EL POSTIMPRESIONISMO

EL POSTIMPRESIONISMO

Bañistas ( Paul Cézanne, 1894
óleo sobre lienzo 127 x 195 cm
National Gallery , Londres

El término postimpresionismo hace referencia a la obra de una serie de artistas que tomaron el relevo de los impresionistas . Estos artistas no formaban un grupo o un movimiento cohesionado , ni compartían un objetivo o un estilo común . La mayoría o bien habían pasado por una fase impresionista anterior o se habían visto afectados por algún aspecto del estilo antes de emprender la exploración de nuevos territorios artísticos . En la práctica, el término postimpresionismo se usa sobre todo para describir la obra de cuatro artistas , Paul Cézanne ( 1839-1906 ) , Georges-Pierre Seurat ( 1859-1891 ), Vicent van Gogh ( 1853-1890 ) y Paul Gauguin ( 1848-1903 ).Los cuatro artistas reaccionaron cada uno a su manera al impresionismo . Cézanne se centró en la escultura pictórica. Seurat se interesó por la naturaleza científica del color , las pinceladas expresivas de Van Gogh reflejaban la intensidad emocional del artista y Gauguín experimentó con el uso simbólico del color y la linea

El término postimpresionista fue acuñado por el crítico de arte y pintor inglés Roger Fry ( 1866- 1934 ) . De 1906 a 1910 trabajó como comisario de exposiciones en el Metropolitam Museum of Art . En 1910 organizó una exposición de arte francés moderno en Londres titulada : " Monet y los postimpresionistas ". El evento se organizó de forma apresurada y las críticas que suscitó fueron en mayor parte negativas , no obstante, causó sensación porque presentó el arte contemporáneo europeo al público inglés . La mayoría de las obras expuestas eran de Cézanne, Gauguin y Van Gogh . El título de la exposición fue lo único en que los organizadores fueron capaces de ponerse de acuerdo . Se barajaban los términos expresionistas y sintetistas , pero finalmente optaron por postimpresionistas . Dos años después, Fry organizó una segunda exposición postimpresionista mucho mejor enfocada y mejor recibida.

Autorretrato ( Vicent van Gogh ) 1889
óleo sobre lienzo 65 x 54 ,5 cmMuseo de Orsay, Parísd

El impresionismo había revolucionado el arte francés . Había revelado nuevas formas de capturar el mundo físico sobre un lienzo . No obstante, muchos artistas tuvieron la sensación de que habían llegado al final de un callejón sin salida , parecía que pintar sombras y reflejos ya no era suficiente . Los artistas postimpresionistas por lo general se alejaron del naturalismo del impresionismo y, en su lugar empezaron a usar colores más vivos , pinceladas más densas y expresivas , que enfatizaban las formas geométricas y temas más propios de la vida real. La máxima representación de este enfoque se encuentra en el corazón de la obra de Cézanne. Paul Cézanne quería desprenderse de los detalles " superficiales " para ir un poco más allá y analizar la geometría esencial de la naturaleza. Mientras que la mayoría de los impresionistas aplicaban pequeños toques de pintura . Cézanne optó por el uso de parches de color más grandes. A medida que fue adquiriendo confianza , estos planos de color se fueron volviendo más grandes y más abstractos .Los resultados pueden verse en sus últimos paisajes , como por ejemplo Montaña Sainte-Victoire con gran pino ( 1882 )y sus últimas pinturas  figurativas, como por ejemplo Bañistas ( fig 1 ) . Este enfoque radical de la composición influyó notablemente en los cubistas.

Paisaje tropical de Martinica ( Paul Gauguin , 1887 )
óleo sobre lienzo 90 x 75 cm
Staatsgalerie Moderne Kunst , Münich

Gauguin empezó a pintar como pasatiempo. Animado por Camille Pissarro  ( 1830-1903 ) desarrolló un estilo impresionista y participó en las cinco últimas exposiciones impresionistas . Cuando el movimiento empezó a" desintegrase " se dejó influencias por los pintores simbolistas , los cuales adoptaron colores puros , sin mezclar , y un estilo rítmico y lineal para expresar ideas o emociones . Antes de trasladarse a vivir a Tahití , donde residió durante la última parte de su carrera , Gauguin pasó cinco meses ( en el año 1887 ) en la isla caribeña de Martinica donde pintó la obra Paisaje tropical de Martinica ( fig ·3 ) ,uno de los lienzos inspirados en la vegetación exótica y el paisaje de la isla . Las pinturas que produjo en Martinica ponen de manifiesto , la adopción por parte del artista de colores más lisos y cálidos y su giro hacía el cloisonismo , un estilo pictórico en el que usaban lineas oscuras o llamativas para cercar zonas de colores claros . Gauguin continuó explorando más en profundidad este nuevo estilo en la colonia de artistas de Pont-Aven , en Bretaña , un lugar que visitó en varias ocasiones junto con muchos otros artistas . La obra que produjo durante este tiempo, sirvió de inspiración a un grupo de jóvenes pintores conocidos con el nombre de Nabis y encabezado por Paul Seurier ( 1864-1977 )

Modelos ( George Pierre Seurat 1886- 1888)
óleo sobre lienzo 200 x 250 cm
The Barnes Foundation , Merion, Pennylvania 

Gauguin hizo una infortunada visita a Van Gogh en Arlés, al sur de Francia, donde este último vivía sumido en la pobreza y en la depresión , pero donde produjo muchas de sus obras más célebres . Gauguin y Van Gogh se habían conocido en París, donde ambos se habían sentido oprimidos por las limitaciones del arte impresionista . Una discusión entre los artista en Arles desembocó en la crisis de Van Gogh durante la cual se mutiló la oreja izquierda . A pesar de su delicada salud mental , Van Gogh consiguió combinar el simbolismo y las formas simplificadas y decorativas que había contemplado en los grabados japoneses para conseguir un efecto extraordinario. La intensidad de la personalidad de Van Gogh se pone de manifiesto en su Autorretrato ( fig 2 ) El artista produjo alrededor de cuarenta y tres autorretratos en un período de diez años. En su carta dirigida a su hermano explicaba : " Estoy buscando un parecido más profundo que el obtenido por un fotógrafo ". En este autorretrato de 1889 puede verse su característica técnica del imposto, con sus pinceladas gruesas y arremolinadas que tanto enfatizan la mirada fija del protagonista . Los tonos azules y verdes que delimitan el lienzo contrastan notablemente con los rojizos del pelo y la barba del artista .

Retrato de Alice Sethe ( Theo van Rysselberghe, 1888 )
óleo sobre lienzo 195 x 98 cm
Museo Departamental Maurice Denis
Saint-Germaine -en-Laye- Francia

Como Cézanne, Seurat se centró en un aspecto específico del impresionismo, pero lo trasladó a otro nivel . Su principal interés era la óptica .Seurat admiraba la armonía de colores vibrantes conseguidos por los impresionistas , no obstante, sus métodos no le satisfacían . Los impresionistas combinaban casi siempre los colores de manera intuitiva . Seurat, en cambio, estaba decidido a establecer una metodología más racional y científica para su arte . Se documentó mucho sobre el tema , buscando su técnica " divisionista " en las ideas que encontró en Grammaire des Arts Dessin ( Gramática de las de dibujo ) Llegó a la conclusión de que sus colores serían más vivos e intensos si intercambiaba pequeños toques de tonos complementarios en lugar de mezclarlos en su paleta. 

Seurat bautizó su teoría de la separación de colores con el nombre de - "divisionismo"pero pronto empezaron a usarse otros muchos términos. El crítico Felix Fenton( 1861-1944 ) bautizó la técnica con el nombre de " puntillismo "y acuñó el término postimpresionismo para describir el movimiento fundado por Seurat. Los neoimpresionistas introdujeron un enfoque más científico del color y la luz a través de las técnicas del divisionismo y puntillismo . Probablemente Seurat pensó que estaba refinando las técnicas de los impresionistas, pero no tenía ninguna intención de darle el mismo uso. Sus pinturas no representan reflejos parpadeantes ni fugaces efectos lumínicos . Sus figuras son estáticas, esculturales y tienen un carácter atemporal. Aunque la pintura Tarde de domingo en la Grande Jatte ,levantó una gran controversia ,cuando fue expuesta en la última exposición de impresionistas de 1886, muchos pensaron que se trataba de un manifiesto de las teorías del artista , lo que incitó a muchos a convertirse a su estilo . Su pintura Modelos ( fig 4 ) fue la segunda que Seurat produjo en estilo puntillista . Esta monumental obra retrata a modelos desnudas desvistiéndose en el taller de Seurat , probablemente justo después de haber posado para la pintura Tarde de domingo en la Grande Jatte

En el Moulin Rouge : baile ( Toulousse-Lautrec , 1890 )
óleo sobre lienzo 116 x 150 cm
Philadelphia Museum of Art , Pensilvania

El más destacado de los discípulos de Seurat , Paul Signac ( 1863-1935 ) Se conocieron en 1884 y se hicieron amigos de inmediato . Signac promulgó el evangelio del divisionismo con un fervor considerable Tras la muerte de Seurat en 1891se convirtió en el principal portavoz del grupo. En 1892 abandonó Paris para instalarse en Saint-Tropez, donde produjo varias pinturas del puerto .Signac pintó Mujeres en el pozo ( fig 7 ) a partir de uno de sus primeros dibujos . Decidió separar los dos personajes y dedicarles una pintura . Sintetizó elementos del paisaje para crear un paisaje nuevo.En Francia, los otros neoimpresionistas destacados fueron Edmon Cross ( 1856- 1910 ) y Pissarro , en Bélgica, los principales representantes del estilo fueron Theo van Rysselberge ( 1862. 1926 ) y Henri van de Velde ( 1863-1957 ) , Van  Rysselberge aplicó las técnicas divisionistas al campo de la pintura de retratos , como puede verse en pinturas como Retrato de Alice Sethe ( fig 5 )

Mujeres en el pozo ( Paul Signac, 1892 )
óleo sobre lienzo 195 x 131 cm
Museo de Orsay , Paris

Uno de los artistas postimpresionistas más colorista fue Henri de Toulosse -Lautrec ( 1864-1901 ) La mayoría de sus obras , entre ellas En el Moulin Rouge : baile ( fig 6 ) se centran en los cafés bohemios , los burdeles y los clubes nocturnos de Montmatre , un sórdido mundo que retrató con fidelidad y a su vez con compasión, humor y perspicacia.El hombre que puede verse bailando con gran destreza a la izquierda de la pintura es un experto bailarín que actuaba con el seudónimo de Valentín el Deshuesado . Toulousse Lautrec fue un artesano extraordinario, innovador en su uso de rápidas pinceladas , en el énfasis que ponía en los perfiles y los contornos y su habilidad a la hora de capturar la espontaneidad de la gente en su entorno de trabajo.

                                             Mercedes Tamara

                                             30-01-2015

Bibliografia : Wikipedia

ANTONIO GAUDI UN ARQUITECTO GENIAL

ANTONIO GAUDI UN ARQUITECTO GENIAL

Fachada del Parque Güell

Introducción a la arquitectura de Gaudí

Hay en torno a la figura de  Antoni Gaudí i Cornet (Reus o Riudoms^] 25 de junio de 1852-Barcelona, 10 de junio de 1926) una aureola de misterio. Probablemente el primer círculo que obstaculiza el acceso a su obra es el misterio intrínseca a todo genio y, en última instancia de todo espíritu humano. Agravado el caso por el hecho reconocido deseó crear una zona de misterio en torno a su persona , mientras que en la medida que mantenía ese hermetismo- o sea, aniquilación de sus valores vitales -daba expresión y simbolización a sus estados anímicos y a su tremendo poder mental . Gaudí, pese a la cercanía en ell tiempo, suge ante nosotros como un artista cuya superioridad no ha sido superada.

Pero el segundo círculo de misterio se debe a su época . Efectivamente aunque esté próxima fue mejor una culminación del largo proceso iniciado con el surgir del cristianismo y el arte anterior al románico , que un inicio de nuestro tiempo , Y esto a pesar de que la obra de Gaudí , como auténtica creación genial , nos dio las bases para crear un nuevo arte , con una morfología distinta . Pero una cosas son estas obras surgidas en el seno de su obra y otra muy distinta es el conjunto de esa misma obra como expresión de su tiempo. Esta diferenciación de la arquitectura de Gaudi respecto a otros arquitectos de la misma época, puede ser explicada por rasgos estilísticos, sociales o políticos. Aunque hay que señalar que la época modernista , cuyo máximo representante fue Gaudí, pertenecía en gran medida al eclecticismo culterano de la segunda mitad del siglo XIX. basada en admitir la multiplicidad, la complejidad, la vejez, en suma. En cambio, nuestra época nace de una exigencia de juventud, de una ruptura con el pasado , de la reconquista de una nueva sencillez , del rechazo mayor o menor de lo complejo. La mera contemplación de las obras de Gaudí vemos cierta yuxtaposición de elementos distintos y aún contrarios : funcionalismo, arquitectura orgánica , pintura abstracta e informalismo de materia , ascesis no figurativa y barroco surreal.

El punto central del misterio de la personalidad de Gaudí reside precisamente en la capacidad innata para descubrir, revelar y recrear un universo entero. Y además señalaremos que la originalidad de Gaudí no tiene orígenes meramente terrenos, meramente intelectuales o instintivos. Mejor que razones de su destino , que las influencias de su educación , lo que debió aproximarle a Dios hasta convertirse en un místico , en un beato, debió de ser el vivo descubrimiento de un factor divino que residía en su interior

 

Pabellón del Parque Güell

Elementos ideológicos de su tiempo

No se sabe mucho de la personalidad de Gaudí ,pero se ha reconocido en las personalidades geniales , como factor muy importante de su potestad : una increíble velocidad de información , por ejemplo, en le caso de Gaudí sería : describir miles de lugares y situaciones sin darse cuenta con una " capacidad de registros inaccesibles para la mayoría de los humanos.Los elementos ideológicos que " estaban en la época de Gaudí debieron ser captados, profundizados , analizados inconscientemente y sublimados , de un modo constante y hondamente efectivos,

Se han descrito algunos de estos elementos ; por ejemplo , a partir de sus estudios conocidos , cual de las obras teóricas de Viollet-le-Duc ( 1814- 1879 ) , o del contacto que mantuvo con sus maestros predilectos : Francesc Llorens i Barba ( 1820- 1872 ) de quien aprendió filosofía y literatura , y Paul Milà i Fontanals ( 1810- 1883 ) con quien estudió teoría e historia del arte. Es sabido el concepto de este último en integrar el arte en la cultura , rompiendo así el aislamiento de los hechos artísticos para integrarlos en la vida , tendencia que forzosamente hubo de interesar a Gaudí .

A nuestro juícío , la obra de Gaudí señala un nuevo avance desde la arquitectura tradicional a nuevas estructuras arquitectónicas basadas en la mecánica y en la experimentación cual de las catenarias, pero, a la vez, a través de las estlizaciones de tendencias medievalistas y orientalizantes , penetra en el mundo de la morfología natural , que no copia, antes  transfigura e integra en el factor arquitectónico o estructural -ornamental.El color de su policromía recuerda con frecuencia el de la flora y la fauna submarina mejor que el de los elementos naturales que podía tener ante la mirada normalmente. Los remates de los campanarios de la Sagrada Familia tienen las calidades y pulsiones de la medusa antes que de la flor .

No hay duda , y esto ratifica la complejidad intrínseca de Gaudí , que otras corrientes ideológicas muy distintas convergían en su pensamiento . Así la tendencia espiritualista , que tuvo raíces célticas del prerrafaelismo inglés ( la Prerrafaelista Brotherland que fue fundada en 1848 ) y, que , a través del movimiento " Arts and Crafts " de William Morris de 1861, renovado por Ahibee en 1888 y de los arquitectos y decoradores de la escuela de Glasgow, no dejó de llegar a Cataluña para ejercer una duradera influencia 

El carácter reprimido e intrinsícamente contradictorio de Gaudí pudo influir en una época todavía inserta en el eclecticismo decimonómico y también se motiva en sus ímpulsos divergentes unidos al Tradicionalismo y Modernismo , amor a lo mediterráneo y también -refinamiento, culto mítico a las imágenes y una atmósfera de ensueño como puede verse en los Pabellones del Parque Güell 

Casa Palacio calle Nou de las Ramblas 

Las primeras obras ( 1878-1892 )

Se distingue este primer período gaudiano por la influencia mudéjar , por la alternancia entre esta sugestión orientalista y el medievalismo . Y por la aparición progresiva y creciente de los elementos que corresponden a la época de madurez de Gaudí . Con todo, desde el principio se advierte en sus obras la puesta en práctica de dos concepciones suyas . A los 26 años , Gaudi escribe en un dietario : " La ornamentación ha sido es y será coloreada : la Naturaleza no nos presenta ningún objeto de manera monocroma , del todo uniforme en cuanto a color , ni en la vegetación , ni en la geología , ni en la topografía , ni en el reino animal .Siempre el contraste de color es más o menos vivo y de aquí que, obligatoriamente, debamos colorear en parte o en todo un miembro arquitectónico , coloración que tal vez desaparecerá para que la mano del tiempo se encargue darle otra más propia y precisa de cosa antigua ". Aparte de la manifestación total en pro del cromatismo en arquitectura, lo verdaderamente interesante en esta declaración es que Gaudí manifiesta concebir la arquitectura dentro de la naturaleza, fiel a  todas sus leyes , incluso las externas que la arquitectura conculcó desde siempre con sus estructuras . También es importante la declaración relativa a la coloración debida a " la mano del tiempo " que corrobora la sensibilidad del arquitecto a la textura -color ,a las calidades de la materia .

Se ve aquí a un Gaudí intuitivo que utilizaría la mecánica para ampliar su dominio , pero que conocía la " forma " como los grandes escultores-arquitectos del pasado.Lo que Gaudí no sabía era que la intensidad de ese don de saber si una " cosa ha de ser más alta o más baja, más plana o más curvada " intensidad que le hizo descubrir que las formas " interesantes " no son planas , sino las cóncavas y convexas . Pero este descubrimiento lo realizó paulatinamente y en las obras de su primer período dominan las superficies planas y las formas tradicionales enriquecidas por aportaciones decorativas o también por estructuras tipícamente gaudianas como los arcos de la casa Vicens ( 1883-1888 ) en la que el azulejo y el hierro contribuyen a crear una visión de belleza . En cuanto a la estructura general del edificio , Gaudí consigue animarla mediante los recursos del ladrillo, una planta rica en ángulos y una superficie recorridas por franjas , en resalto y azulejos. La verja con palmas de hierro muy naturalistas posee una fuerza característica gaudiana.

Casa Vicens

A este primer período corresponden también varios edificios en los que el factor artístico y personal de Gaudí no se manifiesta aún con la fuerza invasora del período siguiente : en 1888.1890 construye el Colegio Teresiano de la calle Ganduxer de Barcelona, con monumemtales paramentos de ladrillos ritmados por arcos parabólicos y en el que persiste cierto mudejarismo . En 1889-1893 se inicía la construcción del magno Palacio Episcopal de Astorga ( León ) con sus portales profundamente abocinados , obra austera, en granito que incluye decoración de cerámica . De 1891-1892 es el edificio de " Los Botines en León ", obra en la que dispuso una escultura naturalista de San Jorge matando al dragón sobre la portada . Es la primera vez que vemos a Gaudí emplear paradójicamente , lo que creía escultura en contraste con la gran escultura abstracta qué es su obra, en pormenores y conjuntos , sin olvido de sus valores propiamente arquitectónicos y de su avances técnicos .

La casa Vicens fue la primera obra importante que realizó Gaudí. Ubicada en la calle de Les Carolines , se construyó entre 1883 y 1888 por encargo del fabricante de azulejos Manuel Vicens Montaner. El estilo mudéjar - muy utilizado por los arquitectos barceloneses de la época . es recreado y superado en este edificio en el que la combinación del azulejo y el ladrillo se expresa con una fuerza extraordinaria. El motivo principal de la verja -realizada por Joan Oñós  a partir de un modelo en barro de Llorenç Matmala- son las hojas de palmito

Es un edificio residencial aislado construido como residencia de verano. Está estructurado en cuatro níveles : sótano, planta baja y dos pisos , destinados a trasteros, hogar , dormitorio y servicio respectivamente. La casa cuenta con todo lo necesario para el confort estival , con una buena ventilación de los interiores y un amplio jardín que, originariamente incluía una cascada artificial.

Considerada como la primera obra importante de Gaudí , la casa Vicens está resuelta con gran simplicidad constructiva, con un predominio de la linea recta sobre la curva y con una presencia acusada de rasgos de inspiración arabizante , como los almocárabes de yeso interiores y de ladrillo exteriores.

El edificio está construido con sólidos muros de mamposteria , y sus plantas con bóvedas tabicadas en la parte más baja y con vigas de madera en los pisos y en la cubierta 

Elementos más signiticativos de la Casa Vicens


Pájaro móvil. 

Sobre la chimenea del comedor Gaudí colocó suspendido del techo un pájaro que se movía con la corriente de aire caliente

Oriente
Junto a los mocárabes policromados , el orientalismo está presente en detalles como la elección de los cerezos de gran simbolismo en Oriente.

Naturaleza

La decoración con motivos naturales, ya sean vegetales o aves, es la constante de este edificio , tanto en el exterior como en el interior donde se encuentran ramas de cerezo de yeso policromado en el artesonado del comedor, hiedras de estuco en sus paredes, cigüeñas , flamencos y otras aves en los dínteles de las puertas.

Clavel moro

Gaudí halló esta especie vegetal en el solar y la convirtió en el motivo de los azulejos de la fachada y del fumoir , la sala para fumar. 

Palacio Episcopal de Astorga ( León ) ,1889-1893

Periodo de madurez ( 1892-1914 )

En 1892, con cuarenta años de edad , empieza a dar muestras de una originalidad ( " volver al origen, según su propia frase " ) que no es posible juzgar abrupta y revolucionaria . El proyecto de edificios para las Misiones Católicas de Tánger, con sus siete conos centrales , aparte de relacionarse con las obras africanas que antes citamos , construye una " imagen cósmica " es decir, un " modelo simbólico de la totalidad universal " . Esta aspiración , dentro de las invenciones morfológicas de Gaudí y sus experimentaciones técnicas, no dejará de residir en su interior, apareciendo luego en sus proyectos de la iglesia de la colonia Güell y en su imagen central de Templo Expiatorio de la Sagrada Famila . El cono o la torre parabólica o fusiforme , es el elemento expresivo esencial de esta concepción , junto con la distribución en planta de un conjunto que define simbólicamente la idea de la totalidad ( centro rodeado de un grupo de cuatro o siete elementos ) . Pero a la vez Gaudí avanza por el camino de su creación inventiva , su carácter se transforma y su religiosidad se afirma, su desinterés por lo exterior aumenta y sus biógrafos comprueban el contraste entre el Gaudi juvenil y el Gaudí maduro indiferente ante el vestir, las condiciones de vida , el trato social . 

Pero el misticismo de Gaudí nunca deja, pese a su olvido de si mismo, de valor sensual, gloriosamente incluso , la morfología natural . Se ha dicho que Gaudí "aproximaba la naturaleza orgánica y la inorgánica , la ciencia y la religión, el pensamiento y la materia " llegando casi a identificar lo físico y lo psíquico. . Asi las expresiones son más bien inconscientes, simbólicas .

Casa Calvet ( 1898-1900 )

Tras la casa Calvet ( 1898-1900 ) obra con vigorosos acentos personales dentro de una contención general , viene la insistencia en el neogótico de la casa Bellesguard , con bóvedas a la catalana y empleo inspirado en la forja ( 1900-1909 ) Hemos de referirnos ahora a los dos colaboradores principales de Gaudí , de quienes no puede ignorarse la importancia de su aportación. Si Francesc Berenguer ( 1866- 1914 ) como lo atestigua su obra de Garraf , pese a no poseer título de arquitecto , pudo ayudarle principalmente , acaso, en lo estructural o mecánico Josep M Jujol ( 1879- 1949 ) " pintor arquitectónico " , tuvo que desempeñar un considerable papel en la decoración de ciertos exteriores e interiores, cual en la casa Batlló , del Paseo de Gracia de Barcelona ( 1904-1907 ) cuya fachada recuerda , las Ninfeas de Monet, con sus discos irregularmente distribuidos , sus coloraciones deformantes del plano ( violetas, lilas, azules y verdosos ) sus chimeneas maravillosas , las formas escultóricas , ya a lo Moore, del antepecho del terrado o del interior, etc. En este momento es tal vez cuando el aspecto modernista resulta más vivo en la obra gaudiana

Casa Batlló ( Paseo de Gracia ) 1904-1907

En las importantísimas obras que siguieron a la casa Batlló se pone de manifiesto la invención gaudiana y a la vez su transformación en valores plásticos de cualesquiera estructura. lo plano, al deformarse ,al contraerse adquiere valores relacionados con el ovoide y se anticipa así a la escultura de Arp. Miró o Calder. Gaudi concibe la obra arquitectónica como una realidad viva que tiene que " tocar " por asi decirlo con sus manos y la modela realmente. Cabe una reminiscencia de la facultad moldeadora artesana de sus mayores , transformada, magnificada e integrada en su arte. Cabe una milagrosa intuición de lo que imperaría en el mundo en que aún los fauves eran los más" avanzado" "el decorativismo orientalista de Matisse ) y en que Picasso empezaba su período rosa. Por represión, Gaudi sumió su sensualismo en los hontanares de su " espíritu ", y de allí resurgió convertido en visiones como la mansarda y cubierta de la citada casa Milá , verdadera superación imposible , que muestra su interés por las líneas geodésicas , pues si el edificio con sus siete plegaduras pétreas que tanto parecen referirse a la estructura de Montserrat como si a los ritmos dementes de Van Gogh , ya es algo insólito y tremendo : su zona de remate lo supera . Añádanse en ello las innovaciones técnicas en lo arquitectónico cual la supresión de muros interiores y los pasillos circulares que ratifican el carácter biomórfico del conjunto, vivificando la geología , de otro lado animada por los prodigiosos hierros forjados dinámicos de los balcones que se anticipan no ya a las obras de hierro arcaicas de los años 1925-1930 sino a las formas metálicas informales de una Claire Falkenstein , que lo vino a reconocer ejecutándose un " Homenaje a Gaudi " . En cuanto a las chimeneas y escotillas de la cubierta , las formas helicoidales y las ondulantes predominan suavizadas por el único matiz blanco de la cerámica de recubrimiento . Aparecen también los volúmenes perforados 

Casa Batlló

Casa Milá : La Pedrera

Años finales ( 1914-1916 )

En la cueva de Nerja ( Málaga ) , el guía enseña a los visitantes una " Sagrada Familia" invertida que pende del techo. Son las catenarias de Gaudí , lo que no sabe el guía. Pero lo que tampoco sabe es que en la Sagrada Famila , particularmente en la portada del Nacimiento con sus cuatro torres-campanarios fusiformes , siendo muy importante la forma, no es lo principal . Ni tampoco que aún se integre en la naturaleza y "viva "la arquitectura dentro de lo geológico . Lo importante es el sentimiento de sobrenatural grandeza que vivifica cada piedra y que hace de Gaudí no ya un " inventor " prodigioso del siglo XX sino el último constructor de catedrales , el hombre genial que cierra mejor que una época, todo un mundo , mundo que no sabríamos hacer empezar en tal o cual catedral gótica ni románica, sino por su potencia virgen. Textura, materia, forma, luz , fuerza , realidad, movimiento , todo en la Sagrada Familia de Gaudí habla de una lucha y de un triunfo que verdaderamente como se ha dicho , no cabe explicar sin acudir a lo sobrenatural. Si alguna vez se ha visibilizado su fuerza humansa de sublimación y de transformación de un mundo dado -hecho de materia bruta- en potencia ascensional es la Sagrada Familia. La cripta, con ser extraordinaria, la solución de los pináculos del ábside, con ser muy interesante la ornamentación misma de la fachada del Nacimiento , con su peculiar barroquismo submarino , ablandado, poliforme de abstracciones convertidas en volumen , de pulsiones transfiguradas en forma y de inserciones naturalistas- esculturas con modelos vaciados in vitro en yeso -
no pueden compararse con la violencia mística y mágica pavorosa que tiene como resumen de una existencia terrenal humana , por quien acaso superó esa condición, el grupo de los cuatro campanarios parabólicos penetrando en un cielo al que atraen y aproximan . La misma policromía de sus remates no resulta superior a la seca aspereza , a la textura pétrea de las torres que se adelgazan progresivamente. haciéndonos ascender con su propio ímpulso.

Fachada principal de la Sagrada Familia

Este sentimiento de infinitud mejor que el de inacabamiento , preside la creación total de la Sagrada Familia , en particular , en la idea de su conjunto cargado con el simbolismo complejo del " templo-montaña " y de las " cavernas " . La maqueta del templo , los proyectos dibujados por Gaudí, con las soluciones de las cubiertas, así como los modelos de elementos particulares, cual las ventanas de forma elíptica insertadas en triángulos o en cristalizaciones óseas, son las manifestaciones de un espíritu al que no le infundía pavor el factor infinito, antes se sentía en él en su verdadero elemento.

Conclusiones

Decir ante su creación que Gaudí fue un plástico genial , para poner en duda si esa cualidad le asistió como arquitecto. Enumerar , para ir en contra de tal tesis adversa, que fue el primer constructor europeo en comprender las posibilidades del hormigón armado , que fue el precursor del urbanismo y de la garden city, que creó, con su revalorización de su técnica artesana - las bóvedas a la catalana- el precedente directo de las bóvedas - cáscaras tan usadas en la actualidad por un Candeta entre otros, mencionar su integración de las artesanías en la arquitectura , etc. Incluso citarle como fuente formal del expresionismo de los Poelzig, Steiner y Mendelshon, no parece ingenuo frente a lo que se desprende de nuestro apasionado relato. Pues la herejía de la arquitectura de hoy, posiblemente, está en no ver ciertas " condiciones"que se juzgan como las estrictamente arquitectónicas valorándolo todo desde los ángulos social y económica , o desde el técnico Gaudí es el Miguel Ángel de un tiempo mucho más desgarrado , complejo y contradictorio que el del siglo XVi . No sólo es el creador de un universo morfológico aplicando las leyes mecánicas correspondientes , sino que es el progenitor absoluto del mundo de las formas de la escultura actual e incluso el inspirador de gran parte de la pintura " de materia ". Pero, por encima de estos valores arquitectónicos , está la secreta violencia y la sacra fuerza de su alma , manifestada en obras que existen y que cuentan en la historia de la hiumanidad.

Interior del templo de la Sagrada Familia

Mercedes Tamara

27-01-2015

Bibliografía : Juan Eduardo Cirlot, Pere Vivás, Ricardo Pla ( autores ) Gaudí ,                                       Introducción a la arquitectura    
                      Wikipedia             

PETER PAUL RUBENS

PETER PAUL RUBENS

Autorretrato con su esposa Isabelle Brandt. 1609
óleo sobre lienzo 179 x 136 cm
Alte Pinakothek ,Múnich

Peter Paul Rubens (Siegen, Sacro Imperio Romano Germánico, actual Alemania, 28 de junio de 1577 — Amberes, Flandes (Países Bajos Españoles), actual Bélgica, 30 de mayo de 1640), también conocido como Pieter Paul, Pieter Pauwel, Petrus Paulus, y, en español, Pedro Pablo Rubens, fue un pintor barroco de la escuela flamenca. Su estilo exuberante enfatiza el dinamismo, el color y la sensualidad. Sus principales influencias procedieron del arte de la Antigua Grecia, de la Antigua Roma y la pintura renacentista, en especial Leonardo da Vinci, Tiziano y Miguel Ángel, del que admiraba su representación de la anatomía.


Este pintor flamenco del barroco convirtió los rígidos cánones clásicos del Renacimiento en mujeres gruesas y figuras llenas de vida . Por analogía con los cuadros de Peter Paul Rubens , incluso hoy en día, para referirse a mujeres entradas en carne , se dice que tienen " figura de Rubens " . Este artista políglota fue además un diplomático muy apreciado y lo armaron caballero.

El desembarco de Maria de Médici en el puerto de Marsella, 1622-1625
óleo sobre lienzo 394 x 295 cm
Museo del Louvre, París

Un aguacero fustró la misión diplomática a la que el duque de Mantua había enviado a Peter Paul Rubens , su pintor preferido, en el año 1603. Dos de los valiosos cuadros que formaban parte de los obsequios destinados al rey español quedaron dañados por el agua . Pero Rubens no titubeó ni un instante , sacó sus pinceles a toda prisa y pintó otros cuadros para sustituirlos . Felipe III quedó entusiasmado y las pinturas pasaron a formar parte de la colección real . En aquella época , Rubens era muy apreciado como pintor en muchas de las casas reales de Europa. El rey holandés el archiduque Alberto , había preguntado incluso en varias ocasiones al duque de Mantua si no tenía intención de prescindir de los servicios de este extraordinario y joven pintor . Pero el duque no accedió , entusiasmado él mismo con las obras de Rubens , Alberto vio llegada la oportunidad en 1609, cuando el pintor se encontraba en los Países Bajos . Se apresuró a nombrar al joven artista pintor de cámara y de esa manera- en palabras del propio Rubens - le puso " cadenas de oro ".

 Caza del hipótamo y cocodrilo, 1615-1616
óleo sobre lienzo 248 x 321 cm
Alte Pinakhothek, Museum

Formas barrocas

Como muchos otros pintores del Renacimiento, el artista había admirado en sus largos viajes a Italia las obras de los clásicos. Aún así, sus figuras se diferenciaban notablemente de las de sus colegas . Rubens procuraba que las suyas no fueran tan rígidas y tan inmóviles como las estatuas de mármol clásicas . Con sus pinceladas les daba vida y transformaba sus severas formas en movimientos dinámicos . Rubens tuvo especial éxito con sus desnudos femeninos , cuyos cuerpos opulentos son su marca distintiva , que ha perdurado hasta la actualidad . No solo porque esas damas entradas en carnes fueran el ideal de belleza de la época : a Rubens esas formas le seducían como hombre que era y le suponían un reto artístico . En muchas de sus pinturas religiosas y mitológicas, estas figuras se agolpaban en coloridos grupos sobre el lienzo , confiriéndoles más movimiento y luminosidad que en todas las obras anteriores. Esta es la razón de que hoy en día muchos consideren a Rubens , el pintor más importante del barroco.

Barroco

Los pintores de finales del siglo XVI estaban cansados de los colores vivos , las formas asimétricas y la frialdad del manierismo. Añoraban las formas claras y sencillas, pero al mismo tiempo, sentían predilección por los efectos teatrales y los movimientos dinñamicos , Los italianos Anibale Carraci y Caravaggio fueron los precursores de esta nueva corriente artística . Un gran admirador de esta nueva corriente artística fue el flamenco Peter Paul Rubens , que después de sus viajes a Italia se convirtió en el pintor barroco más famoso al norte de los Alpes, hasta que el holandés Rembrandt le disputó esa posición. La pintura inglesa del barroco estuvo completamente sometida al influjo de Rubens y de su discípulo Anthonis Van Dyck , que se había hecho un nombre al otro lado del Canal de la Mancha como retratista . El nombre barroco proviene probablemente de la palabra portuguesa barruco, que significaba " perla de forma irregular " Este estilo artístico se observa hasta finales del siglo XVIII , aunque el último período , con su especial carácter juguetón y detallista , se denominó rococó

Helene con dos de sus hijos ( Clara Johanna y Frans ), 1636
óleo sobre tabla 113 x 82 cm
Museo del Louvre, París

El taller de Rubens

La producción del pintor flamenco fue tan vasta que muchas de sus pinturas no se sabe a ciencia cierta fueron pintadas por él mismo o por uno de sus numerosos ayudantes y colegas que trabajaban en el taller . El maestro en persona solo realizaba de propia mano una obra si se trataba de encargos realmente importantes . Esta división del trabajo repercutía naturalmente también en el precio , tal y como cuenta Rubens en una carta en la que hace referencia a una de sus obras : " Original de mi mano , a excepción de un bello paisaje realizado por un maestro versado en el género.En muchas ocasiones, el " maestro versado " era de los numerosos artistas que más tarde llegarían a ser conocidos en todo el mundo , como Anthonis van Dyck o Jan Brueghel , que estudiaron y trabajaron en el taller de Rubens.

La fiesta de Venus , 1632
óleo sobre lienzo 217 x 350 cm
Museo de Historia del Arte, Viena

Carrera diplomática

A Rubens , le afectó sobremanera la muerte de su esposa Isabella Brant, en el año 1626 . Pero el artista no se recluyó, más bien al contrario siempre se había interesado por la diplomacia y dado que además del flamenco, su lengua materna, también hablaba con soltura francés, alemán y español y latín, aparte de dedicarse a trabajar como pintor se aventuró con éxito en el mundo de la política . Carlos I de Inglaterra quedó encantado con este mensajero pintor que en 1629 le armó caballero . Poco después, Rubens, quien entonces contaba 53 años de edad pero tenía muy buen aspecto, se casó con Heléne Forment , de 16 años de edad : " He decidido casarme -justificó su inusitada boda - porque todavía no me siento preparado para una vida de soltero "

Mercedes Tamara ( autora )

23-01-2015

Bibliografia : El Barroco, Edic Taschen

PABLO PICASSO Y EL CUBISMO

PABLO PICASSO Y EL CUBISMO 

Las señoritas de Aviñón, 1907
óleo sobre lienzo 243,9 x 233, 7 cm
Museum of Modern Art Nueva York

Pablo Picasso

 Pablo Ruiz Picasso^[] (Málaga, España; 25 de octubre de 1881-Mougins, Francia; 8 de abril de 1973),pintaba desde muy joven con gran maestría . Su padre , profesor de dibujo y pintor de animales estaba entusiasmado con el realismo y la perfección de las pìnturas de Pablo. A éste, sin embargo, la parecerían posteriormente más bien horribles. Picasso aún tenía que aprender a dibujar sin prejuicios como suelen hacer los niños : " Se necesita mucho tiempo para llegar a ser joven " Picasso

Picasso quería dibujar incluso un simple gallo de una manera totalmente nueva , diferente de la de los artistas de su época , que estaban consagrados al realismo ." Siempre ha habido gallos . Lo que importa es descubrirlos , igual que el resto de las cosas ". El arte de Picasso se puede entender como un intento constante de descubrir de nuevo la vida , los animales, las personas y las cosas sencillas.

Representar la vida sencilla de manera insólita significaba para Picasso, en un primer momento, mostrar la vida de los pobres, de los mendigos y artistas de circo en tonos azules tristes y rosas . Por aquel entonces, el mismo Picasso tenía poco dinero que en ocasiones tuvo que alimentar la estufa con sus pinturas y dibujos para calentar su estudio parisino.

Guernica, 1937
óleo sobre lienzo 35 x 782 cm
Museo de Arte Reina Sofia , Madrid

Nace el cubismo

Descubrir el mundo para el artista implicaba captarlo en sus pinturas de manera novedosa. En su obra Las señoritas de Aviñón , las cinco mujeres representadas han quedado reducidas a formas y colores sencillos . La cara de la mujer que está sentada en la parte inferior derecha se puede ver a la vez en perspectiva frontal y de perfil. Picasso descomponía progresivamente los objetos sobre el lienzo en diferentes formas geométricas : triángulos, círculos y cubos. Esta es la razón de que este tipo de representación creada por Picasso en colaboración con su amigo Georges Braque , en Paris, recibiera el nombre de cubismo. Picasso empezó a buscar otra nueva forma de pintura

Cubismo

Desde el Renacimiento , todos los artistas habían intentado , con ayuda de la perspectiva central , crear sobre el lienzo la ilusión de profundidad .Hacía 1907, Pablo Picasso y Georges Braque rompieron totalmente con esta idea en París. Subrayan precisamente la bidimensionalidad de sus pinturas , y en sus retratos y naturalezas muertas descomponían las caras . Los instrumentos de música , los jarrones y las arquitecturas representadas en simples círculos, triángulos y cuadrados planos. Estos cuadrados ( cubos ) fueron los que dieron el nombre a esta corriente artística.

Paul Cézanne había iniciado también una técnica similar. pero estos artistas lóvenes eran más radicales que él . El cubismo temprano recibe el calificativo de analítico( que descompone ) Posteriormente, nació el cubismo sintético ( que compone ) que unía las formas geométricas creando nuevas figuras .Otros artsitas famosos fueron Robert Delaunay Juan Gris, Fernad Léger y Marcel Duchamp

Jacqueline con las manos cruzadas, 1954
óleo sobre lienzo 116 x 88,5 cm
Museo Picasso, Paris

Mujeriego y padre

Aunque era caprichoso y autoritario , Picasso rompió bastantes corazones . Hizo innumerables retratos de sus esposas y amantes,cada vez en estilos nuevos . Picasso era un trabajador infatigable y además tenía mucha fantasía . Sobre todo pintó a su compañera Marie- Thérèse Walter, a la fotógrafa Dora Maar y a su última esposa Jacqueline Rocque. La mayoría de las veces, Picasso intentaba captar estados de ánimo . Pintaba a las mujeres tal como él las veía : unas veces tristes y llorando , otras enfadadas gritando y otras tranquilas y absortas en un libro. Las componía a partir de formas y colores.

Picasso tuvo cuatro hijos : Paolo, Maya, Claude y Paloma . La paloma, junto con otros animales, desempeñó un papel muy importante en las obras de Picasso. En 1949, el año que nació Paloma , dibujó su famoso cartel con una paloma como símbolo de la paz. Picasso odiaba la guerra . Uno de los cuadros más conocidos , 

el Guernica, es una denuncia sobrecogedora de la destrucción y la aniquilación bélicas. El motivo de su obra fue el bombardeo de la pequeña ciudad de Guernica por la aviación alemana durante la guerra civil española.

Mercedes Tamara

22-01-2015

Bibliografía: Picasso, Edic Taschen

ESCUELA DE PARÍS

ESCUELA DE PARÍS

Desnudo echado con los brazos abiertos 1917
Amedeo Modigliani: óleo sobre lienzo 60 x 92 cm
Colección privada

Escuela de Paris
De 1904 a 1940, la historia del arte está dominada por una secuencia de movimientos artísticos solapados e interrelacionados . No obstante, durante este periodo ,muchos artistas trabajaron de forma independiente . El término École de Paris ( escuela de París ) no se refiere a un estilo artístico como tal, sino que se usa para agrupar a muchos artistas independientes que se instalaron en París , durante los años anteriores y posteriores a la primera guerra mundial. El término fue usado por primera vez por el escritor André Warmond ( 1885-1960 ) en un artículo que publicó en 1925. Pretendía que la expresión abarcara a todos los artistas que habían llegado a la ciudad durante las dos décadas anteriores, entre ellos Pablo Picasso ( 1881-1973 ) y Henri Matisse ( 1869-1954 ) no obstante, desde entonces el término ha pasado a usarse para designar a unos ochenta artistas de otros países- sobre todo europeos-pero también de lugares más lejanos como Japón- que se instalaron en Paris.

La escuela de París fue un fenómeno tanto social como cultural, dado que los artistas con los que se anuncia el término no compartían ni un objetivo sociopolítico unificado ni un enfoque estético común. Sus manifestaciones artísticas son figurativas ( aunque con notables excepciones en el ámbito de la escultura ) y se centran en la representación de la figura humana. Los artistas compartían la creencia de que trabajar en la capital francesa les había dado la oportunidad de estudiar las grandes obras de arte, forman parte de la comunidad de una comunidad de artistas de ideologías afines y beneficiarse del interés de numerosos marchantes y coleccionistas privados . En Montparnasse , los artistas se mezclaban con los escritores y los músicos. Durante los años inmediatamente anteriores a 1914, algunos intelectuales con inclinaciones políticas socialistas,como Warmond , el poeta Guillaume Apolinaire 
( 1880-1918 ) se hicieron amigos de artistas extranjeros porque creían que el hecho de fomentar una agenda cultural internacional servía para erradicar la creciente oleada de xenofobia y militarismo.

El violinista ,1912
Març Chagall: óleo sobre lienzo 188 x 158 cm
Stederlijk Museum Amsterdam

Una parte significativa de artistas que llegaron a la ciudad eran judíos de Europa del Este que huían de las restricciones zaristas , de la amenaza de los progromos y de las constricciones de la vida en los shetts .Uno de los emigrantes fue el ruso Chaim Soudine ( 1893-1943 ) cuya obra constituye la máxima representación del espíritu independiente de los artistas de la Escuela de París , con su uso decorativo y casi pasional del color y su temática a menudo inquietante que pone de relieve su sentimiento de alineación . Su compatriota Marc Chagall ( 1887- 1985 ) llegó a París en 1910 . Su arte estaba influenciado por los planos quebrados del cubismo y por la coloración translúcida de lo que Apollinaire bautizó con el nombre de orfismo, dos elementos que combinó con una peculiar secuencia narrativa . En El violinista ( fig 2 ) el pintor refleja su anterior vida doméstica en una comunidad jasídica cerca de Vitebsk. Es una referencia a los violinistas que tocaban en ceremonias y festividades, lo que pone de manifiesto la nostalgia que sentía Chagall por sus raíces culturales y religiosas. La combinación formada por las casas flotantes , las referencias históricas bíblicas o judías y una paleta de colores claros se convirtió en algo fundamental en el arte de Chagall.

El rumano Constantin Brancusi llegó a Paris en 1904 . Desarrolló un estilo escultórico muy simplificado en el que se suprimían todos los detalles considerados supefluos , como la ropa, los rasgos faciales y los miembros del cuerpo bien definidos. Para Brancusi, el cual se  negaba a definir su obra como abstracta , lo más importante no era la forma externa " sino la idea de las cosas " Sus retratos escultóricos , de los que solía hacer varias versiones , no eran estudios psicológicos expresivos ,sino una sintesis de todas las características del individuo en una sola forma primordial.

Andrómeda 1927.1929
Tamara de Lempicka ;óleo sobre lienzo 100 x 65 cm
Colección privada

El italiano Amedeo Modigliani ( 1884- 1920 ) se crió en el seno de una familia de judíos sefardies y se trasladó a Paris en 1906. Aunque ,inicialmente, emprendió una carrera como pintor , Modigliani renovó su interés por la escultura en 1909,  cuando conoció a Brancusi . Pero debido a la falta de ventas y a una dolencia pulmonar , regresó a la pintura en 1914, Pintó una serie de desnudos entre 1916 y 1919 . Su patente sensualidad provocó un verdadero escándalo cuando las expuso en 1917 . Las posturas clásicas de las obras , como por ejemplo, Desnudo echado con los brazos abiertos ( fig 1 ) hacen referencia a los antiguos maestros y desafiaba la noción futurista de que la era del desnudo había sido superada por la máquina . Como Modigliani, la refugiada Tamara de Lempicka ( 1898-1980 ) hizo referencia a los motivos renacentistas , aunque también al neoclasicismo de Jean -Auguste Dominique Ingres . En la pintura Andrómeda ( fig 3 ) Lempicka pinta a su modelo con una abrumadora sensualidad . Su obra es tremendamente estilizada , al más puro estilo Art-Déco y captura el estilo de vida de sus círculos sociales más ricos y hedonistas .

A partir de 1930, el Musée du Jeaume de Paume de Paris, empezó a adquirir las obras de los artistas de la escuelade Paris , lo que encendió un acalorado debate sobre las diferencias de las obras de franceses y extranjeros . Durante la década de 1930 se vivió el declive gradual de la escuela de Paris, sus principales artistas fallecieron o abandonaron la ciudad. Después de la segunda guerra mundial, Nueva York tomó el relevo a Paris como capital del arte vanguardista.

Mercedes Tamara

19-01-2015

Bibliografia : " Arte, toda la historia " Edic Blume