sus estados de ánimo y se caracterizan por una nueva pincelada más delicada y unas formas más simples circunscritas por unas lineas que se curvan perezosamente. Pero este nuevo sentimiento no se limita a traducirse en los cuadros de su joven amante . También se refleja en otros retratos que Modigliani pintó en 1918 y 1919, obras como Muchacha campesina y Muchacho sentado con una gorra ( 1918 ). De todos modos, los cuadros que pintó de Jeanne son especiales, rango que se advierte sobre todo en el Retrato de Jeanne Héburne , conservado en el Museo Metropolitano . El lienzo es encantadoramente voluptuoso en todos sus detalles, desde su largo rostro almendrado y enmarcado por su pelo caoba , que lleva suelto hasta su cuello de cisne, los hombros ligeramente caídos , los brazos estilizados y unas manos y unas muñecas exquisitamente femeninas.

Es especialmente cautivadora la posición de la mano izquierda, con el dedo flexionado hacía atrás y presionando con un aire interrogativo la mejilla. En términos formales este retrato es muy simple y consiste en una serie de curvas que se mueven entre sí, enfrentadas las unas a las otras . La curva ascendente de la enagua de Hébuterne da la vuelta por encima de los hombros y continúa por el borde descendente de la tela naranja que aparece a la derecha del cuadro . En contraposición, se advierte un movimiento serpenteante de la parte superior derecha de la figura que culmina en la inclinación del cuello y la cabeza de la mujer. Respecto a su cromatismo, la obra emplea una sutiles tonalidades que derivan de la oposición complementaria del azul y el naranja.

Mercedes Tamara (autora )

5-01-2015

DIEGO DE VELÁZQUEZ MAESTRO DE LA PINTURA UNIVERSAL

Las Meninas, 1656
óleo sobre lienzo 318 x 278 cm
Madrid, Museo del Prado

Al principio de su carrera , el pintor español Diego Rodríguez de Silva y Velázquez pintaba naturalezas muertas , los llamados bodegones , cuadros religiosos y escenas de la vida popular . Pero la fama la adquirió gracias a los retratos que realizó al rey Felipe IV, su familia y su corte.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, hacia el 5 de junio de 1599- Madrid, 6 de agosto de 1660), conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.

Autorretrato ( detalle de Las Meninas ) 1656
Madrid, Museo Nacional del Prado

Velázquez era extremadamente ambicioso . De origen humilde se esforzó por llegar a ser uno de los pintores más famosos de España . A los 23 años de edad viajó a Madrid para convertirse en pintor de cámara de Felipe IV. Su deseo se cumplió y fue nombrado " pintor de Su Majestad " con una renta fija,


El pintor del rey

El joven tenía contratado a cuatro pintores de cámara en aquella época, pero muy pronto Velázquez se convirtió en el preferido. Fue administrador , contador, chamberlán " ayudante de cámara del rey "( un gran honor ) y mayordomo mayor de Su Majestad. También actuó como juez en concursos de pintura reales para decidir qué retratos de la realeza debían de ser destruidos por su indecencia y vulgaridad . Cuando Velázquez partió a Italia para estudiar el arte de los venecianos, el rey dispuso que siguiera recibiendo sus emolumentos como pintor de cámara : un privilegio inusitado.

Felipe IV había hecho colocar un sillón en el taller del pintor para poder observar en todo momento a Velázquez mientras trabajaba . En el cuadro de Las Meninas , los ilustres cortesanos que rodean a la infanta Margarita observan al maestro en el taller mientras pinta. En el espejo se puede ver que el matrimonio real también está presente . Pero en este cuadro, Velázquez se representó sobre todo a sí mismo mientras pintaba , con tantas prestancia que parece que él también formara parte de la familia real. Su vestimenta es peculiar , poco antes de su muerte, el rey le había nombrado Caballero de la Orden de Santiago.

Las hilanderas
óleo sobre lienzo 1,67 x 2,52 cm
Madrid, Museo Nacional del Prado

Retrato de una corte

Velázquez pintó muchos retratos del rey en los que se aprecia lo infeliz que era el monarca en su cargo. Además de Felipe IV , muchos de los miembros de la corte posaron para él , entre ellos la reina Isabel y Mariana , maquilladas de manera amuñecadas con sus opulentos peinados y sus rígidos vestidos con lujosos bordados. Por otra parte, también pintó a los perros falderos y de caza del rey y a sus hijos: las infantas Margarita y María Teresa y el prícipe Felipe Próspero . Están vestidos como adultos : en España la etiqueta del palacio era más severa que en ninguna otra parte . Velázquez también pintó a los enanos y bufones de la Corte. A ellos los dibujó con pinceladas más toscas , casi difusas, como se aprecia en el cuadro de Las Meninas .De esta manera, los diferenciaba con toda claridad de la familia real. A principios de su carrera de palacio , Velázquez destacó por sus representaciones plásticas de temas religiosos , del claroscuro de Caravaggio . Posteriormente, sedujo con la riqueza de su colorido y su pintura delicada, en la que hacía valer tanto la desigual granulosidad de los pigmentos , como las pinceladas suaves o toscas, con el fin de remarcar las diferencias de rango. Velázquez no solo fue extremadamente ambicioso , sino también uno de los mejores pintores del mundo.

Mercedes Tamara

5-01-2015

FRIDA KHALO: UNA VIDA TRÁGICA

FRIDA KHALO: UNA VIDA TRÁGICA

Frida y Diego Rivera 1931
óleo sobre lienzo 100 x 79 cm
Museo de Arte Moderno de San Francisco

 La pintora mexicana Frida Khalo representó en sus óleos sobre todo su propia vida, marcada por la tristeza y el dolor. Pablo Picasso , Vassili Kandinsky y los artistas surrealistas admiraron sus obras. Ella nunca llegó a formar parte de este movimiento, sino que desarrolló un peculiar estilo propio


Magdalena del Carmen Frida Kahlo Calderón, más conocida como Frida Kahlo (Coyoacán, 6 de julio de 1907- Coyoacán, 13 de julio de 1954), fue una pintora y poetisa mexicana de ascendencia alemana y española.  Casada con el célebre muralista mexicano Diego Rivera, su vida estuvo cruzada por el infortunio de una enfermedad infantil y por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada en cama durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas.Llevó una vida poco convencional, fue bisexual y entre sus amantes se encontraba León Trotski

.Su obra pictórica gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de unas 200 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. La obra de Kahlo está influenciada por su esposo el reconocido pintor Diego Rivera, con el que compartió su gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del periodo post-revolucionario.

La columna rota, 1944
óleo sobre lienzo montado sobre masonite 40 x 30, 7 cm
Museo Dolores Olmedo, Ciudad de México

Frida y Diego

Khalo contrajo matrimonio a la edad de 22 años con el pintor Diego Rivera , que era mucho mayor que ella . Rivera se había hecho famoso por sus murales , que glorificaban la Revolución mexicana . Frida se situó por completo a la sombra de Diego, y así retrató a la pareja de recién casados en sus cuadros. Únicamente Rivera lleva los utensilios de pintor - pinceles y paletas- mientras que Khalo no aparece más que como esposa .

La gente llamaba a la desigual pareja " la paloma y el elefante " . Si bien su matrimonio estuvo colmado de pasión , no siempre fue feliz . La pareja llegó incluso a divorciarse debido a que el pintor, un hombre dominante, se interesaba demasiado por otras mujeres. Sin embargo, nunca llegaron a romper totalmente los lazos entre ellos y, más tarde, contrajeron matrimonio por segunda vez. A partir de entonces parece que se entendieron mejor . Frida Khalo se convirtió en protectora maternal de Rivera. Diego yace en sus brazos como un recién nacido , ambos artistas descansan en las manos gigantescas de la Madre Tierra , cuyos brazos rodean también toda la naturaleza. A los pies del vestido de Khalo , dormita Señor Xólotl. el perro favorito de la pintora, al que había puesto el nombre de un dios mexicano

El abrazo de amor al Universo : la Tierra ( México )
Y, Diego y el señor Xalolt, 1949
óleo sobre lienzo 70 x 60,5 cm
Colección privada

Viva la vida

Los cuadros de Khalo casi se pueden alinear configurando un libro de su vida con imágenes coloridas, aunque tristes. Existe un dibujo a lápiz de su accidente de autobús o un óleo de su destrozada columna vertebral con el corsé de acero que tuvo que llevar durante mucho tiempo . En algunos cuadros , Khalo representó su tristeza y en otros describió su nostalgia de México . Más tarde, se pintó también en la silla de ruedas a la que estaría condenada hasta su muerte. En muchos de sus autorretratos , Frida Khalo se muestra pensativa y seria, aunque existen otros cuadros que narran, con animados y brillantes colores, días más felices y enormes ganas de vivir, como por ejemplo un retrato de su primer novio, un cuadro de boda con Diego, un autorretrato vestida con el traje regional de las mujeres de Tijuana, que tanto amaban Frida y Diego. La última pintura de Khalo , terminada poco antes de su muerte con sandias partidas, En la pulpa de una de las sandias escribió " Viva la vida "

Viva la vida ( 1951-1954 )
óleo y tierra sobre masonite 52 x72 cm
Museo Diego Rivera y Frida Khalo ,Ciudad de México

Mercedes Tamara ( autora )

3-01-2015

Bibliografia : Algunos datos de Wikipedia

ART NOUVEAU

ART NOUVEAU

Fatalidad ( 1893 ) Jan Toorop
tiza y lápiz sobre papel 60 x 75 cm
Rijksmuseum Kröller Müller, Otterlo, Paises Bajos

El Art Nouveau fue un estilo versátil y decorativo que se hizo tremendamente popular en toda Europa y Estados Unidos . Afectó a todas y cada una de las ramas de las artes , desde la pintura y la arquitectura hasta las artes gráficas y el diseño. Su principal característica fue el gusto por los patrones sinuosos y lineales . Las estilizadas formas naturales , tales como hojas o zarcillos, eran las más dominantes , no obstante, las formas humanas también aparecían ocasionalmente , así como algunos motivos relativamente abstractos con lineas serpenteantes y arabescos. Los diseñadores evitaban el contenido simbólico o expresivo en sus obras y se centraban en su aspecto decorativo . Al despejar sus temas de cualquier contenido emocional o narrativo, los artistas allanaron el camino al desarrollo del arte abstracto.

El estilo Art Nouveau evolucionó a partir de una ecléctica variedad de fuentes. , le debía algo a las osadas simplificaciones de los grabados japoneses que tanto habían inspirado a los impresionistas . También estaba influenciado por el movimiento británico Arts and Crafts, y en particular, por los rítmicos estampados florales de los diseños de papel pintado por William Morris . También podían identificarse rasgos de las estilizaciones empleadas como Paul Gauguin ( 1848- 1944 ) Vicent van Gogh ( 1853- 1890 ) o Edvard Munch ( 1863-1944 ) .
El pintor holandés Jan Toorop ( 1858- 1928 ) inició su trayectoria como pintor simbolista y, en sus primeras obras, como por ejemplo Fatalidad ( fig 1 ) se sirvió de lineas y símbolos curvados e impredecibles para representar un mundo más allá de la realidad.

Las piedras preciosas amatista ( 1900 )
Alphonse Mucha
Litografía en color 60 x 25 cm
Museo Regional Chrudim, República Checa

El movimiento Art Nouveau surgió inicialmente en Francia . Tomó su nombre de la Maison de l´Art Nouveau ,una tienda parisina abierta en 1895 por el marchante de arte alemán Siegfried Bing ( 1838-1905 ) Bing comerciaba principalmente con obras de diseñadores europeos modernos . Sentía un interés especial por las cristaleras , tas conocer al estadounidense Louis Comfort Tifany ( 1848-1933 ) . Bing se convirtió en el único distribuidor de los productos del diseñador Bing, también vendía obras de los otros dos gigantes del cristal del estilo Art Nouveau: Emile Gallé ( 1846- 1904 ) y René Lalique ( 1860-1945 ) . La obra de este último ,la cual suele incluir representaciones realistas o estilizadas de plantas e insectos , como por ejemplo  , este jarrón de cristal opalescente ( fig ·3 ) También incluía joyas con forma de plantas o de insecto.

La capital francesa también estuvo a la vanguardia de los desarrollos, en una forma artística relativamente nueva : el cartel . Dos de su principales exponentes : Alphonse Mucha ( 1860-1939) y Jules Chéret ( 1836- 1932 ) encabezaron este nuevo estilo. Ambos se hicieron conocidos por sus imágenes coloristas de mujeres jóvenes , como por ejemplo Amatista ( fig ) de Mucha que formaba parte de su serie Piedras preciosas en la que también se encontraban las obras Rubí yTopacio y Esmeralda. Las mujeres del Art Nouveau , estaban más o menos basadas en las femmes fatales que habían popularizado los simbolistas . No obstante, sus largas cabelleras ya no pretendían ser armas para atrapar a los incautos , ahora dichas melenas pasaban a ser puramente docorativas, En París, la influencia del Art Nouveau también se pone de relieve en algunos ámbitos de la arquitectura, como por ejemplo en las entradas de hierro forjado que Héctor Guimard ( 1867 -1942 ) diseñó para las nuevas estaciones del metro de la ciudad.

Jarrón con árboles, René Lalique
28 cm de altura
Colección privada

En Alemania se desarrolló una variante del Art Nouveau , generalmente conocida como Jugendstil, un nombre que adoptó la influyente revista Die jungend ( la juventud ) publicada en Müinich en 1896a 1914 . Die jungend era un importante escaparate para el nuevo estilo y uno de sus principales ilustradores fue el artista hamburgués Otto Eckmann ( 1865- 1902 ) Igual que otros colaboradores del Art Nouveau , Eckmann creó diseños para una amplia variedad de muebles , cerámicas y papeles pintados . En Austria , el estilo se llamó Sezessionstil a causa de sus estrechos vínculos con la Secesión de Viena , en Italia era conocido como Style Liberty, una referencia a los grandes almacenes Liberty de Londres . Fundada en 1875, por Sir Arthur Laventy Liberty ( 1843- 1917 ) la tienda Liberty promovió la obra de los diseñadores del Art Nouveau.

En Gran Bretaña , las estilizaciones lineales del Art Nouveau están estrechamente asociadas a la obra gráfica de Aubrey Beardstley ( 1872- 1898 ) como por ejemplo La fiesta del pavo real . En Glasgow , la figura dominante fue Charles Rennie Mackintosch ( 1866- 1928 ) el cual se benefició del renovado interés por la decoración celta ( encabezado por Liberty ) y se dejó influenciar por la creación de The Studio en 1893. que expuso ilustraciones de la obra de Beardstley y Toorop - Mackintosch se hizo conocido principalmente por su enfoque meticuloso y abrumador del diseño de interiores. Para dos de sus encargos más célebres - los salones de té de Willow Street e Ingram Street de Glasgow- Mackinstoch diseñó desde la fachada exterior y los murales hasta los muebles , la cubertería y las cartas

Mercedes Tamara

1-01-2015

Bibliografia: Wikipedia