PETER PAUL RUBENS

PETER PAUL RUBENS

Autorretrato con su esposa Isabelle Brandt. 1609
óleo sobre lienzo 179 x 136 cm
Alte Pinakothek ,Múnich

Peter Paul Rubens (Siegen, Sacro Imperio Romano Germánico, actual Alemania, 28 de junio de 1577 — Amberes, Flandes (Países Bajos Españoles), actual Bélgica, 30 de mayo de 1640), también conocido como Pieter Paul, Pieter Pauwel, Petrus Paulus, y, en español, Pedro Pablo Rubens, fue un pintor barroco de la escuela flamenca. Su estilo exuberante enfatiza el dinamismo, el color y la sensualidad. Sus principales influencias procedieron del arte de la Antigua Grecia, de la Antigua Roma y la pintura renacentista, en especial Leonardo da Vinci, Tiziano y Miguel Ángel, del que admiraba su representación de la anatomía.


Este pintor flamenco del barroco convirtió los rígidos cánones clásicos del Renacimiento en mujeres gruesas y figuras llenas de vida . Por analogía con los cuadros de Peter Paul Rubens , incluso hoy en día, para referirse a mujeres entradas en carne , se dice que tienen " figura de Rubens " . Este artista políglota fue además un diplomático muy apreciado y lo armaron caballero.

El desembarco de Maria de Médici en el puerto de Marsella, 1622-1625
óleo sobre lienzo 394 x 295 cm
Museo del Louvre, París

Un aguacero fustró la misión diplomática a la que el duque de Mantua había enviado a Peter Paul Rubens , su pintor preferido, en el año 1603. Dos de los valiosos cuadros que formaban parte de los obsequios destinados al rey español quedaron dañados por el agua . Pero Rubens no titubeó ni un instante , sacó sus pinceles a toda prisa y pintó otros cuadros para sustituirlos . Felipe III quedó entusiasmado y las pinturas pasaron a formar parte de la colección real . En aquella época , Rubens era muy apreciado como pintor en muchas de las casas reales de Europa. El rey holandés el archiduque Alberto , había preguntado incluso en varias ocasiones al duque de Mantua si no tenía intención de prescindir de los servicios de este extraordinario y joven pintor . Pero el duque no accedió , entusiasmado él mismo con las obras de Rubens , Alberto vio llegada la oportunidad en 1609, cuando el pintor se encontraba en los Países Bajos . Se apresuró a nombrar al joven artista pintor de cámara y de esa manera- en palabras del propio Rubens - le puso " cadenas de oro ".

 Caza del hipótamo y cocodrilo, 1615-1616
óleo sobre lienzo 248 x 321 cm
Alte Pinakhothek, Museum

Formas barrocas

Como muchos otros pintores del Renacimiento, el artista había admirado en sus largos viajes a Italia las obras de los clásicos. Aún así, sus figuras se diferenciaban notablemente de las de sus colegas . Rubens procuraba que las suyas no fueran tan rígidas y tan inmóviles como las estatuas de mármol clásicas . Con sus pinceladas les daba vida y transformaba sus severas formas en movimientos dinámicos . Rubens tuvo especial éxito con sus desnudos femeninos , cuyos cuerpos opulentos son su marca distintiva , que ha perdurado hasta la actualidad . No solo porque esas damas entradas en carnes fueran el ideal de belleza de la época : a Rubens esas formas le seducían como hombre que era y le suponían un reto artístico . En muchas de sus pinturas religiosas y mitológicas, estas figuras se agolpaban en coloridos grupos sobre el lienzo , confiriéndoles más movimiento y luminosidad que en todas las obras anteriores. Esta es la razón de que hoy en día muchos consideren a Rubens , el pintor más importante del barroco.

Barroco

Los pintores de finales del siglo XVI estaban cansados de los colores vivos , las formas asimétricas y la frialdad del manierismo. Añoraban las formas claras y sencillas, pero al mismo tiempo, sentían predilección por los efectos teatrales y los movimientos dinñamicos , Los italianos Anibale Carraci y Caravaggio fueron los precursores de esta nueva corriente artística . Un gran admirador de esta nueva corriente artística fue el flamenco Peter Paul Rubens , que después de sus viajes a Italia se convirtió en el pintor barroco más famoso al norte de los Alpes, hasta que el holandés Rembrandt le disputó esa posición. La pintura inglesa del barroco estuvo completamente sometida al influjo de Rubens y de su discípulo Anthonis Van Dyck , que se había hecho un nombre al otro lado del Canal de la Mancha como retratista . El nombre barroco proviene probablemente de la palabra portuguesa barruco, que significaba " perla de forma irregular " Este estilo artístico se observa hasta finales del siglo XVIII , aunque el último período , con su especial carácter juguetón y detallista , se denominó rococó

Helene con dos de sus hijos ( Clara Johanna y Frans ), 1636
óleo sobre tabla 113 x 82 cm
Museo del Louvre, París

El taller de Rubens

La producción del pintor flamenco fue tan vasta que muchas de sus pinturas no se sabe a ciencia cierta fueron pintadas por él mismo o por uno de sus numerosos ayudantes y colegas que trabajaban en el taller . El maestro en persona solo realizaba de propia mano una obra si se trataba de encargos realmente importantes . Esta división del trabajo repercutía naturalmente también en el precio , tal y como cuenta Rubens en una carta en la que hace referencia a una de sus obras : " Original de mi mano , a excepción de un bello paisaje realizado por un maestro versado en el género.En muchas ocasiones, el " maestro versado " era de los numerosos artistas que más tarde llegarían a ser conocidos en todo el mundo , como Anthonis van Dyck o Jan Brueghel , que estudiaron y trabajaron en el taller de Rubens.

La fiesta de Venus , 1632
óleo sobre lienzo 217 x 350 cm
Museo de Historia del Arte, Viena

Carrera diplomática

A Rubens , le afectó sobremanera la muerte de su esposa Isabella Brant, en el año 1626 . Pero el artista no se recluyó, más bien al contrario siempre se había interesado por la diplomacia y dado que además del flamenco, su lengua materna, también hablaba con soltura francés, alemán y español y latín, aparte de dedicarse a trabajar como pintor se aventuró con éxito en el mundo de la política . Carlos I de Inglaterra quedó encantado con este mensajero pintor que en 1629 le armó caballero . Poco después, Rubens, quien entonces contaba 53 años de edad pero tenía muy buen aspecto, se casó con Heléne Forment , de 16 años de edad : " He decidido casarme -justificó su inusitada boda - porque todavía no me siento preparado para una vida de soltero "

Mercedes Tamara ( autora )

23-01-2015

Bibliografia : El Barroco, Edic Taschen

PABLO PICASSO Y EL CUBISMO

PABLO PICASSO Y EL CUBISMO 

Las señoritas de Aviñón, 1907
óleo sobre lienzo 243,9 x 233, 7 cm
Museum of Modern Art Nueva York

Pablo Picasso

 Pablo Ruiz Picasso^[] (Málaga, España; 25 de octubre de 1881-Mougins, Francia; 8 de abril de 1973),pintaba desde muy joven con gran maestría . Su padre , profesor de dibujo y pintor de animales estaba entusiasmado con el realismo y la perfección de las pìnturas de Pablo. A éste, sin embargo, la parecerían posteriormente más bien horribles. Picasso aún tenía que aprender a dibujar sin prejuicios como suelen hacer los niños : " Se necesita mucho tiempo para llegar a ser joven " Picasso

Picasso quería dibujar incluso un simple gallo de una manera totalmente nueva , diferente de la de los artistas de su época , que estaban consagrados al realismo ." Siempre ha habido gallos . Lo que importa es descubrirlos , igual que el resto de las cosas ". El arte de Picasso se puede entender como un intento constante de descubrir de nuevo la vida , los animales, las personas y las cosas sencillas.

Representar la vida sencilla de manera insólita significaba para Picasso, en un primer momento, mostrar la vida de los pobres, de los mendigos y artistas de circo en tonos azules tristes y rosas . Por aquel entonces, el mismo Picasso tenía poco dinero que en ocasiones tuvo que alimentar la estufa con sus pinturas y dibujos para calentar su estudio parisino.

Guernica, 1937
óleo sobre lienzo 35 x 782 cm
Museo de Arte Reina Sofia , Madrid

Nace el cubismo

Descubrir el mundo para el artista implicaba captarlo en sus pinturas de manera novedosa. En su obra Las señoritas de Aviñón , las cinco mujeres representadas han quedado reducidas a formas y colores sencillos . La cara de la mujer que está sentada en la parte inferior derecha se puede ver a la vez en perspectiva frontal y de perfil. Picasso descomponía progresivamente los objetos sobre el lienzo en diferentes formas geométricas : triángulos, círculos y cubos. Esta es la razón de que este tipo de representación creada por Picasso en colaboración con su amigo Georges Braque , en Paris, recibiera el nombre de cubismo. Picasso empezó a buscar otra nueva forma de pintura

Cubismo

Desde el Renacimiento , todos los artistas habían intentado , con ayuda de la perspectiva central , crear sobre el lienzo la ilusión de profundidad .Hacía 1907, Pablo Picasso y Georges Braque rompieron totalmente con esta idea en París. Subrayan precisamente la bidimensionalidad de sus pinturas , y en sus retratos y naturalezas muertas descomponían las caras . Los instrumentos de música , los jarrones y las arquitecturas representadas en simples círculos, triángulos y cuadrados planos. Estos cuadrados ( cubos ) fueron los que dieron el nombre a esta corriente artística.

Paul Cézanne había iniciado también una técnica similar. pero estos artistas lóvenes eran más radicales que él . El cubismo temprano recibe el calificativo de analítico( que descompone ) Posteriormente, nació el cubismo sintético ( que compone ) que unía las formas geométricas creando nuevas figuras .Otros artsitas famosos fueron Robert Delaunay Juan Gris, Fernad Léger y Marcel Duchamp

Jacqueline con las manos cruzadas, 1954
óleo sobre lienzo 116 x 88,5 cm
Museo Picasso, Paris

Mujeriego y padre

Aunque era caprichoso y autoritario , Picasso rompió bastantes corazones . Hizo innumerables retratos de sus esposas y amantes,cada vez en estilos nuevos . Picasso era un trabajador infatigable y además tenía mucha fantasía . Sobre todo pintó a su compañera Marie- Thérèse Walter, a la fotógrafa Dora Maar y a su última esposa Jacqueline Rocque. La mayoría de las veces, Picasso intentaba captar estados de ánimo . Pintaba a las mujeres tal como él las veía : unas veces tristes y llorando , otras enfadadas gritando y otras tranquilas y absortas en un libro. Las componía a partir de formas y colores.

Picasso tuvo cuatro hijos : Paolo, Maya, Claude y Paloma . La paloma, junto con otros animales, desempeñó un papel muy importante en las obras de Picasso. En 1949, el año que nació Paloma , dibujó su famoso cartel con una paloma como símbolo de la paz. Picasso odiaba la guerra . Uno de los cuadros más conocidos , 

el Guernica, es una denuncia sobrecogedora de la destrucción y la aniquilación bélicas. El motivo de su obra fue el bombardeo de la pequeña ciudad de Guernica por la aviación alemana durante la guerra civil española.

Mercedes Tamara

22-01-2015

Bibliografía: Picasso, Edic Taschen

ESCUELA DE PARÍS

ESCUELA DE PARÍS

Desnudo echado con los brazos abiertos 1917
Amedeo Modigliani: óleo sobre lienzo 60 x 92 cm
Colección privada

Escuela de Paris
De 1904 a 1940, la historia del arte está dominada por una secuencia de movimientos artísticos solapados e interrelacionados . No obstante, durante este periodo ,muchos artistas trabajaron de forma independiente . El término École de Paris ( escuela de París ) no se refiere a un estilo artístico como tal, sino que se usa para agrupar a muchos artistas independientes que se instalaron en París , durante los años anteriores y posteriores a la primera guerra mundial. El término fue usado por primera vez por el escritor André Warmond ( 1885-1960 ) en un artículo que publicó en 1925. Pretendía que la expresión abarcara a todos los artistas que habían llegado a la ciudad durante las dos décadas anteriores, entre ellos Pablo Picasso ( 1881-1973 ) y Henri Matisse ( 1869-1954 ) no obstante, desde entonces el término ha pasado a usarse para designar a unos ochenta artistas de otros países- sobre todo europeos-pero también de lugares más lejanos como Japón- que se instalaron en Paris.

La escuela de París fue un fenómeno tanto social como cultural, dado que los artistas con los que se anuncia el término no compartían ni un objetivo sociopolítico unificado ni un enfoque estético común. Sus manifestaciones artísticas son figurativas ( aunque con notables excepciones en el ámbito de la escultura ) y se centran en la representación de la figura humana. Los artistas compartían la creencia de que trabajar en la capital francesa les había dado la oportunidad de estudiar las grandes obras de arte, forman parte de la comunidad de una comunidad de artistas de ideologías afines y beneficiarse del interés de numerosos marchantes y coleccionistas privados . En Montparnasse , los artistas se mezclaban con los escritores y los músicos. Durante los años inmediatamente anteriores a 1914, algunos intelectuales con inclinaciones políticas socialistas,como Warmond , el poeta Guillaume Apolinaire 
( 1880-1918 ) se hicieron amigos de artistas extranjeros porque creían que el hecho de fomentar una agenda cultural internacional servía para erradicar la creciente oleada de xenofobia y militarismo.

El violinista ,1912
Març Chagall: óleo sobre lienzo 188 x 158 cm
Stederlijk Museum Amsterdam

Una parte significativa de artistas que llegaron a la ciudad eran judíos de Europa del Este que huían de las restricciones zaristas , de la amenaza de los progromos y de las constricciones de la vida en los shetts .Uno de los emigrantes fue el ruso Chaim Soudine ( 1893-1943 ) cuya obra constituye la máxima representación del espíritu independiente de los artistas de la Escuela de París , con su uso decorativo y casi pasional del color y su temática a menudo inquietante que pone de relieve su sentimiento de alineación . Su compatriota Marc Chagall ( 1887- 1985 ) llegó a París en 1910 . Su arte estaba influenciado por los planos quebrados del cubismo y por la coloración translúcida de lo que Apollinaire bautizó con el nombre de orfismo, dos elementos que combinó con una peculiar secuencia narrativa . En El violinista ( fig 2 ) el pintor refleja su anterior vida doméstica en una comunidad jasídica cerca de Vitebsk. Es una referencia a los violinistas que tocaban en ceremonias y festividades, lo que pone de manifiesto la nostalgia que sentía Chagall por sus raíces culturales y religiosas. La combinación formada por las casas flotantes , las referencias históricas bíblicas o judías y una paleta de colores claros se convirtió en algo fundamental en el arte de Chagall.

El rumano Constantin Brancusi llegó a Paris en 1904 . Desarrolló un estilo escultórico muy simplificado en el que se suprimían todos los detalles considerados supefluos , como la ropa, los rasgos faciales y los miembros del cuerpo bien definidos. Para Brancusi, el cual se  negaba a definir su obra como abstracta , lo más importante no era la forma externa " sino la idea de las cosas " Sus retratos escultóricos , de los que solía hacer varias versiones , no eran estudios psicológicos expresivos ,sino una sintesis de todas las características del individuo en una sola forma primordial.

Andrómeda 1927.1929
Tamara de Lempicka ;óleo sobre lienzo 100 x 65 cm
Colección privada

El italiano Amedeo Modigliani ( 1884- 1920 ) se crió en el seno de una familia de judíos sefardies y se trasladó a Paris en 1906. Aunque ,inicialmente, emprendió una carrera como pintor , Modigliani renovó su interés por la escultura en 1909,  cuando conoció a Brancusi . Pero debido a la falta de ventas y a una dolencia pulmonar , regresó a la pintura en 1914, Pintó una serie de desnudos entre 1916 y 1919 . Su patente sensualidad provocó un verdadero escándalo cuando las expuso en 1917 . Las posturas clásicas de las obras , como por ejemplo, Desnudo echado con los brazos abiertos ( fig 1 ) hacen referencia a los antiguos maestros y desafiaba la noción futurista de que la era del desnudo había sido superada por la máquina . Como Modigliani, la refugiada Tamara de Lempicka ( 1898-1980 ) hizo referencia a los motivos renacentistas , aunque también al neoclasicismo de Jean -Auguste Dominique Ingres . En la pintura Andrómeda ( fig 3 ) Lempicka pinta a su modelo con una abrumadora sensualidad . Su obra es tremendamente estilizada , al más puro estilo Art-Déco y captura el estilo de vida de sus círculos sociales más ricos y hedonistas .

A partir de 1930, el Musée du Jeaume de Paume de Paris, empezó a adquirir las obras de los artistas de la escuelade Paris , lo que encendió un acalorado debate sobre las diferencias de las obras de franceses y extranjeros . Durante la década de 1930 se vivió el declive gradual de la escuela de Paris, sus principales artistas fallecieron o abandonaron la ciudad. Después de la segunda guerra mundial, Nueva York tomó el relevo a Paris como capital del arte vanguardista.

Mercedes Tamara

19-01-2015

Bibliografia : " Arte, toda la historia " Edic Blume 

PRIMITIVISMO

PRIMITIVISMO

Ararea, 1892 ( Paul Gauguin )
óleo sobre lienzo 73 x 94 cm
Paris, Museo de Orsay

Hacía finales del siglo XIX, el control imperial europeo de América del Sur y Africa , Asia y Australia había crecido y las conquistas coloniales en Asia, África y Oceanía en particular provocaron que los artilugios recogidos en las colonias fueran enviados a los países colonialistas para ser expuestos o vendidos como curiosidades . Se abrieron museos etnológicos en muchas ciudades europeas y muchos artistas viajaron a lugares como África del norte y Oriente Próximo. Esta circunstancia coincidió con el deseo de los jóvenes artistas de vanguardia de dejar a un lado las tradiciones artísticas establecidas. Desilusionados con la esencia de la vida moderna, algunos artistas empezaron a explorar  el arte tribal en museos y a interesarse por culturas no occidentales como las africanas o las oceánicas . Creían que el arte de estas culturas antiguas era más moral  más instintivo y más sincero que el arte académico el cual veneraba la técnica y las ideas clásicas .Confiaban en que el arte se podía vigorizar a través del rechazo de la sofisticación occidental y de la observación de otras culturas.

Más que un movimiento definido, el primitivismo era una tendencia cuyas ideas influyeron en buena parte del siglo XX. El significado del término pronto se amplió para referirse al arte producido por niños o artistas en formación y se solapó con lo que pasó a conocerse como " arte naif" . Este estilo artístico sencillo y sin complicaciones fue inicialmente vilipendiado por las altas esferas del mundo del arte pero recibido como un arte innovador e inspirador entre jóvenes artistas de vanguardia.

Pablo Picasso ( 1881-1973 ) Paul Gauguin ( 1848-1903 ) Emil Nolde ( 1867-1956 ) Henri Matisse ( 1859-1954 ) Constantin Brancusi ( 1876-1957 ) Ernst Ludwig Kirchner ( 1880-1938 ) fueron solo algunos de los artistas que reaccionaron a las distorsiones de forma, a los llamativos estampados y a los colores opuestos del arte tribal que tanto liberaron a los artistas de la tradición de la representación . Empezaron a experimentar con la sencillez de sus formas y sus contornos , con sus códigos simbólicos, con sus distorsiones y sus estampados . Dejaron a un lado los detalles , el realismo , la perspectiva lineal y los colores naturales y empezaron a crear obras abstractas de una forma hasta entonces impensables . Estos artistas también celebraron la sensualidad u el concepto de inconsciencia de este tipo de arte.

Mademoisselle Pogany ( versión 1913 )
Constantín Brancusi : bronce con
pátina negra sobre piedra caliza 44 x215x 31,5 cm
Museum Of Modern Art , Nueva York

Uno de los primeros artistas que infundieron en otros las nociones de primitivismo fue Gauguin . Decepcionado con Francia se trasladó a Tahití y se concentró en la producción de obras de arte carentes de artificio y de complejidad técnica. Su interés por el arte folclórico se intensificó y empezó a estudiar las técnicas de los artesanos locales . A través del rechazo a la civilización occidental , Gauguín pretendía que su arte fuera más primitivo, más exótico, más instintivo y más fiel a lo que él consideraba la pureza natural y moral de los pueblos indígenas que vivían a su alrededor, El resultado fueron pinturas como Aurarea ( fig 1 ) una obra que simplifica el volumen a través del uso de planos de colores lisos y evoca una atmósfera de exotismo con su " primitiva " intensidad de colores y su mezcla de sueño y realidad. Cuando la obra de Gauguin fue expuesta en Alemania en 1905 y 1910 causó un profundo impacto en los expresionistas alemanes muy interesados en las formas simplificadas y exageradas del arte etnográfico.

El atractivo del primitivismo no se limitaba a la pintura sino que se extendía a los ámbitos de la música y la escultura . Brancusi transformó la escultura dejando a un lado los modelos y empezando a practicar una talla directa- inspirado en el arte folclórico y las máscaras de Rumania- para producir obras cada vez más abstractas . Produjo varias versiones del busto de una joven húngara titulada Mademisselle Pogany ( fig 2 ) en el que simplificaba sus rasgos para reducirlos a formas geométricas hasta conseguir una aereodinámica forma ovalada.

Las extensivas interpretaciones y el atractivo universal del primitivismo hicieron que el estilo siguiera aplicándose en el arte del siglo XX. Después de la segunda guerra mundial y de la desaparición del colonialismo la estética del arte tribal había penetrado tanto en la práctica artística que la idea de primitivismo se convirtió en una corriente dominante.

Mercedes Tamara

18-01-2015

Bibliografia : Wikipedia

CASPAR DAVID FIEDRICH : ROMANTICISMO ALEMÁN

CASPAR DAVID FIEDRICH : ROMANTICISMO ALEMÁN

El caminante sobre un mar de nubes, 1818
óleo sobre lienzo 94,8 x 24, 8 cm
Kunthalle, Hamburgo

Caspar David Fiedrich


Caspar David Friedrich (Greifswald, 5 de septiembre de 1774 – Dresde, 7 de mayo de 1840) fue un pintor paisajista del romanticismo alemán del Siglo XIX, generalmente considerado el artista alemán más importante de su generación.Es conocido por sus paisajes alegóricos de su periodo medio que muestra figuras contemplativas opuestas a cielos nocturnos, nieblas matinales, árboles estériles o ruinas góticas. Su interés primario como artista era la reflexión de la naturaleza y su trabajo, a menudo simbólico y anti clásico intenta dar una respuesta subjetiva y emocional al mundo natural. 

Las pinturas de Friedrich establecen la presencia humana en una perspectiva disminuida en contraste a extensos paisajes, reduciendo las proporciones a una escala que, según el historiador de arte Christopher John Murray «dirige la mirada del espectador hacia su dimensión metafísica».


Friedrich maduró en una época en la que crecía la desilusión en toda la clase media europea dando lugar a una nueva apreciación de la espiritualidad. Este cambio en los ideales se expresa a menudo a través de una revaluación de la naturaleza, en artistas como Friedrich, Joseph Mallord William Turner y John Constable que trataron de representar la naturaleza como una «creación divina, que debe ajustarse contra el artificio de la civilización humana»


Los trabajos que Friedrich realizó le trajeron renombre muy temprano en su carrera, y contemporáneos suyos como el escultor francés David d'Angers lo describían como el hombre que había descubierto «la tragedia del paisaje». Sin embargo, su obra cayó en desgracia durante sus últimos años y él murió en la oscuridad; en palabras del historiador del arte Philip Miller «medio loco». Mientras Alemania migraba hacia la modernización a finales del Siglo XIX, un nuevo sentido de urgencia caracterizó el arte, y las descripciones contemplativas y de quietud de Friedrich llegaron a ser vistas como el producto de una época pasada. El Siglo XX trajo consigo una renovada apreciación de su obra, a partir de 1906 con una exposición de treinta y dos de sus pinturas en Berlín. Para la década de 1920 sus pinturas habían sido descubiertas por los expresionistas. En la década de 1930 y principios de 1940 los surrealistas y existencialistas tomaron con frecuencia ideas prestadas de su trabajo. El ascenso del nazismo en 1930 trajo consigo el resurgimiento de la popularidad de Friedrich, pero éste decayó junto con el régimen debido a la errónea asociación de su nacionalismo con esta ideología. No fue sino a finales de 1970 cuando Friedrich recuperó su reputación como icono del romanticismo alemán y pintor de renombre mundial.

La cruz en la montaña, ( El retablo de Teschen ), 1808
óleo sobre lienzo 115 x 110 cm
Galeria de los Nuevos Maestros, Dresde

Romanticismo

Los pintores, los poetas y los músicos del romanticismo eran personas apasionadas . La inmensidad de la naturaleza , las imponentes montañas y el mar desbordaban su imaginación y ese sentimiento que se apoderaba de ellos era el que querían transmitir en su arte . En aquella época, en toda Europa ,estaban de moda las pinturas con paisajes montañosos , bosques cubiertos de niebla , tumbas iluminadas por la luna y románticas iglesias en ruinas . Pero el fabuloso mundo de los caballeros y los castillos y el misterioso Oriente también estimulaban la fantasía de los artistas . El romanticismo duró aproximadamente de 1780 a 1830. Algunos representante de renombre fueron los franceses Théodore Gericault y Eugéne Delacroix , los ingleses William Turner y Joham Hemrich Fusili. así como Philipp Otto Rungen, conocido fde Fiedrich

El mar de hielo, 1823-1824
óleo sobre lienzo 96,x 126,2 cm
Kunsthalle, Hamburgo

Con sus pinturas de paisajes casi infinitos , en las que el ser humano aparece pequeño y como perdido , asombrado ante la fuerza de la naturaleza, el pintor alemán Caspar David Fiedrich creó algunas de las obras más relevantes del romanticismo. 

No quería viajar a Italia para estudiar las obras de Rafael y Miguel Ángel , o para captar el paisaje soleado de Florencia o Roma en dibujos y pinturas , como hacían sus amigos artistas . El sentía predilección por la ciudad portuaria de Greifswald y por Dresde . En su tierra, con sus nubes oscuras , los molinos y las ruinas , los fríos inviernos , las encinas con viejos troncos llenos de nudos , los extensos prados y las playas del mar Báltico , este pintor meditabundo se sentía muy a gusto

Caminar por la madre naturaleza

Fiedrich quería pintar esos paisajes y explorarlos una y otra vez. Cuando estudiaba en la Kunstakademie de Dresde, a menudo cogía el bastón y sus cuadernos de dibujo y se iba al campo . Más tarde viajó hasta el mar , a Bohemia a los montes de Silesia . Allí hizo bocetos que años después , en su pequeño taller , le sirvieron de modelo para pinturas de enorme tamaño . Casi siempre se iba solo a caminar para encontrarse a sí mismo en medio del silencio y sentirse integrado en el paisaje . " Debo entregarme a aquello que me rodea - escribió en una ocasión- fundirme con las nubes y las rocas para ser lo que soy. Necesito soledad para poder hablar con la naturaleza . " La naturaleza de Dios , para ser exactos . En sus paisajes , Fiedrich refleja su fe en la omnipotencia divina y la fuerza creadora de Dios.

Los acantilados de la costa de Rugen, 1818
óleo sobre lienzo 90, 5 x 75 cm
Galeria Oskar Reinhart, Wintenthur

Imágenes del viaje de novios

Sobre toda la isla de Rugen , situada en el Báltico, con sus escarpados acantilados de roca cretácea , le tenía subyugado . Siempre regresaba a esta isla . El viaje de novios que realizó en 1818 con su esposa Christiane también le llevó a Rügen. Ese mismo año , como una especie de recuerdo de vacaciones , realizó la obra Los acantilados de Rúgen  una de las pinturas más conocidas de Fiedrich . En la imagen se ven tres excursionistas que nos dan la espalda absortos por completo en la contemplación del paisaje  y el mar. Al fondo se aprecía un barco, tal vez el comienzo de un nuevo viaje ? . Más tarde, Fiedrich se pintó a si mismo con su esposa a bordo de un barco navegando hacía un futuro común . En 1824. el famoso pintor llegó a ser profesor en la Kunstakademie de Dresde. Fiedrich, en compañía de su esposa  y de su primera hija Emma, se mudó a una casa en las afueras de Dresde . Desde allí, tenía la posibilidad de ir a caminar por los alrededores cuando la añoranza del paisaje le llenaban de inquietud

Mercedes Tamara

13-01-2015

Bibliografia : Caspar David Fiedrich, Edic Taschen

                     Wikipedia

CLAUDE MONET CREADOR DEL IMPRESIONISMO

CLAUDE MONET CREADOR DEL IMPRESIONISMO

Impresión, sol naciente, 1872
óleo sobre lienzo 46 x 62 cm
Museo Marmottan, París

Impresionismo

Los impresionistas franceses amaban la luz . Cuando hacía buen tiempo, se lanzaban al campo o a las calles de la ciudad para capturar en sus lienzos , al aire libre, en las plazas , en los hipódromos o en los parques, el luminoso centelleo de los rayos del sol que atravesaban los árboles, la bruma sobre el Sena o el vapor de una locomotora Querían retener la efímera impresión de la luz de una determinada hora del día con colores puros, aplicaban directamente los colores sobre el lienzo con rápidas pinceladas y sin contornos . Cuando uno se acerca mucho a uno de estos cuadros, la imagen parece diluirse otra vez en líneas y puntos . Tan solo observándolo desde lejos , se ve un cuadro imponente. Importantes representantes del impresionismo fueron los franceses Auguste Renoir , Edgar Degas , Alfred Sisley y Édouard Manet y los alemanes Max Libermann, Max Slevogt y Lovis Corint. Esta corriente recibe el nombre del cuadro de Monet , Impresión, sol naciente , en el que el artista capturó la bruma matinal en el puerto de El Havre.

Monet

Monet fue bastante mal estudiante . Al menos eso solía repetir más tarde con regocijo. Cuando el sol brillaba tentador , él prefería pasear por la costa en los alrededores de la ciudad portuaria de El Havre , subir a los acantilados o bañarse en el mar. Monet decía que entonces llevaba un vida insensata, pero en cambio muy saludable, El resplandor de la luces sobre el agua , el centelleo del verano sobre los prados rojos y verdes , cubiertos de amapolas y los dorados campos de trigo, el juego de sombras sobre las fachadas de las casas o en los pliegues en la caída de un vestido resplandeciente entusiasmaban a Monet desde la infancia. Cuando se trasladó a París con la intención de convertirse en pintor , intentó capturar en sus cuadros las mil facetas de esas luces y resplandores.

Puente japonés , 1857
óleo sobre lienzo 90 x 90 cm
Museo del Arte de la Universidad de Pricenton

Inicios artísticos como caricaturista

Monet ya dibujaba mucho cuando iba a la escuela , sobre todo durante las clases. Cuando un profesor le resultaba demasiado aburrido , le garateaba de " manera irrespetuosa " en sus cuadernos de caligrafía o de aritmética . Lo representaba con una enorme cabeza sobre un diminuto cuerpo " tan desfigurado como fuera posible ".Estas caricaturas pronto  le hicieron famoso , muchos compraban sus jocosos retratos , que exponían en el escaparate de una tienda de marcos. Más tarde, tendría que vivir de la venta de sus caricaturas , puesto que sus padres no estuvieron dispuestos a apoyar su deseo de convertirse en pintor profesional . En 1862, Monet fue llamado a filas en el regimiento africano destinado en Argelia durante un año. Según Monet relataba más tarde, las impresiones luminosas y cromáticas de África habían educado a sus ojos para el oficio de pintor.

Pintar al aire libre

Tras regresar a Francia, Monet se dispuso a capturar el centelleo de los colores de la luz del sol . Pintó sus cuadros en las aguas bravas de la costa atlántica de El Havre , en el bosque de Fontainebleau , o en el adorable paisaje de Argenteuil o en el puerto de Londres con sol, viento, lluvia o nieve. No quería que sus cuadros nacieran en el estudio , sino directamente en la naturaleza, al aire libre. En París, Monet se hizo construir una pequeña barca que le sirvió de vivienda . Salía a remar por el Sena y pintaba el paisaje de las orillas y retratos de personas , sobre cuyos rostros resplandecían los destellos de los rayos del sol. Desde su estudio flotante, Monet pudo plasmar , desde una perspectiva distinta a la habitual, el placer del baño en verano, las fiestas junto al mar, las regiones costeras y las regatas . Todo esto era por aquel entonces muy poco común , y muchos artistas miraron con desprecio al pintor francés y a sus colegas que pintaban al aire libre. 

Nenúfares 1902
óleo sobre lienzo 73x 92 cm
Museo Marmottan, Paris

Nace el impresionismo

La forma de pintar de Monet también provocaba mofa y escarnio entre sus críticos. Aplicaba los colores sobre el lienzo con el pincel directamente del tubo, en vez de mezclarlos antes en la paleta. Yuxtaponía los tonos en coloridas manchas . Con este estilo impresionista , Monet pintó locomotoras de vapor, paisajes fluviales compuestos por puntos de copos de nieve, delicados campos de tulipanes en el viento primaveral y coloridos prados de flores estivales. Ni siquiera pintó las sombras de estos cuadros simplemente de negro, sino compuestas de pequeños puntos y lineas . Incluso la nieve del invierno es multicolor.

Un jardín que se repite

Cuando finalmente Monet logró reconocimiento como pintor y ganaba más dinero , alquiló una casa en la aldea francesa de Giverny . En este lugar plantó un enorme jardín con un mar muticolor de flores , árboles frutales y un estanque de nenúfares rodeado por sauces llorones sobre el que cruzaba un puente japonés . El pintor plasmó en más de 200 cuadros esta visión que tanto le fascinaba : una alfombra multicolor compuesta de numerosos nenúfares sobre una tranquila superficie acúatica en la que en ocasiones se refleja de manera difusa , el cielo, los árboles en blanco, azul claro y verde oliva.

Mercedes Tamara

13.01.2015

Bibliografia : Monet, Edit Taschen

ANTOINE WATTEAU

ANTOINE WATTEAU

El embarque para la isla de Citerea, 1717
óleo sobre lienzo 129 x 194 cm
Museo del Louvre , Paris

Biografía

Jean-Antoine Watteau (Valenciennes; 10 de octubre de 1684 - Nogent-sur-Marne; 18 de julio de 1721), pintor francés.

 Era hijo de un artesano techador de Valenciennes, ciudad flamenca que acababa de pasar a dominio francés. Comenzó su aprendizaje a los once años con el pintor decorador Jacques-Albert Guerín. Se trasladó, a la muerte de este (1706), a París.


En la capital, se unió a los pintores flamencos del barrio de Saint-Germain-des-Prés. Ingresó en el taller de Claude Gillot, gracias a cuya colaboración frecuentó los ambientes de la farándula y el teatro que le servirán como motivo de inspiración, así como la sociedad elegante. Fracasó en el concurso para el Prix de Rome, que le hubiese proporcionado una beca para estudiar en Roma.


Desencantado por sus pobres progresos, en 1709 regresa a su ciudad natal, dedicándose a la realización de escenas de posadas y soldados, inspiradas en el barroco holandés y flamenco, especialmente de Teniers.


Dos años después regresa a París, y continúa su relación con el mundo teatral, representando a diversos personajes y obtiene buenos ingresos. Se relacionó sobre todo con gentes de teatro, que le sirvieron de modelo para algunos de sus cuadros. En 1712 le nombraron agregado de la Academia, por lo que debía donar una obra a la misma: lo hizo cinco años más tarde, presentando el Embarque para la isla de Citerea. Gracias a él, se consideró como nuevo género las fêtes galantes, que serían imitadas por Nicolas Lancret y Jean-Baptiste Pater, entre otros.

En 1719 Watteau se traslada a Londres para consultar a su amigo y admirador el doctor Mead sobre la tisis que padecía. Pero regresó a París al año siguiente sin experimentar ninguna mejora. El verano de 1720 se instaló en casa de Gersaint, marchante de cuadros como su suegro Sirois. Se retiró a Norgent-sur-Marne. Murió tuberculoso a los 36 años.

Guilles ,1776
óleo sobre lienzo 184 x145 cm
Mueso del Louvre , Paris

Antoine Watteau inició su carrera como una especie de pintor en serie . En colaboración con un numeroso grupo de trabajadores a destajo , el joven de 18 años de edad trabajaba en París en una " fabrica de pinturas ", produciendo copias de obras de renombrados maestros. Sin embargo, debía de hacer el trabajo a disgusto , porque puso todo su empeño en conseguir dar el salto . Y lo consiguió. El pintor y grabador al aguafuerte Claude Guillot lo aceptó como ayudante y abrumó al joven con historias de la Commedia dell´arte . A Guillot le encantaba las figuras enmascaradas de este teatro de la improvisación italiano y le gustaba pintar famosos personajes como el Arlequín o la Colombina.

Arlequines melancólicos

Watteau también se entusiasmó por los comediantes italianos , que desde entonces proliferan en sus pinturas interpretando pequeñas piezas . Un admirador importuno recibe un desaire, u  amante toca una serenata para su amada o contempla afligido  y amartelado a la dama de su corazón desde la distancia . Sus cuadros tienen un aire melancólico . Watteau siempre dibujaba personas solitarias entre los que festejaban alegremente y los actores. Este sentimiento de tristeza probablemente se debía a que el pintor había padecido tuberculosis en su juventud. El amor eterno, la felicidad y la salud parecían muy alejados de Watteau , quien quizá presentía la corta que iba a ser su vida . Se mostraba irritable e intranquilo la mayor parte de las veces y con los extraños era muy reservado . Watteau nunca estaba satisfecho con su trabajo, siempre quería dibujar algún detalle más o retocar otros . Sus pinturas debían ser perfectas . Igual que las de su ideal , el pintor barroco Peter Paul Rubens , cuyo fabuloso colorido y representaciones brillantes adoptó en gran parte.

En el punto de mira de los revolucionarios

Su delicada salud causaba cada vez mayores problemas a Watteau. Necesitó cinco años para completar Embarque para Citerea, la obra con la que sería admitido en la Real Academia francesa. Según la mitología clásica , Venus, diosa del amor y la belleza, surgió del mar en la isla griega de Citera. Esta obra le permitió se miembro de pleno derecho de la Academia en 1717. Poco tiempo después , sus compañeros le calificaron de " peintre de fêtes galantes ", pintor de fiestas galantes.

Watteau falleció el 18 de julio de 1721 cuando solo tenía 18 años de edad. Seguramente se le habría partido el corazón si hubiera visto a los estudiantes de arte durante la Revolución francesa en 1789 utilizar su Embarque para Citerea como diana y arrojar migas de pan sobre el cuadro. El estilo rococó de las pinturas de Watteau , no era del gusto de los revolucionarios, porque recordaba la afectación y la inmoralidad de la aristocracia que ellos combatían. Tan solo años más tarde sus críticos llegaron a comprender la verdadera modernidad de este pintor francés, conocido por sus representaciones llenas de sensibilidad y delicadeza.

Mercedes Tamara

12-01-2015

Bibliografia : Wikipedia