EL DESNUDO EN EL ARTE MODERNO

EL DESNUDO EN EL ARTE MODERNO

Olimpia , Edouard Manet , 1863
óleo sobre tela 130 x 190 cm
Museo de Orsay, París

El desnudo en el arte moderno



Hacía mediados del siglo XIX, el desnudo femenino era un género aceptado en los salones parisinos. Los artistas que se destacaban en esta temática , Adolphe Bougereau , Alexander Cabanel o Jean-Léon Géròme , pintaban mujeres idealizadas , diosas de la antigüedad pagana como venus o esclavas orientales sin ropa. 

La crítica oficial aceptaba estas imágenes eróticas porque sus protagonistas , estaban investidas de una connotación alegórica o mitológica y respetaban los cánones de la pintura académica Tradicional.

En 1863, el pintor Édouard Manet evitó estas convenciones . Precursor de los impresionistas , se interesó en París como ciudad moderna , con sus cafés, teatros y cabarets , y cuando representó a mujeres desnudas lo hizo en un contexto contemporáneo .Olimpia era, por primera vez desde el Renacimiento , una pintura de desnudo que representaba a una mujer de verdad en un entorno verosímil, en el burdel parisino . Tras quitarle del disfraz histórico , esta mujer desnuda recostada provocó escándalos en los salones oficiales , porque desafiaba el pudor burgués . En sus pintura, Manet también logró alterar los principios compositivos de la pintura académica : la ausencia de dibujo , las rápidas pinceladas y los duros contrastes de color estaban muy lejos de las superficies marmóreas del desnudo académico .

Salambó, Auguste Rodin, 1900
mina de plomo y difumino sobre
papel de color crema
Museo Rodín, París

Manet impuso, así, una concepción totalmente moderna del desnudo . Tras él, los artistas impresionistas , los postimpresionistas hacía el final del siglo y la generación de artistas de vanguardia buscaron renovar constantemente el género del desnudo. Edgar Degas pintó mujeres de la vida real, criaturas anónimas , en el papel de bailarinas , lavanderas o prostitutas. Este pintor invadió la intimidad en escenas de baño y las mostró como sorprendidas furtivamente en posturas audaces e inesperadas.
Por su parte, su contemporáneo Henri de Toulouse-Lautrec representó a las prostitutas en sus burdeles , aquellos que él mismo frecuentaba. 

En sus pinturas, ofreció una visión desapasionada de la prostitución . Sus desnudos estaban representados de manera sincera , sin ninguna idealización y revelaban una nueva manera de mirar, sin tapujos , casi cruel, a la mujer. También el escultor Auguste Rodín evitó las poses académicas y artificiales centrándose en unos desnudos naturalistas . El artista pedía a sus modelos que caminarán sin ropa por el estudio, para que se relajaran ya que le gustaba pintarlas libres y distendidas. En algunos casos las representó en posturas audaces , con las piernas abiertas mostrando la vulva al espectador , o en escenas de lesbianismo. Fue un austríaco, Egon Schiele , quien a principios del nuevo siglo , llevó estas búsquedas más lejos . Este pintor representaba a sus desnudos en perspectivas inusuales , con una delgadez extrema resaltada por contornos angulares. Sus imágenes contienen violencia y una crudeza carnal , y relacionan la sexualidad con la idea de la muerte. Por estas pinturas, que incluían escenas de sexo explícitas realizadas a la acuarela , fue apresado en 1912, acusado de difundir la pornografía y ejercer la corrupción infantil.

Nemermore, Paul Gauguin, 1897
óleo sobre lienzo 60 x 116 cm
Courtauld Institute Galleríes, Londres

Paralelamente a la tendencia más realista que siguieron los artistas antes mencionados hacía finales del siglo XX , se recuperó en la pintura una tipología literaria que situaba el desnudo en escenas arcádicas . Numerosos artistas del pasado, como Tiziano, Rubens o Poussin, habían pintado bañistas mimetizadas con la naturaleza, metáfora de una edad dorada. Para muchos artistas de finales de este siglo , afectados por el avance de la industrialización y la pérdida de valores , imaginar mujeres bañándose a orillas del río expresaba el deseo de una vida alegre y feliz . Pierre-Auguste Renoir, en sus últimos años , trabajó su tema favorito del desnudo femenino en forma de ninfas o bañistas sobre fondos de paisajes imaginarios . Sus desnudos, en la plenitud plástica de la carne expresada en tonos cálidos y un nacarado brillante , se integran en el paisaje . El arte de Renoir es un claro ejemplo del deseo de lograr una fusión perfecta entre el desnudo y la naturaleza radiante.

Paul Gauguin no se había conformado con fantasear los desnudos . En 1891 , se marchó de París hacía Tahití , una pequeña isla del Pacífico Sur, que en esta época era una colonia francesa . Acorde con la mentalidad de su época , esta artista pensaba encontrar un modo de vida simple e inocente en las culturas aborígenes . En Tahití,pintó nativas desnudas , mimetizadas con la naturaleza , en un lenguaje esquematizado y de colores planos que se alejaban de la realidad.

Las grandes bañistas, Paul Cézanne , 1906.
óleo sobre lienzo 208,3 x 251,5 cm
Philadelphia Museum of Art, Philadelphia

En su último período, Paul Cézanne se dedicó a una serie de pinturas de desnudos,conocida como Bañistas . A la manera de los antiguos maestros , se trataba de pinturas de gran formato , pero sin recurrir a temas alegóricos mitológicos.Cézanne investigó en estos trabajos los problemas de la composición de desnudos en el marco de un paisajes . Cézanne deseaba unir armónicamente el paisaje y la figura humana fundiendo el desnudo con el entorno.

Las composiciones de desnudo del maestro de Aix-en- Provence tendrían un impacto muy significativo en los artistas de la nueva generación . En los primeros años del siglo XX , Henri Matisse siguió la temática del desnudo femenino en un entorno natural y bucólico , pero introdujo un nuevo lenguaje plástico . Pintó mujeres desnudas a orillas del mar , en ambientes mediterráneos , moviéndose hedonísticamente La alegría de vivir ( 1906 ) puede ser considerada una obra tradicional en cuanto al tema , pero es absolutamente moderna y libre por su factura . Se trata de una obra de dimensiones inusuales , en la que los colores vivos , la pincelada contundente , las siluetas esbozadas con pocas lineas y la multitud de elementos que incluye produjeron en el público un fuerte impacto visual.

La alegría de vivir, Henri Matisse, 1906
óleo sobre lienzo 175 x 240 cm
The Barnes Foundation, Philadelphia

Con la obra de Cézanne en su mente y desafiado por Matisse en 1907, Pablo Pcasso finalizó Les demoiseilles d´Avignon . Esta pintura significó una reinterpretación radical del desnudo . La caras de la figuras aparecen distorsionadas de modo mosntruoso y los cuerpos están trabajados en planos angulares y cortantes y aparecen descompuestos en formas geométricas . La crudeza formal y el contenido violentamente expresivo de esta obra muestran una alejamiento absoluto de cualquier canon convencional de belleza y toda forma de representación tradicional.

Fue en el desnudo donde Picasso empezó a experimentar una innovadora manera de representar la realidad , que más tarde investigaría en su pintura cubista . Modigliani fue quizás, el más clásico de todos los pintores modernos . Buscó e investigó en el arte del pasado aquellos modelos que le sirvieron de guía en su propio camino . Retomó pinturas clásicas que había visto en su juventud en Italia ( como Botticelli, Tiziano o Giorgione ) o que descubrió una vez en Francia.( como Manet o Ingres ) hizo que sus modelos aparecieran  en poses similares: recostadas en divanes o sentadas sobre fondos neutros , con el cuerpo de espaldas o de frente , o con la mirada dirigida al frente , o ensimismadas en sus sueños , ya mostrando o ocultando el pubis.

Desnudo femenino, Egon Schiele, 1910
Aguada, acuarela y carboncillo, con contorno blanco. 44.3 x 30.6 cm.
Graphische Sammlung Albertina. Viena. Austria

Pero a pesar de seguir esta tradición , los desnudos de Modigliani son esencialmente modernos por la manera en que se presentan ante el espectador . Modigliani prescindió de todo detalle accesorio o anecdótico , evitó los entornos naturales e imaginarios y no buscó soluciones formales innovadoras . Situó a sus mujeres en interiores vacíos y oscuros , logrando que la atención se concentrará únicamente en esos cuerpos de exaltada luminosidad .Los desnudos de Modigliani son antiguos y modernos a la vez , espirituales y corpóreos , rebosantes de sensualidad. Un sensualidad potenciada por los trazos , los colores y la ambientación que resaltan la pose y hacen más incisiva y sugerente la figura , muchas veces poseedora de una misteriosa ambigüedad entre lubricidad y provocación.

Modigliani conoció la ciudad de Florencia durante su adolescencia en el transcurso de un viaje que realizó con su madre Eugenia, en 1901. Durante ese viaje , el artista visitó museos y galerias , realizando el estudio de obras de arte clásico y la pintura italiana , actividad que repetiría en sus posteriores viajes a esta ciudad. Su visita a la Galleria degli Uffizi, y especialmente el arte de Sandro Botticelli.

El nacimiento de Venus, Sandro Botticelli, 1482
temple sobre tela 175 x 278 cm
Galleria degli Uffizi, Florencia

Hacía 1480, Botticelli había realizado numerosas pinturas que recreaban la mitología clásica , en posturas que recordaban las esculturas de la antigüedad grecorromana.El nacimiento de Venus , su obra más famosa , pintada en 1482, mostraba a la diosa del amor naciendo del océano , en una postura similar a la tipología de la clásica Venus púdica que cubre el pubis y los senos con sus manos . Botticelli la pintó con sus hombros bajos, el abdomen remarcado y el cuello alto. Cuando Modigliani inició su serie de desnudos , hacía 1917 , retomaría esta tipología.

En Desnudo femenino sentado ,con collar, el pintor reiteró no sólo la posición de las manos y los hombros caídos , sino también el dibujo sinuoso y la linea fluida de los contornos , y el cuello enlogado , acentuado aquí por el collar . El acto de cubrirse el pubis con las manos se reafirma con los ojos cerrados de la mujer retratada, simbolizando pudor ante su propio cuerpo. Como en este trabajo, los desnudos de Modigliani aluden frecuentemente a los ejemplares de la historia del arte , pero renuncian a la temática mitológica en favor de una visión libre y carnal del cuerpo femenino.

Desnudo femenino  sentado con collar, Amedeo Modigliani, 1917
óleo sobre lienzo 92 x 60 cm
Colección privada, Nueva York

Mercedes Tamara
12-03-2015

Bibliografía . Modigliani, Edic Taschen 

                     Wikipedia

                   " Enciclopedia de Historia del Arte, Edic Planeta

TIZIANO : UNO DE LOS MÁS IMPORTANTES PINTORES DEL RENACIMIENTO

TIZIANO : UNO DE LOS MÁS IMPORTANTES PINTORES DEL RENACIMIENTO

Carlos V sentado, 1548
óleo sobre lienzo 205 x 102 cm
Alte Pinakhothek, Múnich

 Tiziano

Nadie supo pintar a los santos bíblicos y a los héroes de la mitología clásica de manera tan impresionante y brillante como el italiano Tiziano . Sus retratos conferían una asombrosa magnificencia a los emperadores y papas . Muchas de las refinadas ideas de Tiziano sobre pintura fueron imitadas en el barroco. Fue uno de los pintores más importantes del Renacimiento pleno en Venecia.

En su juventud Tiziano recibió el encargo de decorar el altar de la iglesia de Santa María Gloriosa del Fran en Venecia con un cuadro de la asunción de María .Por aquel entonces, numerosos artistas reflexionaban sobre los efectos pictóricos que podían simular el movimiento dramático en una pintura estática . Tiziano encontró una respuesta sorprendente mediante el uso de colores brillantes, el amarillo fuerte y el rojo, por cuyo aterciopelado tono se haría famoso , así como pinturas novedosas para la época y torsiones en espiral en sus figuras . En sus pinturas de casi siete metros de altura , la Virgen se eleva entre los ángeles desde la oscuridad terrenal hacía el cielo radiante. Este cuadro lleno de fuerza y dinamismo fue para sus colegas casi un milagro similar al de la ascensión de la Virgen.

Papa Pablo III
Óleo sobre lienzo 106 x 85 cm
Museo y Galeria Nacional de Capodimonte, Nápoles

Retratista solicitado

Con su Asunción de la Virgen , Tiziano se convirtió prácticamente de la noche a la mañana en el pintor más solicitado de la próspera ciudad de Venecia . En especial sus retratos estaban muy cotizados . También en este terreno encontró su propia técnica el mago de los colores. En primer lugar, pintaba los rostros tal  y como él  los veía , después aplicaba encima un velo en tonos suaves bajo el cual desaparecían como por encanto las narices torcidas , las arrugas gruesas y las ojeras oscuras . A la luz halagüeña del tratamiento de la belleza de Tiziano , los clientes parecían, pese al gran parecido , más dignos, jóvenes bellos y estaban contentos . El papa Pablo III quedó tan impresionado por la sensual fuerza luminosa de estos cuadros, que el artista tuvo que retratar en Roma , a toda la familia pontificia . Miguel Ángel, rival de Tiziano, sintió envidia por este favor ; según dicen, mostró una gran satisfacción con la marcha de Tiziano.

Venus de Urbino
óleo sobre lienzo 119 x 165 cm
Galleria degli Uffizi, Florencia

Pintor de cámara del emperador

Carlos V también era un admirador del magnífico arte de Tiziano. Cuando fue coronado emperador de Alemania , el veneciano recibió el encargo de pintar el cuadro de la suntuosa coronación . El soberano estaba tan entusiasmado con Tiziano , que le nombró conde Palatino y pintor de cámara . Tiziano retrató al emperador varias veces como glorioso jefe militar y otras veces sentado exhausto en una butaca . Tiziano estaba obligado a vivir en la corte imperial pese a su cargo, una concesión muy importante para el artista , pues no le gustaba alejarse de su ciudad natal . Venecia había hecho de él un gran pintor y allí quería permanecer . En la vejez se  le fueron las ganas de pintar retratos y en ocasiones se limitaba a esbozar los contornos de su cliente y no retomaba el cuadro hasta mucho tiempo después . Podían pasar meses hasta que el cuadro quedaba terminado.

Mercedes Tamara ( autora )

17-02-2015

Bibliografía : Tiziano, Edit Biblioteca El Mundo

EL FAUVISMO

EL FAUVISMO

Puente sobre el Riou ( 1906 )
André Derain : óleo sobre lienzo 82,5 x 101, 5 cm
Museum of Modern Art, Nueva York

Fauvismo

El fauvismo fue el primer movimiento artístico artístico del siglo XX y también uno de los más breves. El principio de siglo fue un período de cambios sociales y tecnológicos . Inventos como el coche a motor o la radio y el creciente acceso a la electricidad empezaron a transformar la vida cotidiana de la sociedad . Este fue el contexto en el que fauvismo irrumpió en la escena del arte. La identidad del grupo de los fauves , como la de los impresionistas , provenía de un análisis crítico . Cuando los artistas Henri Matisse ( 1869-1954 ) André Derain ( 1880-1954 ) y Maurice de Vlaminck ( 1876-1958 ) expusieron juntos en el Salon d´Automme de 1905, el crítico Louis Vauxcelles ( 1870- 1945 ) les describió como fauves ( bestias salvajes ) para criticar sus agresivas pinceladas, su falta de matices y su uso estridente y poco naturalista del color. El pintor francés Matisse fue el líder no oficial de este grupo de artistas que, al liberar el color de su papel descriptivo convencional y deformar radicalmente su espacio pictórico, allanaron el camino a otros movimientos artísticos como el cubismo o el expresionismo.

Los experimentos con el color y el espacio pictórico que caracterizan las obras fauvistas son una evolución del arte postimpresionista. Vicent van Gogh, Paul Gauguin y Paul Cézanne y de las pinturas neoimpresionistas de Georges Seurat y Paul Signac . Fue precisamente mientras trabajaba con Signac en Saint- Tropez en la Costa Azul , cuando Matisse pintó su idílica escena Lujo, calma y voluptuosidad 

( 1904-1905 ) . Esta pintura inspiró a Raoul Dufy ( 1877-1953 ) a escribir : " Al contemplar este milagro de la imaginación creada a través del dibujo y el color, el impresionismo perdió para mí todo su encanto ". Durante el verano de 1905, el fauvismo alcanzó su momento de esplendor . Matisse y Derain empezaron a pintar codo con codo en la localidad francesa de Colliure . Los pintores desobedecieron deliberadamente las normas de la pintura existentes y Matisse comparó la experiencia a pintar " como niños en la naturaleza "A medida que evolucionaba el estilo fauvista , los puntos y rayas de color semirregulares que habían dado lugar a la brillante superficie de pinturas como  Lujo, calma y voluptuosidad fueron sustituidas por pinceladas abruptas y esquemáticas y por parches de colores puros.

Bailarina del Rat Mort ( 1906 )
Maurice de Vlaminck. óleo sobre lienzo 73 x 54 cm
Colección privada

Matisse y Derain no usaban el color para imitar a la naturaleza, lo usaban de forma imaginativa para crear concordancias y discordancias . Rechazaron la convención de pintar el espacio de forma realista y pusieron énfasis en la superficie plana del lienzo.
Esta forma de pintar se aplicó tanto a los retratos como, por ejemplo la pintura de Matisse de su esposa Madame Matisse, ( la raya verde ) 1905 ( fig 3 ) como a los paisajes, como la pintura de André Derain Puente sobre el Riou ( fig 1 ). La pintura presenta una compleja composición en la que el espacio aparece allanado y comprimido. Derain usó una paleta de colores poco naturales , como puede verse en los tonos rosados y azulados del tronco del árbol de la derecha de la composición para transmitir la intensa luz del sur de Francia.

Hubo artistas que desarrollaron formas similares de explorar el color como , por ejemplo, Vlaminck , a quien Derain conoció por casualidad en un tren en 1900.Ambos empezaron a pintar juntos inmediatamente en Chatou, a las afueras de París . Vlaminck era un artista prácticamente autodidacta que simpatizaba con el Partido Anarquista y que incorporó a su arte un entusiasmo revolucionario . En una ocasión escribió : " Lo que hubiera podido hacer en la vida real simplemente arrojando una bomba es la que intenté hacer con la pintura usando colores puros para recrear un mundo liberado " En la pintura Bailarina del Rat Mat ( fig 2 ) , su técnica es característicamente directa y enérgica , una técnica que en ocasiones conseguía vertiendo la pintura sobre el lienzo directamente desde el tubo.

Madame Matisse. La raya verdeóleo sobre lienzo 42.2x 35,5 cm

Georges Roualt ( 1871 -1958 ) Albert Marquet ( 1875- 1947 ) Raoul Dufy, Kees van Dongen ( 1877-1968 ) y, durante un tiempo, Georges Braque (1882- 1963 ) expusieron sus obras como fauvistas ,aunque no compartían ninguna doctrina común. Para ello, igual que muchos otros artistas, el fauvismo fue un estilo influyente , pero únicamente como una fase pasajera . Braque, por ejemplo, pronto se desmarcó del fauvismo para desarrollar lo que pasaría a conocerse como estilo cubista . La pintura de Dufy La calle de las banderas ( fig 5 ) en la que se representa una calle de una localidad francesa adornada con grandes banderas tricolores , pone de manifiesto su adopción de los colores claros y los llamativos contornos de los fauvistas . A partir de 1908, sin embargo después de haber trabajado con Braque en L´Estaque , cerca de Marsella, Dufy desarrolló una técnica más sutil en la que era patente la influencia de Cézanne.


Los fauvistas vieron su período de mayor éxito entre el Salón d´Automne de 1905 y el Salón de los independientes de 1906. Aproximadamente un año después , el grupo había empezado a escindirse , aunque Matisse continuó desarrollando las posibilidades sugeridas por el fauvismo durante varios años más . En 1917 se trasladó a la Rivera francesa . Su uso fauvista del color se pone especialmente de manifiesto en la serie de retratos de mujeres , como odaliscas , que pintó en la década de 1920. Usó una paleta de colores fauvistas similar a sus paisajes costeros para capturar los vibrantes efectos de la cálida luz del sur.

La calle de las banderas ( 1906 )
Raoul Duffy : óleo sobre lienzo 81 x 65 cm
Musée National d´Art Moderne
Centre Georges Pompidou , París

Mercedes Tamara
5-02-2015

Bibliografia : Henri Matisse, Edic Taschen

EXPRESIONISMO ALEMÁN

EXPRESIONISMO ALEMÁN

Dos hombre a la mesa 1912
Erich Heckel : óleo sobre lienzo 97 x 100 cm
Hamburger Kunsthalle , Hamburgo

El término expresionismo tal y como lo entendemos hoy en día , fue usado por primera vez en 1912 por Herwalth Walden ( 1879- 1945 ), propietario del Der Stum ( La Tormenta ) una progresista revista alemana especializada en arte . Los artistas expresionistas muchos de los cuales trabajaban en Alemania , donde se originó el movimiento ,querían crear un tipo de arte que enfrentara al observador con una representación intensa , directa y personal del estado de ánimo del artista . El arte expresionista era un tipo de arte figurativo que presentaba ciertos elementos comunes : la distorsión lineal, la revaluación del concepto de belleza , la simplificación radical de los detalles y la intensa coloración.

Los artistas expresionistas lograron intensificar la sensación de perentoriedad a través del uso de colores naturalistas y de formas exageradas y alargadas . La pintura Dos hombres a la mesa ( fig ! ) de Erich Heckel ( 1883-1970 ) está inspirada en la novela de Fiodor Dostoieswski El idiota . Heckel combina los colores chillones con la representación angular para crear una escena propia de una pesadilla . Oponiéndose a la rigidez y las limitaciones de la sociedad industrial moderna, artistas como Heckel ponían en entredicho las nociones más amplias del arte . Los expresionistas pensaban que si mal en el mundo , debía de ser retratado.

Ernst ludwig kirchner (1880-1938)-desnudo
óleo sobre lienzo-77,5cm x 94,6cm-
Baltimore museum of art

El movimiento expresionista se asociaba con dos grupos de artistas : uno con base en Dresde y el otro en Müinch . Ambos tenían objetivos e influencias en común . Querían diferenciarse de la sociedad urbana aburguesada en la que muchos de ellos crecieron. Algunos vivían en comunas situadas en zonas rurales , desde donde desarrollaban su fascinación por las sociedades "primitivas " y coleccionaban e imitaban el arte folclórico alemán en un esfuerzo por reavivar la fuerza vital del arte que según ellos creían que se le había debilitado. Descubrieron y se dejaron influenciar por las obras de Paul Gauguin ( 1848-1903 ) quien tras trabajar en Bretaña y en las islas de Pacífico dejó de usar colores realistas y empezó a representar sus escenas , a menudo imaginarias, a través de formas simples y aplanadas , que más tarde caracterizarían a la pintura expresionista.

Los artistas expresionistas también buscaron inspiración en el Renacimiento alemán, en Alberto Durero ( 1471-1518 ) y en Mathis Grünewald ( 1475-1528 ). Sus estudios les convencieron del poder expresivo del blanco y el negro , por lo que se pusieron a trabajar para dar vigor a la técnica medieval de creación de grabados, a partir de bloques de madera Karl Schmidt Rottuf ( 1884-1976 ) no sólo se inspiró en los grabados de madera sino en sus investigaciones del arte tribal africano para producir este adusto Autorretrato ( fig 3 ) . La obra de Vicent van Gogh ( 1853-1890 ) y Edward Munch ( 1863-1944 ) también influyó en la producción de los expresionistas . En su búsqueda de algo más profundo , un mundo que el filósofo Fiedrich Nietzche , calificó " abundante en belleza extraña, duda, horror y divinidad " estos pintores se demarcaron de la sociedad convencional y rechazaron la imitación concienzuda de la naturaleza.

Autorretrato , Karl Schmidt Rottuf
grabado en madera 36 x 29,5 cm
Colección privada

A principios de la década de 1900, Ernst Ludwig Kirchner ( 1880-1918 ) , un estudiante de arquitectura de Dresde que estaba tomando clases de arte en Münich , visitó una exposición de pintura alemana contemporánea. Profundamente decepcionado, describió lo que se había visto como " embadurnamiento anémico, sin sangre y sin vida " . Esta actitud le llevó a entra en acción . De nuevo en Dresde, en 1905 formó un grupo de artistas con otros tres compañeros de estudios, que compartían su amor por la pintura : Erich Heckel, Karl Schmidt Rottuff y Frizt Bley ( 1880- 1966 ) Siguiendo la sugerencia de Schmidt , se bautizaron a sí mismos con el nombre de Die Brücke ( El Puente ) ,un nombre que hacía pensar en la idea de Nietzche de que para la humanidad la vida no era un fin en sí mismo, sino un puente hacía un futuro mejor . El único que había recibido una instrucción artística formal era Kirchner , no obstante , el grupo estaba convencido de que el " nuevo arte " que estaba dispuesto a crear no se podía aprender porque todavía tenía que ser inventado.


Heckel  el encargado de gestionar los asuntos del grupo encontró un espacio en un taller de zapatería en desuso que empezaron a usar como estudio . También organizó exposiciones dedicadas a las obras de los artistas y expediciones de pinturas a Dangast y a lo largo de Motzburg , a las afueras de Dresde . Estos lugares resultaron ser importantes para el grupo,  ya que fue precisamente durante estas salidas cuando los artistas pintaron los paisajes y los desnudos que se convertirían en el arte distintivo de los primeros años del expresionismo del norte de Alemania. 

Caballo en un paisaje, Fraz Marc ( 1910 )
óleo sobre lienzo 85 x 112 cm
Museum Folkwang , Essen, Alemania

Aunque las primeras obras de los artistas de Die Brücke ponían de relieve la influencia de Gauguin , Van Gogh y del postimpresionismo , en general , las pinturas producidas entre loa años 1905 y 1908 fueron adquiriendo un marcado estilo expresionista . Los artistas adoptaron una paleta de colores deslumbrantemente claros y empezaron a pintar mediante gruesos impastos en pinceladas cortas y escultóricas . A menudo trabajaban unos junto a otros y criticaban y pintaban copias de las obras de sus compañeros , desarrollando un estilo colectivo que creían que les situaría en el punto de mira. A pesar de trabajar con frecuencia al aire libre , apenas aplicaban la perspectiva y poco a poco fueron dejando de imitar a la naturaleza. A partir de 1908 empezaron a diluir la pintura y aplicarlas en franjas monocromáticas más largas y finas  lo que aceleraba el proceso de secado.

Emil Nolde ( 1867- 1956 ) con Die Brücke entre 1906 y 1907 fue un artista profundamente religioso que se ganó cierta reputación gracias a sus melancólicos paisajes marinos, aunque también se inspiró en temas bíblicos . El grupo le enseñó el arte de los grabados de madera para conseguir grandes efectos. Nolde, a su vez, la técnica del grabado al ácido . Max Pechstein ( 1881-1955 ) un artista con formación académica , galardonado con el Prix de Rome, se unió al grupo en 1906, conocido por sus retratos decorativos y naturalistas de estilo posimpresionista .Pechstein se resistía a abandonar el precepto de que la estructura de una pintura está gobernada por sus formas y no por la distribución del color , aún así acabó por sucumbir al dramatismo y la angulosidad del expresionismo. En 1908 , Pechstein abandonó Dresde para instalarse en Belín , algo que en 1911 habían hecho todos los miembros del grupo. Aunque estaban convencidos de que su identidad colectiva les daría buenos resultados en la capital, consideraron que para conseguir el éxito debían funcionar de forma individual. Gradualmente , fueron dejando de trabajar juntos y el grupo se disolvió en 1913.

Kandinsky ( Gabriele Munter, 1910 )
óleo sobre lienzo 90 x 43,5 cm
Colección privada

En el sur de Alemania , se formó otro grupo de pintores alrededor de Vassily Kandinsky ( 1866-1944 ) un abogado convertido a pintor que se trasladó a Münich 

en 1896. Tras un período de formación en la Akademie de Münich , Kandinsky llegó a la conclusión de que lo mejor forma de aprender sobre su arte era dando clases. En 1901 confundó Phalanx, una escuela de grupo de arte en Múnich . Allí fue donde conoció a Gabriele Munter ( 1877-1962 ) una estudiante de la escuela que en 1902 se convirtió en su amante y colaboradora artística. En el retrato Kandinsky ( fig 5 ) 

la artista se sirvió de detalles simplificados y de las imágenes románticas - como por ejemplo el servicio de té para dos situado sobre la mesa y bañado por la luz del sol -para expresar lo que sentía por el artista . A su regreso en Múnich en 1908 , la pareja pasó el verano en la pequeña localidad de Murnau , en la Alta Baviera, al año siguiente, Munter compró allí una casa.

Durante los tres años que pasaron allí , Kandinsky y Munter y su amigo , el artista Alexei von Jawlensky ( 1864-1941 ) desarrollaron una nueva rama del expresionismo En sus escenas callejeras y sus paisajes luminosos, coloristas y delicadamente equilibrados , influenciados por el contacto de 

Jawlensky y con el fauvismo redujeron los detalles descriptivos a la mínima expresión , ejecutando su temas con un sentido composicional cada vez más marcado. La pintura de Kandinsky Iglesia en Murnau ( fig 6 ) se sirve más de la forma y el color que del detalle para transmitir la escena . En diciembre de 1909, Kandinsky fundó la Neue Kunstllevereingung Munchen ( Nueva Asociación de Artistas de Mùnich ) . El grupo organizó sólo tres exposiciones antes de disolverse a finales de 1911 ninguna de las cuales fue bien recibida. No obstante, los anuncios en la prensa propiciaron el contacto con el artista muniqués Franz Marc ( 1880-1916 ) y Kandisnky. La obra de Franz Marc más madura como por ejemplo, 

Caballo en un paisaje ( fig 4 ) es conocida por sus retratos de animales y por su uso poco convencional de los colores primarios.

Iglesia En Murnau , 1909 Vassily Kandinsky
óleo sobre lienzo 49 x70
Museum Of Modern Art, Nueva York

A partir de 1911, Kandinsky y Marc colaboraron en un anuario de arte titulado Der Blaue Reiter ( El Jinete Azul ) y también organizaron dos exposiciones y también dos exposiciones itinerantes como grupo ( llamado así mismo Caballo en un paisaje,) ,Kandinsky y Marc se atrevieron a colocar reproducciones de obras de algunos de los principales artistas modernos de Europa junto a obras de niños y de disminuidos psíquicos . La portada era un llamativo grabado de madera en blanco y negro de un caballo y un jinete . Como Die Brücke  el grupo Der Blauer  Reiter reconocía el poder expresivo del medio. El expresionismo alemán alcanzó su punto álgido con Die Blauer Reiter y, a pesar de que el grupo se desintegró con el estallido de la primera guerra mundial , el arte expresionista se extendió por toda Alemania una vez finalizado el conflicto . Cuando los nazis llegaron al poder en 1933, prohibieron el arte expresionista junto con otras corrientes artísticas vanguardistas por considerarlos " degenerados " A partir de la década de 1930, el expresionismo se convirtió en una importante influencia para muchos artistas norteamericanos a causa del éxodo de muchos artistas europeos a Estados Unidos 

Mercedes Tamara

1-02-2015

Bibliografia : Expresionismo, Edic Taschen

EL POSTIMPRESIONISMO

EL POSTIMPRESIONISMO

Bañistas ( Paul Cézanne, 1894
óleo sobre lienzo 127 x 195 cm
National Gallery , Londres

El término postimpresionismo hace referencia a la obra de una serie de artistas que tomaron el relevo de los impresionistas . Estos artistas no formaban un grupo o un movimiento cohesionado , ni compartían un objetivo o un estilo común . La mayoría o bien habían pasado por una fase impresionista anterior o se habían visto afectados por algún aspecto del estilo antes de emprender la exploración de nuevos territorios artísticos . En la práctica, el término postimpresionismo se usa sobre todo para describir la obra de cuatro artistas , Paul Cézanne ( 1839-1906 ) , Georges-Pierre Seurat ( 1859-1891 ), Vicent van Gogh ( 1853-1890 ) y Paul Gauguin ( 1848-1903 ).Los cuatro artistas reaccionaron cada uno a su manera al impresionismo . Cézanne se centró en la escultura pictórica. Seurat se interesó por la naturaleza científica del color , las pinceladas expresivas de Van Gogh reflejaban la intensidad emocional del artista y Gauguín experimentó con el uso simbólico del color y la linea

El término postimpresionista fue acuñado por el crítico de arte y pintor inglés Roger Fry ( 1866- 1934 ) . De 1906 a 1910 trabajó como comisario de exposiciones en el Metropolitam Museum of Art . En 1910 organizó una exposición de arte francés moderno en Londres titulada : " Monet y los postimpresionistas ". El evento se organizó de forma apresurada y las críticas que suscitó fueron en mayor parte negativas , no obstante, causó sensación porque presentó el arte contemporáneo europeo al público inglés . La mayoría de las obras expuestas eran de Cézanne, Gauguin y Van Gogh . El título de la exposición fue lo único en que los organizadores fueron capaces de ponerse de acuerdo . Se barajaban los términos expresionistas y sintetistas , pero finalmente optaron por postimpresionistas . Dos años después, Fry organizó una segunda exposición postimpresionista mucho mejor enfocada y mejor recibida.

Autorretrato ( Vicent van Gogh ) 1889
óleo sobre lienzo 65 x 54 ,5 cmMuseo de Orsay, Parísd

El impresionismo había revolucionado el arte francés . Había revelado nuevas formas de capturar el mundo físico sobre un lienzo . No obstante, muchos artistas tuvieron la sensación de que habían llegado al final de un callejón sin salida , parecía que pintar sombras y reflejos ya no era suficiente . Los artistas postimpresionistas por lo general se alejaron del naturalismo del impresionismo y, en su lugar empezaron a usar colores más vivos , pinceladas más densas y expresivas , que enfatizaban las formas geométricas y temas más propios de la vida real. La máxima representación de este enfoque se encuentra en el corazón de la obra de Cézanne. Paul Cézanne quería desprenderse de los detalles " superficiales " para ir un poco más allá y analizar la geometría esencial de la naturaleza. Mientras que la mayoría de los impresionistas aplicaban pequeños toques de pintura . Cézanne optó por el uso de parches de color más grandes. A medida que fue adquiriendo confianza , estos planos de color se fueron volviendo más grandes y más abstractos .Los resultados pueden verse en sus últimos paisajes , como por ejemplo Montaña Sainte-Victoire con gran pino ( 1882 )y sus últimas pinturas  figurativas, como por ejemplo Bañistas ( fig 1 ) . Este enfoque radical de la composición influyó notablemente en los cubistas.

Paisaje tropical de Martinica ( Paul Gauguin , 1887 )
óleo sobre lienzo 90 x 75 cm
Staatsgalerie Moderne Kunst , Münich

Gauguin empezó a pintar como pasatiempo. Animado por Camille Pissarro  ( 1830-1903 ) desarrolló un estilo impresionista y participó en las cinco últimas exposiciones impresionistas . Cuando el movimiento empezó a" desintegrase " se dejó influencias por los pintores simbolistas , los cuales adoptaron colores puros , sin mezclar , y un estilo rítmico y lineal para expresar ideas o emociones . Antes de trasladarse a vivir a Tahití , donde residió durante la última parte de su carrera , Gauguin pasó cinco meses ( en el año 1887 ) en la isla caribeña de Martinica donde pintó la obra Paisaje tropical de Martinica ( fig ·3 ) ,uno de los lienzos inspirados en la vegetación exótica y el paisaje de la isla . Las pinturas que produjo en Martinica ponen de manifiesto , la adopción por parte del artista de colores más lisos y cálidos y su giro hacía el cloisonismo , un estilo pictórico en el que usaban lineas oscuras o llamativas para cercar zonas de colores claros . Gauguin continuó explorando más en profundidad este nuevo estilo en la colonia de artistas de Pont-Aven , en Bretaña , un lugar que visitó en varias ocasiones junto con muchos otros artistas . La obra que produjo durante este tiempo, sirvió de inspiración a un grupo de jóvenes pintores conocidos con el nombre de Nabis y encabezado por Paul Seurier ( 1864-1977 )

Modelos ( George Pierre Seurat 1886- 1888)
óleo sobre lienzo 200 x 250 cm
The Barnes Foundation , Merion, Pennylvania 

Gauguin hizo una infortunada visita a Van Gogh en Arlés, al sur de Francia, donde este último vivía sumido en la pobreza y en la depresión , pero donde produjo muchas de sus obras más célebres . Gauguin y Van Gogh se habían conocido en París, donde ambos se habían sentido oprimidos por las limitaciones del arte impresionista . Una discusión entre los artista en Arles desembocó en la crisis de Van Gogh durante la cual se mutiló la oreja izquierda . A pesar de su delicada salud mental , Van Gogh consiguió combinar el simbolismo y las formas simplificadas y decorativas que había contemplado en los grabados japoneses para conseguir un efecto extraordinario. La intensidad de la personalidad de Van Gogh se pone de manifiesto en su Autorretrato ( fig 2 ) El artista produjo alrededor de cuarenta y tres autorretratos en un período de diez años. En su carta dirigida a su hermano explicaba : " Estoy buscando un parecido más profundo que el obtenido por un fotógrafo ". En este autorretrato de 1889 puede verse su característica técnica del imposto, con sus pinceladas gruesas y arremolinadas que tanto enfatizan la mirada fija del protagonista . Los tonos azules y verdes que delimitan el lienzo contrastan notablemente con los rojizos del pelo y la barba del artista .

Retrato de Alice Sethe ( Theo van Rysselberghe, 1888 )
óleo sobre lienzo 195 x 98 cm
Museo Departamental Maurice Denis
Saint-Germaine -en-Laye- Francia

Como Cézanne, Seurat se centró en un aspecto específico del impresionismo, pero lo trasladó a otro nivel . Su principal interés era la óptica .Seurat admiraba la armonía de colores vibrantes conseguidos por los impresionistas , no obstante, sus métodos no le satisfacían . Los impresionistas combinaban casi siempre los colores de manera intuitiva . Seurat, en cambio, estaba decidido a establecer una metodología más racional y científica para su arte . Se documentó mucho sobre el tema , buscando su técnica " divisionista " en las ideas que encontró en Grammaire des Arts Dessin ( Gramática de las de dibujo ) Llegó a la conclusión de que sus colores serían más vivos e intensos si intercambiaba pequeños toques de tonos complementarios en lugar de mezclarlos en su paleta. 

Seurat bautizó su teoría de la separación de colores con el nombre de - "divisionismo"pero pronto empezaron a usarse otros muchos términos. El crítico Felix Fenton( 1861-1944 ) bautizó la técnica con el nombre de " puntillismo "y acuñó el término postimpresionismo para describir el movimiento fundado por Seurat. Los neoimpresionistas introdujeron un enfoque más científico del color y la luz a través de las técnicas del divisionismo y puntillismo . Probablemente Seurat pensó que estaba refinando las técnicas de los impresionistas, pero no tenía ninguna intención de darle el mismo uso. Sus pinturas no representan reflejos parpadeantes ni fugaces efectos lumínicos . Sus figuras son estáticas, esculturales y tienen un carácter atemporal. Aunque la pintura Tarde de domingo en la Grande Jatte ,levantó una gran controversia ,cuando fue expuesta en la última exposición de impresionistas de 1886, muchos pensaron que se trataba de un manifiesto de las teorías del artista , lo que incitó a muchos a convertirse a su estilo . Su pintura Modelos ( fig 4 ) fue la segunda que Seurat produjo en estilo puntillista . Esta monumental obra retrata a modelos desnudas desvistiéndose en el taller de Seurat , probablemente justo después de haber posado para la pintura Tarde de domingo en la Grande Jatte

En el Moulin Rouge : baile ( Toulousse-Lautrec , 1890 )
óleo sobre lienzo 116 x 150 cm
Philadelphia Museum of Art , Pensilvania

El más destacado de los discípulos de Seurat , Paul Signac ( 1863-1935 ) Se conocieron en 1884 y se hicieron amigos de inmediato . Signac promulgó el evangelio del divisionismo con un fervor considerable Tras la muerte de Seurat en 1891se convirtió en el principal portavoz del grupo. En 1892 abandonó Paris para instalarse en Saint-Tropez, donde produjo varias pinturas del puerto .Signac pintó Mujeres en el pozo ( fig 7 ) a partir de uno de sus primeros dibujos . Decidió separar los dos personajes y dedicarles una pintura . Sintetizó elementos del paisaje para crear un paisaje nuevo.En Francia, los otros neoimpresionistas destacados fueron Edmon Cross ( 1856- 1910 ) y Pissarro , en Bélgica, los principales representantes del estilo fueron Theo van Rysselberge ( 1862. 1926 ) y Henri van de Velde ( 1863-1957 ) , Van  Rysselberge aplicó las técnicas divisionistas al campo de la pintura de retratos , como puede verse en pinturas como Retrato de Alice Sethe ( fig 5 )

Mujeres en el pozo ( Paul Signac, 1892 )
óleo sobre lienzo 195 x 131 cm
Museo de Orsay , Paris

Uno de los artistas postimpresionistas más colorista fue Henri de Toulosse -Lautrec ( 1864-1901 ) La mayoría de sus obras , entre ellas En el Moulin Rouge : baile ( fig 6 ) se centran en los cafés bohemios , los burdeles y los clubes nocturnos de Montmatre , un sórdido mundo que retrató con fidelidad y a su vez con compasión, humor y perspicacia.El hombre que puede verse bailando con gran destreza a la izquierda de la pintura es un experto bailarín que actuaba con el seudónimo de Valentín el Deshuesado . Toulousse Lautrec fue un artesano extraordinario, innovador en su uso de rápidas pinceladas , en el énfasis que ponía en los perfiles y los contornos y su habilidad a la hora de capturar la espontaneidad de la gente en su entorno de trabajo.

                                             Mercedes Tamara

                                             30-01-2015

Bibliografia : Wikipedia

ANTONIO GAUDI UN ARQUITECTO GENIAL

ANTONIO GAUDI UN ARQUITECTO GENIAL

Fachada del Parque Güell

Introducción a la arquitectura de Gaudí

Hay en torno a la figura de  Antoni Gaudí i Cornet (Reus o Riudoms^] 25 de junio de 1852-Barcelona, 10 de junio de 1926) una aureola de misterio. Probablemente el primer círculo que obstaculiza el acceso a su obra es el misterio intrínseca a todo genio y, en última instancia de todo espíritu humano. Agravado el caso por el hecho reconocido deseó crear una zona de misterio en torno a su persona , mientras que en la medida que mantenía ese hermetismo- o sea, aniquilación de sus valores vitales -daba expresión y simbolización a sus estados anímicos y a su tremendo poder mental . Gaudí, pese a la cercanía en ell tiempo, suge ante nosotros como un artista cuya superioridad no ha sido superada.

Pero el segundo círculo de misterio se debe a su época . Efectivamente aunque esté próxima fue mejor una culminación del largo proceso iniciado con el surgir del cristianismo y el arte anterior al románico , que un inicio de nuestro tiempo , Y esto a pesar de que la obra de Gaudí , como auténtica creación genial , nos dio las bases para crear un nuevo arte , con una morfología distinta . Pero una cosas son estas obras surgidas en el seno de su obra y otra muy distinta es el conjunto de esa misma obra como expresión de su tiempo. Esta diferenciación de la arquitectura de Gaudi respecto a otros arquitectos de la misma época, puede ser explicada por rasgos estilísticos, sociales o políticos. Aunque hay que señalar que la época modernista , cuyo máximo representante fue Gaudí, pertenecía en gran medida al eclecticismo culterano de la segunda mitad del siglo XIX. basada en admitir la multiplicidad, la complejidad, la vejez, en suma. En cambio, nuestra época nace de una exigencia de juventud, de una ruptura con el pasado , de la reconquista de una nueva sencillez , del rechazo mayor o menor de lo complejo. La mera contemplación de las obras de Gaudí vemos cierta yuxtaposición de elementos distintos y aún contrarios : funcionalismo, arquitectura orgánica , pintura abstracta e informalismo de materia , ascesis no figurativa y barroco surreal.

El punto central del misterio de la personalidad de Gaudí reside precisamente en la capacidad innata para descubrir, revelar y recrear un universo entero. Y además señalaremos que la originalidad de Gaudí no tiene orígenes meramente terrenos, meramente intelectuales o instintivos. Mejor que razones de su destino , que las influencias de su educación , lo que debió aproximarle a Dios hasta convertirse en un místico , en un beato, debió de ser el vivo descubrimiento de un factor divino que residía en su interior

 

Pabellón del Parque Güell

Elementos ideológicos de su tiempo

No se sabe mucho de la personalidad de Gaudí ,pero se ha reconocido en las personalidades geniales , como factor muy importante de su potestad : una increíble velocidad de información , por ejemplo, en le caso de Gaudí sería : describir miles de lugares y situaciones sin darse cuenta con una " capacidad de registros inaccesibles para la mayoría de los humanos.Los elementos ideológicos que " estaban en la época de Gaudí debieron ser captados, profundizados , analizados inconscientemente y sublimados , de un modo constante y hondamente efectivos,

Se han descrito algunos de estos elementos ; por ejemplo , a partir de sus estudios conocidos , cual de las obras teóricas de Viollet-le-Duc ( 1814- 1879 ) , o del contacto que mantuvo con sus maestros predilectos : Francesc Llorens i Barba ( 1820- 1872 ) de quien aprendió filosofía y literatura , y Paul Milà i Fontanals ( 1810- 1883 ) con quien estudió teoría e historia del arte. Es sabido el concepto de este último en integrar el arte en la cultura , rompiendo así el aislamiento de los hechos artísticos para integrarlos en la vida , tendencia que forzosamente hubo de interesar a Gaudí .

A nuestro juícío , la obra de Gaudí señala un nuevo avance desde la arquitectura tradicional a nuevas estructuras arquitectónicas basadas en la mecánica y en la experimentación cual de las catenarias, pero, a la vez, a través de las estlizaciones de tendencias medievalistas y orientalizantes , penetra en el mundo de la morfología natural , que no copia, antes  transfigura e integra en el factor arquitectónico o estructural -ornamental.El color de su policromía recuerda con frecuencia el de la flora y la fauna submarina mejor que el de los elementos naturales que podía tener ante la mirada normalmente. Los remates de los campanarios de la Sagrada Familia tienen las calidades y pulsiones de la medusa antes que de la flor .

No hay duda , y esto ratifica la complejidad intrínseca de Gaudí , que otras corrientes ideológicas muy distintas convergían en su pensamiento . Así la tendencia espiritualista , que tuvo raíces célticas del prerrafaelismo inglés ( la Prerrafaelista Brotherland que fue fundada en 1848 ) y, que , a través del movimiento " Arts and Crafts " de William Morris de 1861, renovado por Ahibee en 1888 y de los arquitectos y decoradores de la escuela de Glasgow, no dejó de llegar a Cataluña para ejercer una duradera influencia 

El carácter reprimido e intrinsícamente contradictorio de Gaudí pudo influir en una época todavía inserta en el eclecticismo decimonómico y también se motiva en sus ímpulsos divergentes unidos al Tradicionalismo y Modernismo , amor a lo mediterráneo y también -refinamiento, culto mítico a las imágenes y una atmósfera de ensueño como puede verse en los Pabellones del Parque Güell 

Casa Palacio calle Nou de las Ramblas 

Las primeras obras ( 1878-1892 )

Se distingue este primer período gaudiano por la influencia mudéjar , por la alternancia entre esta sugestión orientalista y el medievalismo . Y por la aparición progresiva y creciente de los elementos que corresponden a la época de madurez de Gaudí . Con todo, desde el principio se advierte en sus obras la puesta en práctica de dos concepciones suyas . A los 26 años , Gaudi escribe en un dietario : " La ornamentación ha sido es y será coloreada : la Naturaleza no nos presenta ningún objeto de manera monocroma , del todo uniforme en cuanto a color , ni en la vegetación , ni en la geología , ni en la topografía , ni en el reino animal .Siempre el contraste de color es más o menos vivo y de aquí que, obligatoriamente, debamos colorear en parte o en todo un miembro arquitectónico , coloración que tal vez desaparecerá para que la mano del tiempo se encargue darle otra más propia y precisa de cosa antigua ". Aparte de la manifestación total en pro del cromatismo en arquitectura, lo verdaderamente interesante en esta declaración es que Gaudí manifiesta concebir la arquitectura dentro de la naturaleza, fiel a  todas sus leyes , incluso las externas que la arquitectura conculcó desde siempre con sus estructuras . También es importante la declaración relativa a la coloración debida a " la mano del tiempo " que corrobora la sensibilidad del arquitecto a la textura -color ,a las calidades de la materia .

Se ve aquí a un Gaudí intuitivo que utilizaría la mecánica para ampliar su dominio , pero que conocía la " forma " como los grandes escultores-arquitectos del pasado.Lo que Gaudí no sabía era que la intensidad de ese don de saber si una " cosa ha de ser más alta o más baja, más plana o más curvada " intensidad que le hizo descubrir que las formas " interesantes " no son planas , sino las cóncavas y convexas . Pero este descubrimiento lo realizó paulatinamente y en las obras de su primer período dominan las superficies planas y las formas tradicionales enriquecidas por aportaciones decorativas o también por estructuras tipícamente gaudianas como los arcos de la casa Vicens ( 1883-1888 ) en la que el azulejo y el hierro contribuyen a crear una visión de belleza . En cuanto a la estructura general del edificio , Gaudí consigue animarla mediante los recursos del ladrillo, una planta rica en ángulos y una superficie recorridas por franjas , en resalto y azulejos. La verja con palmas de hierro muy naturalistas posee una fuerza característica gaudiana.

Casa Vicens

A este primer período corresponden también varios edificios en los que el factor artístico y personal de Gaudí no se manifiesta aún con la fuerza invasora del período siguiente : en 1888.1890 construye el Colegio Teresiano de la calle Ganduxer de Barcelona, con monumemtales paramentos de ladrillos ritmados por arcos parabólicos y en el que persiste cierto mudejarismo . En 1889-1893 se inicía la construcción del magno Palacio Episcopal de Astorga ( León ) con sus portales profundamente abocinados , obra austera, en granito que incluye decoración de cerámica . De 1891-1892 es el edificio de " Los Botines en León ", obra en la que dispuso una escultura naturalista de San Jorge matando al dragón sobre la portada . Es la primera vez que vemos a Gaudí emplear paradójicamente , lo que creía escultura en contraste con la gran escultura abstracta qué es su obra, en pormenores y conjuntos , sin olvido de sus valores propiamente arquitectónicos y de su avances técnicos .

La casa Vicens fue la primera obra importante que realizó Gaudí. Ubicada en la calle de Les Carolines , se construyó entre 1883 y 1888 por encargo del fabricante de azulejos Manuel Vicens Montaner. El estilo mudéjar - muy utilizado por los arquitectos barceloneses de la época . es recreado y superado en este edificio en el que la combinación del azulejo y el ladrillo se expresa con una fuerza extraordinaria. El motivo principal de la verja -realizada por Joan Oñós  a partir de un modelo en barro de Llorenç Matmala- son las hojas de palmito

Es un edificio residencial aislado construido como residencia de verano. Está estructurado en cuatro níveles : sótano, planta baja y dos pisos , destinados a trasteros, hogar , dormitorio y servicio respectivamente. La casa cuenta con todo lo necesario para el confort estival , con una buena ventilación de los interiores y un amplio jardín que, originariamente incluía una cascada artificial.

Considerada como la primera obra importante de Gaudí , la casa Vicens está resuelta con gran simplicidad constructiva, con un predominio de la linea recta sobre la curva y con una presencia acusada de rasgos de inspiración arabizante , como los almocárabes de yeso interiores y de ladrillo exteriores.

El edificio está construido con sólidos muros de mamposteria , y sus plantas con bóvedas tabicadas en la parte más baja y con vigas de madera en los pisos y en la cubierta 

Elementos más signiticativos de la Casa Vicens


Pájaro móvil. 

Sobre la chimenea del comedor Gaudí colocó suspendido del techo un pájaro que se movía con la corriente de aire caliente

Oriente
Junto a los mocárabes policromados , el orientalismo está presente en detalles como la elección de los cerezos de gran simbolismo en Oriente.

Naturaleza

La decoración con motivos naturales, ya sean vegetales o aves, es la constante de este edificio , tanto en el exterior como en el interior donde se encuentran ramas de cerezo de yeso policromado en el artesonado del comedor, hiedras de estuco en sus paredes, cigüeñas , flamencos y otras aves en los dínteles de las puertas.

Clavel moro

Gaudí halló esta especie vegetal en el solar y la convirtió en el motivo de los azulejos de la fachada y del fumoir , la sala para fumar. 

Palacio Episcopal de Astorga ( León ) ,1889-1893

Periodo de madurez ( 1892-1914 )

En 1892, con cuarenta años de edad , empieza a dar muestras de una originalidad ( " volver al origen, según su propia frase " ) que no es posible juzgar abrupta y revolucionaria . El proyecto de edificios para las Misiones Católicas de Tánger, con sus siete conos centrales , aparte de relacionarse con las obras africanas que antes citamos , construye una " imagen cósmica " es decir, un " modelo simbólico de la totalidad universal " . Esta aspiración , dentro de las invenciones morfológicas de Gaudí y sus experimentaciones técnicas, no dejará de residir en su interior, apareciendo luego en sus proyectos de la iglesia de la colonia Güell y en su imagen central de Templo Expiatorio de la Sagrada Famila . El cono o la torre parabólica o fusiforme , es el elemento expresivo esencial de esta concepción , junto con la distribución en planta de un conjunto que define simbólicamente la idea de la totalidad ( centro rodeado de un grupo de cuatro o siete elementos ) . Pero a la vez Gaudí avanza por el camino de su creación inventiva , su carácter se transforma y su religiosidad se afirma, su desinterés por lo exterior aumenta y sus biógrafos comprueban el contraste entre el Gaudi juvenil y el Gaudí maduro indiferente ante el vestir, las condiciones de vida , el trato social . 

Pero el misticismo de Gaudí nunca deja, pese a su olvido de si mismo, de valor sensual, gloriosamente incluso , la morfología natural . Se ha dicho que Gaudí "aproximaba la naturaleza orgánica y la inorgánica , la ciencia y la religión, el pensamiento y la materia " llegando casi a identificar lo físico y lo psíquico. . Asi las expresiones son más bien inconscientes, simbólicas .

Casa Calvet ( 1898-1900 )

Tras la casa Calvet ( 1898-1900 ) obra con vigorosos acentos personales dentro de una contención general , viene la insistencia en el neogótico de la casa Bellesguard , con bóvedas a la catalana y empleo inspirado en la forja ( 1900-1909 ) Hemos de referirnos ahora a los dos colaboradores principales de Gaudí , de quienes no puede ignorarse la importancia de su aportación. Si Francesc Berenguer ( 1866- 1914 ) como lo atestigua su obra de Garraf , pese a no poseer título de arquitecto , pudo ayudarle principalmente , acaso, en lo estructural o mecánico Josep M Jujol ( 1879- 1949 ) " pintor arquitectónico " , tuvo que desempeñar un considerable papel en la decoración de ciertos exteriores e interiores, cual en la casa Batlló , del Paseo de Gracia de Barcelona ( 1904-1907 ) cuya fachada recuerda , las Ninfeas de Monet, con sus discos irregularmente distribuidos , sus coloraciones deformantes del plano ( violetas, lilas, azules y verdosos ) sus chimeneas maravillosas , las formas escultóricas , ya a lo Moore, del antepecho del terrado o del interior, etc. En este momento es tal vez cuando el aspecto modernista resulta más vivo en la obra gaudiana

Casa Batlló ( Paseo de Gracia ) 1904-1907

En las importantísimas obras que siguieron a la casa Batlló se pone de manifiesto la invención gaudiana y a la vez su transformación en valores plásticos de cualesquiera estructura. lo plano, al deformarse ,al contraerse adquiere valores relacionados con el ovoide y se anticipa así a la escultura de Arp. Miró o Calder. Gaudi concibe la obra arquitectónica como una realidad viva que tiene que " tocar " por asi decirlo con sus manos y la modela realmente. Cabe una reminiscencia de la facultad moldeadora artesana de sus mayores , transformada, magnificada e integrada en su arte. Cabe una milagrosa intuición de lo que imperaría en el mundo en que aún los fauves eran los más" avanzado" "el decorativismo orientalista de Matisse ) y en que Picasso empezaba su período rosa. Por represión, Gaudi sumió su sensualismo en los hontanares de su " espíritu ", y de allí resurgió convertido en visiones como la mansarda y cubierta de la citada casa Milá , verdadera superación imposible , que muestra su interés por las líneas geodésicas , pues si el edificio con sus siete plegaduras pétreas que tanto parecen referirse a la estructura de Montserrat como si a los ritmos dementes de Van Gogh , ya es algo insólito y tremendo : su zona de remate lo supera . Añádanse en ello las innovaciones técnicas en lo arquitectónico cual la supresión de muros interiores y los pasillos circulares que ratifican el carácter biomórfico del conjunto, vivificando la geología , de otro lado animada por los prodigiosos hierros forjados dinámicos de los balcones que se anticipan no ya a las obras de hierro arcaicas de los años 1925-1930 sino a las formas metálicas informales de una Claire Falkenstein , que lo vino a reconocer ejecutándose un " Homenaje a Gaudi " . En cuanto a las chimeneas y escotillas de la cubierta , las formas helicoidales y las ondulantes predominan suavizadas por el único matiz blanco de la cerámica de recubrimiento . Aparecen también los volúmenes perforados 

Casa Batlló

Casa Milá : La Pedrera

Años finales ( 1914-1916 )

En la cueva de Nerja ( Málaga ) , el guía enseña a los visitantes una " Sagrada Familia" invertida que pende del techo. Son las catenarias de Gaudí , lo que no sabe el guía. Pero lo que tampoco sabe es que en la Sagrada Famila , particularmente en la portada del Nacimiento con sus cuatro torres-campanarios fusiformes , siendo muy importante la forma, no es lo principal . Ni tampoco que aún se integre en la naturaleza y "viva "la arquitectura dentro de lo geológico . Lo importante es el sentimiento de sobrenatural grandeza que vivifica cada piedra y que hace de Gaudí no ya un " inventor " prodigioso del siglo XX sino el último constructor de catedrales , el hombre genial que cierra mejor que una época, todo un mundo , mundo que no sabríamos hacer empezar en tal o cual catedral gótica ni románica, sino por su potencia virgen. Textura, materia, forma, luz , fuerza , realidad, movimiento , todo en la Sagrada Familia de Gaudí habla de una lucha y de un triunfo que verdaderamente como se ha dicho , no cabe explicar sin acudir a lo sobrenatural. Si alguna vez se ha visibilizado su fuerza humansa de sublimación y de transformación de un mundo dado -hecho de materia bruta- en potencia ascensional es la Sagrada Familia. La cripta, con ser extraordinaria, la solución de los pináculos del ábside, con ser muy interesante la ornamentación misma de la fachada del Nacimiento , con su peculiar barroquismo submarino , ablandado, poliforme de abstracciones convertidas en volumen , de pulsiones transfiguradas en forma y de inserciones naturalistas- esculturas con modelos vaciados in vitro en yeso -
no pueden compararse con la violencia mística y mágica pavorosa que tiene como resumen de una existencia terrenal humana , por quien acaso superó esa condición, el grupo de los cuatro campanarios parabólicos penetrando en un cielo al que atraen y aproximan . La misma policromía de sus remates no resulta superior a la seca aspereza , a la textura pétrea de las torres que se adelgazan progresivamente. haciéndonos ascender con su propio ímpulso.

Fachada principal de la Sagrada Familia

Este sentimiento de infinitud mejor que el de inacabamiento , preside la creación total de la Sagrada Familia , en particular , en la idea de su conjunto cargado con el simbolismo complejo del " templo-montaña " y de las " cavernas " . La maqueta del templo , los proyectos dibujados por Gaudí, con las soluciones de las cubiertas, así como los modelos de elementos particulares, cual las ventanas de forma elíptica insertadas en triángulos o en cristalizaciones óseas, son las manifestaciones de un espíritu al que no le infundía pavor el factor infinito, antes se sentía en él en su verdadero elemento.

Conclusiones

Decir ante su creación que Gaudí fue un plástico genial , para poner en duda si esa cualidad le asistió como arquitecto. Enumerar , para ir en contra de tal tesis adversa, que fue el primer constructor europeo en comprender las posibilidades del hormigón armado , que fue el precursor del urbanismo y de la garden city, que creó, con su revalorización de su técnica artesana - las bóvedas a la catalana- el precedente directo de las bóvedas - cáscaras tan usadas en la actualidad por un Candeta entre otros, mencionar su integración de las artesanías en la arquitectura , etc. Incluso citarle como fuente formal del expresionismo de los Poelzig, Steiner y Mendelshon, no parece ingenuo frente a lo que se desprende de nuestro apasionado relato. Pues la herejía de la arquitectura de hoy, posiblemente, está en no ver ciertas " condiciones"que se juzgan como las estrictamente arquitectónicas valorándolo todo desde los ángulos social y económica , o desde el técnico Gaudí es el Miguel Ángel de un tiempo mucho más desgarrado , complejo y contradictorio que el del siglo XVi . No sólo es el creador de un universo morfológico aplicando las leyes mecánicas correspondientes , sino que es el progenitor absoluto del mundo de las formas de la escultura actual e incluso el inspirador de gran parte de la pintura " de materia ". Pero, por encima de estos valores arquitectónicos , está la secreta violencia y la sacra fuerza de su alma , manifestada en obras que existen y que cuentan en la historia de la hiumanidad.

Interior del templo de la Sagrada Familia

Mercedes Tamara

27-01-2015

Bibliografía : Juan Eduardo Cirlot, Pere Vivás, Ricardo Pla ( autores ) Gaudí ,                                       Introducción a la arquitectura    
                      Wikipedia