EL CAMINO HACÍA LA ABSTRACCIÓN : LA PLURALIDAD DE LOS ESTILOS PICTÓRICOS

EL CAMINO HACÍA LA ABSTRACCIÓN :  LA PLURALIDAD DE LOS  ESTILOS PICTÓRICOS

Tormenta sobre la nieve en alta mar, 1842
William M Turner
óleo sobre lienzo 91,5 x 122 cm
Tate Britain, Londres

La conquista de la abstracción está relacionada de forma indisoluble con la evolución general del arte en el siglo XX. La expresión de un concepto del mundo liberado del objeto es el logro más sobresaliente del arte de este siglo. Antes, la expresión artística tenía un carácter mimético : reproducía el mundo tal como lo veía el artista . Incluso en aquellas ocasiones en que las imágenes visualizaban ideas abstractas y conceptos, se recurría a los medios de la pintura figurativa. Las representaciones de la confianza, de la fidelidad y de la armonía se mostraban al espectador como virtudes personificadas. Los temas complejos se representaban mediante hábiles composiciones de grupos de figuras o paisajes idealizados . Fue entonces a principios del siglo XX cuando artistas como Pablo Picasso en París, Vassily Kandinsky en Múnich o Kasimir Malevich en Moscú comenzaron a disolver la visibilidad de los objetos y la reinterpretación en una pintura de signos autónomos.

Almiares al final del verano : Claude Monet, 1890
óleo sobre lienzo 60 x 100 cm
Musée d´Orsay, París

perspectiva teológica y perspectiva central

Las nociones de realismo y abstracción en la pintura son cuestionables . La perspectiva teológica de la pintura medieval , en la que el tamaño de los objetos en la imagen estaba ligada a la jerarquía que se les atribuía , quedó sustituida por la perspectiva central del Renacimiento temprano: el espacio idealizado se transformó en un espacio ilusionista . El espectador experimentaba la superficie pictórica como si fuese una mirada al mundo visible a través de una ventana .En casos extremos el artista demostraba la destreza el uso de los medios pictóricos que conseguía que el espectador se dejase engañar realmente por la representación y tuviese la impresión de percibir un objeto tridimensional real en la superficie del lienzo. Aparte de los manierismos que la pintura ilusionista empleaba para crear efectos de transpantojo , toda pintura es siempre también una abstracción. De hecho, ningún cuadro figurativo encarna un valor sustancial y autónomo , sino que es un producto derivado de la realidad . De tal modo, la pintura figurativa nunca puede ser la realidad de sí misma.

Considerando la entrada de este enfoque teórico, la pintura abstracta abre nuevas e insospechadas posibilidades. Puede ser autónoma y no tiene por qué referirse a una realidad concreta. La pintura abstracta funciona más bien como metáfora de un mundo desconocido. Sus elementos pictóricos encuentran una justificación inmediata en si mismos. Si una superficie azul deja de interpretarse como la representación del mar y una linea horizontal deja de marcar el horizonte , el arte pierde su cualidad alegórica , pero gana en autonomía y autoafirmación . En el momento en que el color puede producir un efecto por su cualidad como color en sí y teñir un objeto no solo para encarnarlo en el lienzo, alcanza un valor autónomo propio desconocido antes en la pintura. El espectador puede ahora percibir la superficie con toda su intensidad , esplendor y espacialidad. El color se hace real como color ,y adquiere de este modo más realismo que en cualquier imagen de aquellos maestros clásicos conocidos por su precisión en la representación de la realidad, por ejemplo, Leonardo da Vinci, Jan Vermeer o Jean-Auguste Ingres por mencionar tres pintores de tres escuelas y siglos diferentes 

La montaña de Sainte-Victoire vista desde les lauves
 Paul Cezanne 1890,
óleo sobre lienzo 69,8 x 89,5 cm
Philadelphia Museum of Art

El paso de una categoría a otra se torna ciertamente inestable : los límites no son de ningún modo tan precisos como puede suponerse al considerar las dos nociones antagonistas. Las fronteras entre pintura figurativa y abstracta se han puesto constantemente a prueba desde ambas partes. En 1842 el pintor paisajista William Turner plasmó en una apasionante composición el motivo Tormenta de nieve en alta mar .( fig 1 ) El mar , la tormenta, la nieve y las nubes se funden desordenadamente en una vorágine vertiginosa. El malogrado casco del barco , el mar rugiente y las nubes turbulentas apenas pueden distinguirse . La representación de Turner ha ido mucho más allá de la mera exposición de la catástrofe y de la expresión pictórica de los objetos . Los colores y las pinceladas se arremolinan en el lienzo confiriendo un gran dinamismo, ritmo y dramatismo al conjunto. El paisaje queda disuelto en la masa de colores, pero, sin embargo, los vibrantes y coloridos torbellinos permiten asociar la imagen justamente con un mar tempestuoso. Lo que se logra de esta manera es un equilibrio en el que la representación realista se diluye en una pintura de carácter autónomo y el libre colorismo toma cuerpo para crear una impresión paisajista.

La conquista del universo de imágenes abstractas en el siglo XIX

El pintor francés Maurice Denis dijo en 1890 : " Un cuadro antes que ser un caballo de batalla , una mujer desnuda o cualquier anécdota, es en esencia una superficie plana , cubierta de colores dispuestos en un " orden determinado ". Denis destaca la primacía de los medios pictóricos frente a su función representativa . En la pintura abstracta , los colores y las formas subsisten en el sistema de referencia de un mundo objetual exterior. En ocasiones, las ilusiones visuales han favorecido también el desarrollo de un enfoque pictórico de este tipo. En 1895, Vassily Kandisky , que por aquel entonces tenía 29 años, visitó  en Moscú una exposición de pintores impresionistas franceses. De repente, se encontró frente a uno de los famosos lienzos de Claude Monet , pero sin distinguir inmediatamente el motivo . Al principio,Kandinsky se quedó entusiasmado con el delicado colorido, cuya brillantez relegó en un primer momento el motivo figurativo a un segundo plano. El artista vivió otra experiencia que agudizó su comprensión de las cualidades compositivas de la forma y el color.

Aproximadamente diez años más tarde , Kandinsky , que vivía por aquel entonces en Múnich , advirtió la presencia de un extraño lienzo en su taller que captó inmediatamente su atención por el ritmo pictórico de las formas plasmadas. Un instante después, se dio cuenta de que la desconocida composición era en realidad una obra propia, solo que estaba colocada al revés. Estos dos episodios propiciaron que Kandinsky  algunos años después, terminará por desprenderse del mundo de los motivos figurativos y concibiera la pintura como una organización compositiva de formas y colores libres y desvinculados de toda referencia a los objetos .

Dormitorio: Georg Baselitz, 1975
óleo y carbón sobre lienzo 350 x 250 cm
Museum Ludwig, Colonia

La historia del taller del artista recuerda efectivamente a la obra del pintor contemporáneo alemán Georg Baselitz, que a finales de los años sesenta empezó a representar invertidos sus motivos figurativos. La experiencia estética a la que aspiraba es la misma que la que experimentó aquella vez Kandinsky de manera fortuita. El interés del espectador debe reconducirse hacía las cualidades autónomas de los colores y la composición. El motivo figurativo es solo el esqueleto formal que proporciona firmeza y estructura al color. Baselitz mueve el pincel y aplica los colores y las formas como un pintor abstracto. Sin embargo, la presencia del motivo lo aleja de la arbitrariedad compositiva. Baselitz da un decisivo paso adelante al demostrar que un acto de pintura abstracta es posible incluso dentro de un marco temático figurativo.

Partiendo de esta posición es necesario volver la mirada un siglo atrás.La conquista sistemática de un universo de imágenes abstractas tuvo sus orígenes en los paisajes y bodegones de Paul Cézanne. El artista volvió a establecer las prioridades del arte pictórico ya que dejó de concebir la naturaleza como modelo, descomponiéndola en una estructura analítica de cuerpos espaciales estereométricos Uno de los axiomas más conocidos del artista era que todos los objetos de la naturaleza estaban compuestos de esferas, cilindros y conos. De este modo, Cézanne formuló una premisa pictórica extraída de un vocabulario abstracto Su pretensión era dejar de imitar o reproducir los paisajes y las naturalezas muertas para pasar a representarlos ; es decir, a transformarlos en un equivalente pictórico de carácter autónomo .

Imágenes de pequeños cubos

Las ideas de Cézanne se convirtieron en una pauta artística decisiva para las siguientes generaciones . Aunque sus lienzos siempre mantuvieron la figuración , Cézanne consiguió proponer por primera vez una concepción de la pintura que exime al motivo plasmado de la relación de dependencia con su modelo en la realidad . Tal como sostiene el credo de Cézanne , el arte y la naturaleza se presentan al espectador como dos mundos armónicos paralelos , o sea, consistentes y con la misma vigencia. Esta revalorización de los medios pictóricos fascinó también algunos años más tarde al artista español Pablo Picasso La concepción pictórica de Cézanne fue uno de los precedentes que le sirvieron de base para el desarrollo de la práctica cubista a pesar de la incomprensión de la mayoría de sus amigos y colegas artísticos. Partiendo de las ideas surgidas de Cézanne , Picasso dio un decisivo paso adelante al considerar el motivo pintado no solo como una existencia paralela a la naturaleza visible sino como una realidad desvinculada de esta y con un valor intrínseco y autosuficiente.

Las señoritas de Aviñón Pablo Picasso, 1907
óleo sobre lienzo 243,9 x 233,7 cm
The Museum of Modern Art , Nueva York

En verano de 1907, Picasso terminó su genial cuadro Las señoritas de Aviñón. Pocos meses más tarde , el pintor Georges Braque pudo ver esta composición , realizada en gran formato. Él sería uno de los pocos visitantes del taller de Picasso que comprendería sus concpciones pictóricas y cuyo desarrollo artístico se vería estimulado de forma decisiva por la obra del amigo artista. En otoño del siguiente año Braque presentó en el parsiense Salón de Otoño nuevos paisajes elaborados a partir de austeras arquitecturas de bloques. El crítico Louis Vauxcelles se refirió de forma despectivas a las obras , considerándolas " imágenes de pequeños cubos " , una vez más, un nuevo estilo artístico recibía un nombre nacido de la ignorancia de un coetáneo. 

El lenguaje cubista siguió evolucionando gracias al esfuerzo común y a la sana rivalidad de Picasso y Braque . Sus resultados pictóricos se acercaban a veces de un modo que eran difíciles distinguir las características de cada artista en las obras. Durante la primera etapa del cubismo , la llamada fase analítica , los dos artistas restaron color a las imágenes y se centraron totalmente en la formación de un vocabulario de formas innovador . En este proceso los volúmenes cubistas se fueron sustituyendo paulatinamente por fragmentos y formas geométricas . En 1911 consiguieron articular por completo este nuevo lenguaje visual . El cubismo analítico descompuso la realidad visible en una estructura biselada de signos Picasso y Braque abandonaron la perspectiva central unitaria en favor de una perspectiva plural.

La siguiente fase del cubismo , el llamado cubismo sintéctico , comenzó en 1912 .Picasso utilizó las formas desarrolladas como signos de objetos elementales . Un triángulo puede representar un vaso y dos lineas paralelas cruzando una forma circular, una guitarra. Picasso había logrado desarrollar este reducido lenguaje de signos tras el complicado proceso de abstracción llevado a cabo en la etapa analítica precedente. Ahora combinaba la pintura con fragmentos reales del mundo exterior, introduciendo en sus composiciones páginas de periódicos, hojas de notas y trozos de tapicería. En la obra de Picasso, la realidad nunca había tenido una presencia tan fuertes como en los ejemplos más abstractos de esta serie de motivos elaborados entre 1913 y 1914. Sin embargo, el artista no capta la realidad por imitación mimética de la naturaleza, sino mediante la incorporación directo y la articulación de objetos reales en la pintura ( collage )


El consecuente camino hacía la abstracción


El cubismo fue la primera tendencia artística del entonces todavía joven siglo XX . Se convierte en un ejemplo de arte de una época industrial moderna y de una nueva visión científica del mundo . De esta manera, la obra cubista también debe entenderse como un modelo de percepción de una nueva realidad . La visión del mundo en el ámbito de la física nunca había experimentado avances tan revolucionarios como los acaecidos a principios del siglo XX. Nuevos modelos teóricos y experiencias empíricas obligaron a los hombres a admitir algunos fenómenos físicos que escapaban a la evidencia y comprensión lógica. En 1913, el escritor Guillaume Apollinaire exigió el compromiso social de los literatos y artistas en su ensayo : " Los pintores cubistas ". Los grandes poetas y los grandes artistas tienen la función social de renovar constantemente la imagen exterior que la naturaleza adopta en los ojos de los hombres ". Esta correlación entre los movimientos científicos y las concepciones estéticas del arte se basa en su dedicación a un objeto de estudio común . Aunque utilizan métodos o instrumentos diferentes , tanto la física como las artes visuales se ocupan de la percepción y el conocimiento de la realidad.

Las ventanas simultáneas sobre la ciudad
Robert Delaunay, 1912
óleo sobre lienzo y tabla 46 x 40
Hamburgo, Kunstahalle, Hamburgo

                


                          
                           
Pluralidad de perspectivas


El mundo moderno desde inicios del siglo XX se ha vuelto en general más complejo y abstracto. Su explicación escapa cada vez más a la evidencia inmediata y solo admite una visión fragmentaria de la realidad. La idea de que el espectador puede adoptar un punto de vista neutral situado fuera del sistema que se observa no se corresponde ahora a las realidades que se dan por hecho . Para los artistas del siglo XX , el cuadro con perspectiva central y punto de fuga fijo representa esa imagen obsoleta del mundo que pretendían sustituir con un nuevo vocabulario de formas . La concepción cubista muestra por primera vez una visión dinámica del mundo con una cantidad limitada de puntos de vista que varían constantemente y que hacen que el espectador quede implicado de forma inmediata en la representación . Más tarde, esta pluralidad de perspectivas se vería plasmada nuevamente de forma parecida en las composiciones del constructivista ruso El Lissitzky. En los años cincuenta , los pintores estadounidenses Jackson Pollock y Barnett Newman intentarían también implicar al espectador en la obra con sus monumentales formatos. 

En torno a 1913, la inminente ruptura con la tradición y el avance de la pintura europea hacía la abstracción podía respirarse en el arte . 
Wassily Kandinsky en Múnich, Kasimir Malevich en Moscú y Robert Delaunay y Frantisek Kupka en París, hallaron el camino hacía soluciones pictóricas independientes

El contacto adecuado con el alma humana

Improvisación Klamm, Wassily Kandinsky, 1914
óleo sobre lienzo 110 x 110 cm
Städische Gallerie im Lenbachhaus

Medio decenio más tarde , la situación y el ambiente artístico general eran muy diferentes . Wassily Kandinsky , a quien se le había atribuido durante décadas la invención de la pintura abstracta a raíz de una acuarela datada en 1910, se reveló como la figura determinante . Kandinsky había elaborado dicha obra tres años más tarde de lo que él mismo afirmaba, sin embargo, el artista ruso establecido en Münich siguió consecuentemente su concepto de la abstracción pictórica y lo propagó a nivel público . Además , fundamentó la evolución práctica en la pintura con un escrito teórico. En 1912 salió a la luz su manifiesto De lo espiritual en el arte , escrito dos años antes. El texto fue concebido como reivindicación del nuevo arte : " La armonía de los colores y de las formas deben basarse únicamente en el principio del contacto adecuado con el alma humana ". 

De este modo , también quedó trazada la diferencia fundamental con las obras de Picasso y de Braque : las formas y los colores no deberían derivarse de una idea de naturaleza sino que deberían surgir exclusivamente del interior del artista . Kandinsky o, también Robert Delaunay en París, sustituyen el enfoque casi analítico científico de los cubistas franceses por la fuerza emocional del color, que de ahí en adelante quedó emancipado de la estructura compositiva formal para ser utilizado de forma libre , expresiva y como medio arbitrario para la pura evocación de sentimientos. La música abstracta se convirtió en un impulso decisivo para Kandinsky y otros artistas . Estos vieron en la música contemporánea de Arnold Schönberg o Igor Stravinsky un equivalente a su pintura y aplicaron el ritmo, el tono, el dinamismo y la armonía en composiciones pictóricas . Kandinsky dividió sus obras en Impresiones, improvisaciones y composiciones ,denominaciones con las que el artista describía asimismo el creciente grado de abstracción de la pintura. 

Tras un largo período , en el que Kandinsky siguió recurriendo al motivo paisajístico como motivo para sus abstracciones empezó a elaborar en 1913 los primeros lienzos de gran formato totalmente libres de referencias figurativas . Franz Marc , con el que el artista publicó conjuntamente en 1912 el almanaque Der Blaue Reiter ( El jinete azul ) es el único de los expresionistas alemanes que le acompañó en esta dirección. Desde 1913, y a partir de la pinturas con el motivo de las Formas peleando de 1914 muestra también que Marc tiene un enfoque diferente al de Kandinsky. El rojo y el negro aparecen aquí unidos a elementos formales fragmentados en una estructura de prima pero a la vez compactos. Al igual que los cubistas, Marc relaciona también la pintura abstracta con el moderno orden científico del mundo : " El arte futuro ", manifestó el artista en sus aforismos :" será la encarnación de nuestro convencimiento científico , es nuestra religión , nuestro centro de gravedad, nuestra verdad "

Formas peleando : Franz Marc, 1914

óleo sobre lienzo 90 x 131,5 cm

Pinakothek de Moderne, Múnich


Mercedes Tamara
20-12-2014

Bibliografía : " Arte abstracto " Edic Taschen